Martes, 28 de febrero de 2006

Primer rock and roll oficial de la historia
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1954

Bill Haley y los Comets graban en New York el primer rock and roll oficial de la historía " Rock around the clock"
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En 1954 empieza a grabar en Memphis Tenesse, para un sello local, Elvis Presley . Sus discos triunfan en las emisoras de la zona.

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De todas formas , los estudiosos señalan que un par de años antes , Lloyd Price había grabado "Lawdy Miss Clawdy" . Y que incluso tres años antes , un pianista gordo de Nueva Orleans llamado Antoine Fats Domino había grabado "The fat man" , que se podía considerar el primer rock de la historia. Incluso los defensores de la música negra dicen que ya en los años 40, los hombres de Chicago habían estado haciendo esa música , aunque no se les había ocurrido llamarlo rock and roll.Imagen


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Charlie Parker nació en el seno de una familia humilde en un barrio de Kansas City. Con 13 años ingresó en el "College Lincoln" donde se despertó en el el interés por la música. Empezó a estudiar bajo la dirección de Alonzo Lewis, que había tenido como alumno suyo anteriormente a Walter Page entre otros. En la banda de alumnos del colegio, le pusieron a tocar la tuba, pero su madre -bendita madre- no lo consideró un instrumento adecuado para el y con sus ahorros le compró su primer saxo alto.
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Aprendió el instrumento de forma
autodidacta e intentando al principio imitar a los grandes saxofonistas de Kansas City, como Ben Webster y sobre todo, Lester Young. Era 1935, y con tan solo quince años tenía el carné de músico profesional del "Local 627", sindicato de músicos de Kansas; se acababa de casar con una compañera del colegio mayor que el; iba a ser padre y ya había probado todo tipo de estupefacientes en una ciudad, Kansas City, cuyo alcalde, Tom Pendergast, era un notorio gangster. En 1938 después de que el clarinetista, Buster Smith, le aconsejara sobre la técnica del saxofón y el uso adecuado de las boquillas y cañas, se marcha a Chicago y de allí salta a New York. Sobrevive fregando platos en un restaurante donde Art Tatum, tocaba el piano y tras cuatro de años con el carné de músico y tras varias experiencias importantes, Charlie Parker entra en la banda del pianista, Jay McShann, con quien permanecerá hasta 1942, siendo un elemento fundamental en la sección de saxos. Con Jay McShann, grabará sus primeros discos importantes y en ellos está el germen del genio extraordinario que vendría poco después. En una de las estancias de la orquesta de McShann en el Savoy Ballroom de Harlem, se cruza por primera vez con quien seria su alter ego musical, el trompetista, Dizzy Gillespie.

Cuando McShann, decidió regresar con la orquesta a Kansas City, Parker optó por quedarse en Nw York, y participar en la agitada vida musical de la ciudad. Sus jam sesión en el Minton's Playhouse, eran diarias y en ese tiempo, el sustento económico lo proporcionaba un contrato con la orquesta de Earl Hines. De aquel periodo no hay grabaciones debido a la prohibición de grabar discos que se prolongó hasta bien entrado 1944. En aquella banda cantaba un músico que posteriormente formaría la primera bigband bop de la historia; estamos hablando de la orquesta de Billy Eckstines y por la que desfilarían futuros gigantes del jazz moderno: Art Blakey, Miles Davis o Tadd Dameron. "Bird" apodo por el que ya se le conocía, dejó pronto la orquesta y forma un cuarteto para tocar en el club "Three Deuces" de la Calle 52 en una sesión liderada por el guitarrista Tiny Grimes para el sello Savoy. El bebop, estaba a punto de llegar.

En 1945, Charlie Parker grabará junto a Dizzy Gillespie, una serie de discos que, para la historia, quedaran como los primeros verdaderos testimonios de esa nueva forma de jazz. La música contenida en las sesiones de Savoy (1944-1948) y Dial (1945-1947) son hoy indiscutibles clásicos del jazz. En Diciembre de aquel año, encabezando con Dizzy un sexteto estelar se marcho a California con un contrata para tocar en el club "Billy Berg's" de Los Ángeles y la experiencia es un fracaso musical y económicamente. La adicción de Parker a la heroína es total y hay noches que no aparece por el club, lo que provoca que Dizzy Gillespie decidiera no tocar mas con el, cosa que cumple con contadísimas excepciones. Cuando Gillespie regresa a New York, Parker se queda en Los Ángeles dada la relativa facilidad con que allí encontraba la heroína. Su cuerpo no resistió y tuvo que ser ingresado en el Hospital Psiquiátrico de Camarillo, después de una sesión fatídica de grabación de la que salió un angustioso "Lover Man" con Parker casi sin poder sujetar el saxo.

Siete meses después, desintoxicado, pero nunca curado, regresa a New York e iniciará a partir de 1947 y durante cuatro años, la etapa mas brillante y creativa de su carrera. Charlie Parker, llevó el mensaje del bebop por los clubes mas importantes de New York, -incluyendo el que inauguraron en 1949, cerca d Broadway y que bautizaron "Birdland" en su honor- y de las principales ciudades del país. Firma un contrato con el sello Verve, tercera estación de paso obligatoria en su discográfica junto a las sesiones grabadas para Savoy y Dial. Empieza a llegarle los honores cuando las revistas especializadas: Down Beat y Metronome, lo eligen varias veces como "Numero Uno" en su instrumento. 1949, es el año de su primer viaje a Europa con ocasión del Primer Festival Internacional de Jazz de Paris. En 1950 vuelve a visitar Europa tocando en Escandinavia y en 1951, lo hace en una gira organizada por Norman Granz bajo el patrocinio del JATP.

Nuevas recaídas con la droga le avisan del estado de salud, y provocan que le sea retirado el carné para poder tocar en los locales de New York. Mantiene una relación amorosa y sentimental con Chan Richardson que le da un hijo y una hija. Es la muerte prematura de esta ultima en 1954 la que acelera su fin. Alterna sesiones musicales grandiosas con estados depresivos cada vez mas frecuentes, bebe como un cosaco y su conducta es cada vez mas caótica hasta el punto de que intenta suicidarse de nuevo. Su ultima aparición en Birdland, el 5 de marzo de 1955 será una autentica catástrofe. El día 9 sintiéndose mal se refugia en la cas de la Baronesa Pannonica de Koenigwarter donde falleció mientras miraba un show cómico en la TV.

Charlie Parker, tenía 35 años y su muerte según el parte médico del forense - que dejó escrito que el cadáver era de un hombre que aparentaba 60 años- fue producto de una combinación entre neumonía, ulcera de estomago, cirrosis e infarto posterior. Al día siguiente, apareció por todas las paredes de New York, y en los vagones de metro, graffitis e inscripciones que decían: "BIRD LIVES". Y tenían razón. Charlie Parker, el más extraordinario saxo alto y el mas grande improvisador de toda la historia del jazz, había, en poco mas de una década, cambiado con su música el curso de esa misma historia de forma imparable y las consecuencias de su gigantesca aportación sigue hoy tan valida como entonces.


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Lunes, 27 de febrero de 2006

Yoko Ono Lennon - nacida el 18 de febrero de 1933) es una artista estadounidense nacida en Tokio (Japón).
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Esposa de John Lennon. Lennon le dedicó gran parte de su trabajo, canciones y discos. Ambos se casaron en Gibraltar.

Yoko Ono es una de las más importantes artistas de vanguardia de la década de los 60s, era integrante del grupo Fluxus. Muchos la consideran hoy una de las artistas que más influencia tuvieron en la formación del género y la cultura punk.

Adepta del arte conceptual, Yoko cree que las ideas son el motor y la esencia de la obra de arte, podiendo llegar a ser incluso más importantes que su forma física y el empleo de técnicas de realización. En el arte conceptual, el contenido, el mensaje, el estímulo al pensamiento y la crítica son ya por si mismos el arte. Yoko llegó al punto de componer canciones que solo existian en su mente, de organizar conciertos en que el público tenía que imaginar por si mismo la música que oía. Editó un célebre libro de dibujos y piezas de arte, Grapefruit, varias películas conceptuales (como Fly) e innumerables discos marcados por el experimentalismo. Entre ellos se destacan las obras-maestras Plastic Ono Band, Fly, Approximately Infinite Universe (años 1970) y Season Of Glass (años 1980). En los años 1990, sacó dos discos que fueron muy bien recibidos por la crítica: Rising y Blueprint For A Sunrise. Hasta hoy, sus mayores éxitos han sido Walking On Thin Ice y, en menor nivel, Never Say Goodbye. Sus discos en colaboración con John Lennon incluyen Unfinished Music 1: Two Virgins, Unfinished Music 2: Life With The Lions, Wedding Album, Somewhere In New York City: Live Jam, Double Fantasy y el póstumo Milk & Honey.

En los últimos años, un proyecto de remezclas de sus antiguos clásicos ha tenido muchísimo éxito, y muchas de sus más clásicas y hasta entonces desconocidas canciones accedieron a los primeros puestos de las paradas Dance/Club Play de Billboard, como Walking On Thin Ice, Hell In Paradise, Everyman, Everywoman y Open Your Box.

Gran parte de la obra de Yoko (artes plásticas y música) trata de temas como libertad de pensamiento, paz, lucha contra el racismo, la homofobia y el sexismo y la valoración de las pequeñas grandes sensaciones cotidianas. Una característica marcante de su arte (canto, escritura, música, películas, dibujos etc.) es la economía de recursos generadores de un máximo efecto. Los mismos motivos resurgen en su obra en diversos momentos, adaptados, reaprovechados y cargados de nueva significación.

Discografía (solo)
1970 Yoko Ono/Plastic Ono Band Rykodisc
AMG Track Picks Includes Why, Touch Me, Open Your Box

1971 Fly Rykodisc
AMG Track Picks Includes Midsummer New York, Don't Worry, Kyoko (Mummy's Only Looking for Her Hand in the Snow), Don't Count the Waves, Fly

1973 Approximately Infinite Universe Rykodisc
AMG Track Picks Includes Death of Samantha, Approximately Infinite Universe, What a Bastard the World Is

1973 Feeling the Space Rykodisc
AMG Track Picks Includes Growing Pain, Yellow Girl (Stand by for Life), Woman Power

1981 Season of Glass Rykodisc
Includes No, No, No

1982 It's Alright (I See Rainbows) Rykodisc
AMG Track Picks Includes Loneliness, Tomorrow May Never Come

1985 Starpeace Rykodisc
AMG Track Picks Includes Hell in Paradise, Rainbow Revelation, I Love You, Earth

1995 New York Rock [Original Cast] Capitol



1995 Rising Capitol
AMG Track Picks Includes Talking to the Universe, Where Do We Go from Here?, Rising

1997 A Story Rykodisc
AMG Track Picks Includes Loneliness, Tomorrow May Never Come, She Gets Down on Her Knees

2001 Blueprint for a Sunrise Capitol


Publicado por bach24111 @ 14:29  | Filatelia musical
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John Winston Lennon (9 de octubre de 1940 - 8 de diciembre de 1980), es uno de los músicos y compositores más destacados de la música rock. Integrante y fundador del grupo The Beatles (donde tocaba la guitarra, cantaba y componía gran parte del material junto a su compañero Paul McCartney). Lennon ha compuesto algunas de las melodías más conocidas del siglo XX.
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Biografía
Nacido el 9 de octubre de 1940 en Liverpool, Inglaterra, bajo las bombas que la Luftwaffe alemana arrojaba sobre la ciudad. Su padre era un marino, Alfred Lennon, y su madre era Julia Stanley. Como su padre viajaba mucho, Julia se sentía sola, así que terminaron por divorciarse cuando John tenía cuatro años. Como su madre se desentendió de él, porque se consideraba incapaz de criarlo, lo dejó con su tía Mimi Stanley y su tío George, con quien vivió toda su infancia y juventud. John creció escuchando a Elvis Presley, Little Richard, Chuck Berry, Ray Charles, Buddy Holly y muchos otros fenómenos del country, y el rhythm and blues. Estudió en la Escuela de Arte de Liverpool donde comenzó a escuchar rock and roll norteamericano. En la escuela de Bellas Artes conoció a Cynthia Powell, que con el tiempo sería su primera esposa.


Formó varias bandas antes de llegar, finalmente, a los Beatles. "The Quarrymen", Johnny & The Moondogs y John & The Silver Beetles fueron los nombres de estas bandas en las que se hacía acompañar por sus amigos de la escuela (entre ellos Stuart Sutcliffe). También fue él quien ideó el nombre "The Beatles", que según dijo públicamente, se le ocurrió en un sueño en el que una especie de duende le decía que tenían que llamarse "Beatles", como "Beetles" pero con una "a". Sin embargo, la realidad es que se le ocurrió a la hora de asemejar "Beetles" con la palabra "Beat" (ya que la música que querían hacer se denominaba Beat Music). El nombre del grupo evolucionó de "John & the Silver Beetles" a "John Silver & the Beetles", y de ahí y después de la transformación de la palabra "beetles" pasó a llamarse simplemente "The Beatles". Fue en 1956, en una tocata en una iglesia, que John conoció a Paul McCartney (quien quedó impresionado por el carisma de Lennon, que en ese pequeño concierto cantaba cambiando las letras de las canciones), a quien invitó a unirse al grupo porque podía tocar la guitarra y además, afinarla, un reto imposible para muchachos de esa edad. Más tarde entraron a la banda George Harrison, propuesto por McCartney, y que tuvo que pasar una especie de prueba (para saber si sabía tocar bien la guitarra) delante del resto de integrantes del grupo para poder formar parte de él, y Pete Best, quien después sería reemplazado por Ringo Starr para así conformar la clásica alineación de los Beatles. Pete Best dejó cada vez más de lado al grupo, que tenía que pedir a Ringo Starr (al que conocieron porque tocaba en el mismo local alemán que ellos con su grupo) que le sustituyese.

La madre de John murió atropellada por un policía borracho provocando en John un trauma del que nunca llegó a recuperarse, llegando a escribirle una emotiva canción el año 1970 con The Plastic Ono Band, titulada, " Mother ".

En 1962 comenzó el éxito en Inglaterra del cuarteto con su primer single, " Love Me Do " y ya para 1963 tendrían su primer disco de larga duración,Please Please Me. Más tarde, ese mismo año, conquistaron el mercado norteamericano con su disco With The Beatles.

En agosto de 1962 se celebra la boda de John y Cynthia Powell. De su matrimonio nacerá Julian.

Lennon siempre fue el alma rebelde del grupo, el intelectual, el que en 1966 se atrevió a decir una frase que la prensa malentendió: «The Beatles son más populares que Jesucristo.» Esto causó gran conmoción en la comunidad Cristiana, hasta el punto de que en muchos lugares del mundo la gente empezó a quemar los discos de los beatles públicamente). Después de que se formara tanto escándalo por su declaración, declaró: "« No dije que The Beatles son mejores que Jesucristo, dije que somos más populares, como lo puede ser la televisión o cualquier otra cosa »", y alegó que había sido malinterpretado.

Fue al que se le ocurrió grabar las guitarras dos veces, superpuestas, para lograr el extraño efecto de And Your Bird Can Sing (incluida en Revolver (1966) o, en el mismo álbum, grabar una canción de un solo acorde, basada en el Libro Tibetano de los Muertos, con loops, grabaciones al revés y toda una gama de sonidos psicodélicos: Tomorrow Never Knows. Los extraños efectos siempre le interesaron, por ejemplo podría decirse que fue el primero que introdujo el fenómeno de la "realimentación", el cual introdujo al principio de la canción "I Feel Fine". Descubrió ese efecto en un ensayo, al darse cuenta de que si tocaba una cuerda de su guitarra y se acercaba al altavoz mientras la cuerda aún vibraba, ésta continuaba vibrando más tiempo por el efecto de la vibración del altavoz en ella.

Sus canciones con los Beatles siempre fueron más viscerales, casi confesionales, como la popular Help!, que fue una llamada de auxilio al mundo ya que se sentía muy deprimido, y la balada folk You’ve Got To Hide Your Love Away (con clara influencia también de Bob Dylan). Luego comenzó a experimentar con historias como la de Lucy In The Sky With Diamonds (basada en un dibujo de su hijo, Julian), Being For The Benefit of Mr. Kite! y A Day In The Life (cuyas letras están extraídas, respectivamente, de un cartel de circo de finales del XIX y de un diario matutino).

En 1966 conoció en un museo a Yoko Ono con quien contrajo matrimonio después de divorciarse de Cynthia Powell. Yoko, artista también, lo indujo a experimentar aún más allá de la música. La prueba es el extrañísimo track Revolution 9, incluido en el disco The Beatles (1968) (también conocido como "el álbum blanco"). Dichas experimentaciones sonoras y estéticas también forman parte de los álbumes Two Virgins y Life With The Lions (1968 y 69, respectivamente). Yoko Ono siempre ha sido criticada por algunos fans, que le echan la culpa de la separación de los Beatles. Este "mito" viene de que Lennon y Yoko Ono no se separaban en ningún momento, hasta el punto de que ella asistía a todas las grabaciones de The Beatles (lo cual parecía molestar a los demás integrantes).


Junto a Yoko Ono y al primer ministro canadiense Pierre ElliottEn 1970, tras la separación de los Beatles, Lennon comenzó una carrera de solista nutrida de canciones clásicas. La rivalidad que existía entre Lennon y McCartney tras la disolución del cuarteto se hace evidente en canciones de Lennon, como How Do You Sleep, en la que le reclama: «Lo único que hiciste fue 'Yesterday'...». También mostró su rivalidad hacia McCartney incluyendo en "Imagine" una foto de Lennon sujetando a un cerdo (como insulto hacia McCartney a quien llamaba así despectivamente).McCartney respondió a ese ataque con la portada de su disco "Ram", en la que McCartney aparece sujetando de igual forma a una cabra.

Las tendencias políticas de Lennon se habían evidenciado desde la época Beatles, pero tocaron fondo con canciones como Power To The People. En 1971, una canción política, pero edulcorada, se convierte en lo más conocido de Lennon, considerado por muchos casi como un himno: Imagine. Por esos años decide mudarse de Londres a Nueva York, pero tuvo problemas para tramitar una visa (se dice que el presidente Richard Nixon lo veía como una amenaza). Al fin, Lennon pudo quedarse en Estados Unidos, iniciando una campaña política con conciertos y manifestaciones a favor de "LA PAZ"

En sus discos siguientes mantuvo un estándar de calidad, con buenas canciones y ocasionales contribuciones de Yoko y sus amigos (entre los que se contaban George Harrison, Billy Preston, Harry Nilsson, Elton John y David Bowie). De los temas compuestos como luego de la separación de los Beatles solo el tema Woman llego al primer lugar en cartelera en vida del cantante (Imagine lo lograría despues de su muerte), pero seguía siendo respetado como 'el genio Beatle', además de sustentar una carrera solista en sus convicciones estéticas, musicales y políticas, no dejándose llevar por el mercado comercial.

En 1975, Yoko da a luz al único hijo del matrimonio, después de un aborto: Sean Taro Ono Lennon. Yoko se encargó de los negocios y John se convirtió en una ama de casa, dispuesto a cuidar en todo momento a Sean, incluso abandonando su carrera musical.

Cinco años después, en 1980, Lennon sacó a la venta su esperado regreso: Double Fantasy. El álbum fue un éxito, con sencillos como Beautiful Boy, (Just Like) Starting Over, Watching The Wheels y la rockerísima I'm Losing You. Fue tal el éxito que Lennon regresó al estudio para grabar un segundo álbum al hilo, Milk and Honey. Una noche, al terminar de grabar, con Yoko, unas pistas, sobrevino la tragedia.


Mosaico en el Central Park, Nueva York, Estados UnidosMurió asesinado la noche del 8 de diciembre de 1980 en Nueva York, Estados Unidos, por un fanático desequilibrado, Mark David Chapman, que le disparó con un revolver, cinco balazos mortales después de pedirle un autógrafo esa mañana, a las puertas del domicilio de Lennon, el edificio Dakota, presuntamente un elaborado plan para eliminar a lennon, de los E.U.A. Desde entonces han salido a la venta miles de recopilaciones y homenajes, como una demostración de cariño y respeto al que es uno de los más grandes y más influyentes músicos del siglo XX.

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Discografía oficial
Unfinished Music #1: Two Virgins (con Yoko Ono) (1968)
Unfinished Music #2: Life With The Lions (con Yoko Ono) (1969)
Wedding Album (con Yoko Ono) (1969)
Live Peace In Toronto (En vivo) (1969)
John Lennon / Plastic Ono Band (1970)
Imagine (1971)
Sometime In New York City (con Yoko Ono) (1972)
Mind Games (1973)
Walls And Bridges (1974)
Rock 'n' Roll (1975)
Shaved Fish (Recopilación) (1976)
Double Fantasy (con Yoko Ono) (1980)
The John Lennon Collection (Recopilación) (1982)
Milk And Honey (con Yoko Ono) (1984)
Live in New York City (En Vivo) (1986)
Menlove Avenue (Recopilación Grabaciones 1973-74) (1987)
Imagine: Music From The Motion Picture (Banda Sonora) (1987)
Lennon (Recopilación 4 CDs) (1990)
Lennon Legend: The Very Best Of John Lennon (Recopilación) (1997)
John Lennon Anthology (Recopilación) (1998)
Wonsaponatime (Selecciones de Lennon Anthology) (1998)
Acoustic (Recopilación) (2004)
Peace, Love & Truth (Recopilación) (2005)
Working Class Hero: The Definitive Lennon (Recopilación) (2005)


Publicado por bach24111 @ 13:28  | Filatelia musical
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BIOGRAFÍA PIANO
THELONIOUS MONK
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Magnifico pianista y extraordinario compositor, Thelonious Monk, (1917-1982), se traslada desde Rocky Mount, la localidad donde nació, con su familia a New York con apenas tres años. A los cinco o seis años ya golpetea las teclas y a los once recibe lecciones de piano. De adolescente acompaña al órgano y al piano a su madre, que canta en una iglesia baptista, y a comienzos de los años 30 empieza a tocar en un local de su barrio como integrante de un trío. Tras ganar un concurso de aficionados al piano en el famoso Theatre Apollo de Harlem, realiza breves estudios en la "Julliard School" en 1939 y mas tarde se asocia con el baterista Kenny Clarke, que por entonces trabajaba establemente en el "Minton's Playhouse" de Harlem, el club fundacional del bebop años mas tarde. Casi al mismo tiempo, Kenny Clarke, le presenta a Bud Powell, pianista habitual de ese club y con el que establece una buena amistad.
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Es precisamente al lado de estos músicos y junto con el saxofonista alto, Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, y el guitarrista, Charlie Christian, con quienes inventa el nuevo sonido del jazz moderno y que todos conocemos como bebop. Las jam sessions del Minton's son rápidamente anunciadas de boca en boca y todos los músicos importantes de New York y todos los aficionados al jazz, pasan por Harlem para oír a los jóvenes músicos que se atrevieron a dar por terminada la era del swing con el nacimiento de la nueva y revolucionaria música. En 1944, Monk, conoce a Coleman Hawkins, con quien toca en el Club Onyx de la Calle 52 y con el que graba sus primeros discos, que luego serían consideradas las primeras grabaciones oficiales del bebop. Luego toca con el trompetista Cottie Williams y el saxofonista Skippy Williams y en 1946, con la big band de Dizzy Gillespie. En 1947 graba finalmente bajo su nombre, en combo y en trío, para el sello Blue Note una serie de discos extraordinarios y actúa en diferentes clubes hasta 1951. Fue su época dorada. En aquellos años, ya con un estilo pianístico conciso y perfecto, con una madurez estilística consolidada y con la creatividad a flor de piel, Thelonius nos dejó sus mejores composiciones, algunas de ellas, verdaderas obras maestras que se han convertido con el paso del tiempo en verdaderos estándares del jazz. Tres hay que destacar necesariamente, la bella "Round About Midnight", su extraordinaria composición "Straigh No Chaser" y su clásico "Blue Monk"

Pero desgraciadamente los buenos tiempos se le acabaron pronto y en 1951 es arrestado junto a Bud Powell por consumo de estupefacientes. Tras dos meses de cárcel le retiran el permiso de trabajo, lo que le impide actuar en los clubes de Nueva York hasta 1957. Fue casi una sentencia de muerte para su creatividad. En 1954, y tras una malísima racha económica solo superada por malísimos contratos mal pagados fuera de New York, y con una voluntad de hierro y arropado por su familia, no dejó nunca de componer ni de tocar el piano en su domicilio, hasta que en 1954, se cruzó en su vida la baronesa, Pannonica "Nica" de Koenigswarter, quien le ayuda económicamente hasta que le devuelven en 1957 el carné de músico. Nacido de nuevo para el jazz, Thelonious Monk, realiza una vuelta triunfal para tocar en el recién inaugurado club, Five Spot con John Coltrane y mas tarde, con Johnny Griffin y Roy Haynes. El éxito fue tan rotundo que el contrato se prolongó por espacio de seis meses y comenzaron las giras por Europa y Japón -donde ofrece en Tokyo, un concierto extraordinario- y actuaciones por doquier en conciertos y festivales. Incorpora a su grupo al saxofonista Charlie Rouse (1959-1970); alguna que otra vez actúa en big band y a partir de 1961 toca sobre todo en cuarteto. En 1971, tras una hospitalización, aceptó unirse a una gira europea del grupo "The Giants Of Jazz" junto a Dizzy Gillespie y Art Blakey entre otros. Finalmente grabó con Blakey y el bajista, Al McKibbon y también a piano solo, en una sola session en Londres tres magníficos álbumes que luego resultarían ser sus últimos discos.

En efecto, al año siguiente, en 1972, después de muy escasas apariciones, se retira y se encierra en el mutismo hasta su muerte en 1982. Sin dar explicaciones a nadie, debió decidir que estaba cansado y no volvió a parecer mas en publico. Los diez años que todavía vivió los pasó encerrado en su casa o temporalmente en casa de su protectora la baronesa "Nica". Algunas visitas por su cumpleaños de sus amigos, especialmente Charlie Rouse, transcurrían en el silencio mas absoluto. Finalmente una hemorragia cerebral el 17 de febrero de 1982 puso fin a su vida en el Hospital de Englewood de New Jersey, pero no a su historia.

Thelonious Sphere Monk, sigue viviendo en su música.

Mis discos de Thelonious Monk
-Seleciona un disco de la lista-EpistrophyMonk.Monk's Dreams (Imprescindible)Thelonious Monk Trío (Imprescindible)Brilliant CornersGenius of Modern Music. Vol 1Genius of Modern Music. Vol 2The Man i LoveThelonious Monk and Sonny RollinsPure MonkThelonious Monk with John ColtraneLive in Europe. The Paris ConcertCriss-CrossPlays Duke EllingtonMonkMonk in TokyoSolo MonkThelonious Monk in Italy

THELONIOUS SPHERE MONK

NACIDO EN: ROCKY MOUNT (CAROLINA DEL NORTE)

FECHA NACIMIENTO: 1917. 10 OCTUBRE

FALLECIDO EN: WEEHAWKEN (NEW JERSEY)
FECHA FALLECIMIENTO: 1982. 17 FEBRERO


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Domingo, 26 de febrero de 2006
S?bado, 25 de febrero de 2006
Viernes, 03 de febrero de 2006

Aunque su familia era de origen austriaco, Fred Astaire nació y se crió en Estados Unidos. Desde muy pequeño destacó por sus dotes para la danza. Aprendió a bailar siguiendo el ejemplo de su hermana Adele con la que formaría dúo musical. A los once años debutaron juntos en el teatro y su unió se prolongaría hasta que Fred contó con dieciséis años. Juntos realizaron numerosas giras por el país y protagonizaron grandes éxitos como "Over the top". En 1917 ambos conquistaron Broadway participando en las comedias musicales de George Gershwin (motivo por el cual se acercó colateralmente al jazz) y de Jerome Kern. En 1932 su hermana contrajo matrimonio y Fred se quedó sin pareja artística pero pronto encontraría a la que sería su pareja ideal, en una buena amiga, Ginger Rogers.

En 1933 debutó en el cine apareciendo brevemente en "Alma de bailarina" de Robert Z. Leonard aunque su consolidación cinematográfica le llegaría cuando le ofrecieron un papel secundario junto a Ginger Rogers en "Volando hacia Río de Janeiro", producción en la que también participaron Dolores del Río, Gene Raymond y Raoul Roulien. A mediados de los años 30, Astaire y Rogers ya eran una pareja consagrada que logró sus más altas cotas en películas como "Sombrero de copa" (1935), "Sigamos a la flota" (1936) o "Swing time" (1936). A partir de 1939 se produjo un largo paréntesis en el que no trabajaron juntos pero diez años más tarde reaparecieron. Durante los años sesenta cambió el claqué, del que llegó a ser el mejor bailarín del mundo, por las interpretaciones dramáticas revelándose de este modo como un actor versátil, aunque nunca abandonó del todo el musical. En 1968 se despidió del género pero no del cine ya que su última incursión se dio en 1981 en la película de terror: Historia Macabra.

En 1949 la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le concedió un Oscar honorífico por "su virtuosismo y contribución al arte de la comedia musical", galardón que le fue entregado a Ginger Rogers. Casi tres décadas más tarde, en 1974, fue nominado como mejor actor secundario por su papel en "El coloso en llamas". Fred Astaire, estuvo casado dos veces, la primera con Phyllis Baker Potter con la que tuvo dos hijos, Frederick y Ava; su segundo matrimonio lo contrajo en 1980 con Robin Smith, una jockey profesional, 44 años más joven que él. Fue conocido con el sobrenombre: El príncipe de la danza.fotos.miarroba.com


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LENGÜETA DE OBOE
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Laminilla de madera, de caña o de metal fijada por una de sus extremidades para que la vibre regutalmente al pasar por ella, cortándose, una corriente de aire que halla en ella un obstaculo. Cada vibración de la lengüeta produce una de la vibraciones de un sonido que cuanto más frecuentes sean las de la lengüeta más agudo será. La lengüeta es utilizada para producir un sonido único en los cuernos de llamada y en las sirenas: Batiente : es auella cuya extremidad libre choca contra un cuerpo sólido dispuesta a este efecto. Cuando la lengüeta es sencilla, choca contra la pared del tubo a la entrada del cual está colocada: es el tipo empleado en el clarinete, el saxófono y en los tubos de lengüeta del órgano. Cuando es doble, produce el sonido por los choques recíprocos de dos láminas de caña: es el tipo empleado en el oboe, el corno inglés, el fagot, el sarrusófono, la mussette, la cornamusa, y antiguamente en las familias del carrimillo, del cromorno y de la bombarda. En los instrumentos en que la corriente de aire se establece por el soplido humano, la afinación de la lengüeta es regulada por los labios del ejecutante , que acorta a voluntad la parte vivrante; en los tubos del órgano se regula la afinación por medio de un aparato pequeño llamado rasette.
Lengüeta libre: Se ha creido erróneamente , que fué inventada por Grenié (1810) , pero ya se usaba en siglos precedentes , y es conocida en China desde la más remota antigüedad. Se coloca delante de una abertura que cierra cuando está inmóvil, vibrando y abriéndola sucesivamente por uno y otro de sus lados cuando pasa el aire y la pone en movimiento . Se emplea en el acordeón, el armonio, y otros instrumentos similares.


Publicado por bach24111 @ 15:44  | Instrumentos musicales
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Manuscritos originales de Mozart en Internet

La Biblioteca Británica ha puesto a disposición de todos los cibernautas manuscritos originales de Mozart, como la Verzeichnüss aller meiner Werker como conmemoración del 250 aniversario de su nacimiento.



¿Quién dijo que los manuscritos originales de Mozart eran sólo para escolares de música clásica a través de los libros tradicionales? La biblioteca británica ha colocado en la Red, por primera vez, algunos de los trabajos más famosos del compositor.
En su página web se ha puesto también la versión digital de Verzeichnüss aller meiner Werker de Mozart para conmemorar el 250 aniversario del nacimiento del compositor austriaco.
El diario digitalizado, que contiene 30 páginas y 75 introducciones musicales, permite a los usuarios con un “clic” ver los manuscritos y oír algunos fragmentos de la partitura, incluidos los de trabajos perdidos como “Little March in D”, el cual ha sido grabado, por primera vez, por la Biblioteca para este proyecto.
El catálogo da detalle de 145 trabajos escritos por Mozart desde febrero de 1784 hasta su muerte en diciembre de 1791.
Usando las páginas electrónicas de la Biblioteca Británica los usuarios pueden echar un vistazo a las páginas manuscritas de Verzeichnüse aller meiner Werker, a las magníficas notas de Mozart, y podemos escuchar las primeras introducciones de comienzos de partitura hechas por los músicos de la Real Universidad de Música.
En el lado izquierdo de cada doble página Mozart escribió en la parte inferior cinco composiciones con la fecha en la que fue completada cada una, así como el título y los instrumentos usados para tocarlo. Él frecuentemente también incluía los nombres de los cantantes con los que trabajó, dónde fue compuesta la pieza y quién comisionó el trabajo. En el lado derecho el compositor escribió las partituras que eran para cada trabajo.


www.bl.uk/onlinegallery/ttp/ttpbooks.html


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Jueves, 02 de febrero de 2006

Metrónomo
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El metrónomo es un aparato utilizado en música para medir el tempo (la velocidad de la música).


Metrónomo de cuerdaEl péndulo que se utilizó en todo el siglo XIX y XX fue patentado en 1814 por Johann N. Mäzel (1770-1838).




Mecanismo

El metrónomo "analógico" (para diferenciarlo del actual metrónomo digital) se basa en un péndulo, que consiste en una varilla metálica dispuesta en posición vertical, con una pesa que se desplaza a lo largo de la misma. Cuando la pesa se sitúa cerca de la base, los tiempos son más cortos, mientras que al alejarla de la base el péndulo se mueve más despacio. Siguiendo la graduación que usualmente lleva grabada tras la varilla, es posible establecer la velocidad del metrónomo.

El mecanismo interno suele consistir en un muelle que se carga mediante un sistema de cuerda manual, que permite que el metrónomo funcione durante unos 10 a 15 minutos.

Metrónomo digital
En la actualidad existen metrónomos digitales que imitan a los analógicos, reproduciendo regularmente un sonido (o una luz) en un intervalo de tiempo preestablecido.

Negras por minuto
Si un compositor desea que el movimiento (la velocidad) del tempo sea de una negra por segundo (que es más o menos el ritmo del paso normal de un peatón) debe utilizar una sencilla regla de tres: si una negra equivale a un segundo, entonces un minuto (60 segundos) equivaldrá a 1 negra x 60 segundos / 1 segundo = 60 negras. Entonces se escribe al principio de la obra, (1n=60). (En vez de la letra n en realidad se utiliza el símbolo de la nota negra).

Por convención se utilizan palabras en italiano que indican el tempo. En orden de menor a mayor rapidez son: largo, adagio, andante, moderato, alegreto (en italiano (allegretto), alegro (allegro), presto y prestísimo (prestissimo).

El número de negras por minuto de cada uno de los movimientos (velocidades) de la música ha variado con el tiempo:

Metrónomo Maezel del siglo XIX
largo 40
lento 52
adagio 60
andante 69
moderato 84
alegreto 100
alegro 120
vivace 144
presto 160
prestísimo 184-240

Metrónomo analógico de 1950
grave 44
largo 46
larghetto 50
lento 52
adagio 54
andantino 66
moderato 80
alegreto 100
alegro 116
vivace 126
presto 144
prestísimo 184

Metrónomo electrónico
largo 50
larghetto 60
adagio 70
andante 80 - 100
moderato 110
alegro 120 - 160
presto 180
prestísimo 200

Compositores actuales (convención)
largo 40
adagio 50
andante 60
moderato 80
alegreto 100
alegro 120
presto 160
prestísimo 180


Publicado por bach24111 @ 15:34  | Teoria musical
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Louis Armstrong, nació el 4 de julio de 1900 en New Orleáns (Louisiana) en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de aquélla ciudad. Sin antecedentes musicales en su familia, su interés por este arte se germina oyendo tocar en su ciudad natal las célebres bandas neorleanesas que desfilan habitualmente por las avenidas de la ciudad. Su primer contacto con la música tuvo lugar en un reformatorio para niños abandonados cuando es admitido por buena conducta en la banda del reformatorio. Allí aconsejado por el director musical de la misma, Peter Davis, opta por la trompeta entre otros otros instrumentos.


Cuando en 1914 sale del reformatorio, empieza a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad, y allí conoce al cornetista, King Oliver. En 1918, con una bien ganada reputación como cornetista, es contratado por el director de orquesta, Kid Ory. Poco tiempo después, es Fate Marable, quien se fija en él para que se incorpore a su prestigiosa banda que actúa diariamente en los barcos de vapor que navegan por el Mississippi. En 1922, llega su gran oportunidad: King Oliver lo llama para que se incorpore a su "Creole Jazz Band" en Chicago. Allí comienza su apoteósica carrera. Graba sus primeros discos y su fama llega a oídos del mismísimo, Fletcher Henderson, el mejor director de orquesta negro del momento, quien le ofrece un contrato para que se una a su banda. En sólo un año, revoluciona el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y graba con las mejores cantantes de blues de la época, entre otras con la gran, Bessie Smith.

Deja la banda de Fletcher, y entre 1925 y 1928, inicia uno de los capítulos mas trascendentales de la historia del jazz. Forma sus dos propios grupos, primero los "Hot Five" y luego los "Hot Seven" y las grabaciones de aquellos años constituyen la semilla germinal de todo el jazz que hoy conocemos. Son diecisiete años al frente de grandes formaciones. Viaja a Europa por primera vez en 1932, vuelve en 1934 consiguiendo un espectacular éxito en Paris. Hollywood lo reclama y aparece en numerosas películas de desigual calidad. A mediados de los años cuarenta, forma su celebérrimo grupo: "All Stars" con el trombonista, Jack Teagarden, el clarinetista, Barney Bigard, el pianista, Earl Hines, el baterista, "Big Sid" Catlett, y el contrabajista, Arvell Shaw. Con ellos, Louis Armstrong se presenta el 13 de agosto de 1947 en el club: "Billy Berg's" de Los Ángeles y esa nueva etapa, se prolongaría hasta el final de su vida. Grabó innumerables discos, ofreció magníficos conciertos, sus músicos se renovaban sin que la calidad del grupo se resquebrajara, y el mundo entero escuchó a Louis Armstrong llevar su sempiterna sonrisa por los cinco continentes hasta que dos días después de celebrar su 71 cumpleaños, el corazón le dejó de funcionar. Falleció en su casa de Corona (New York) el 6 de julio de 1971


Publicado por bach24111 @ 11:00  | Jazz
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Elvis Presley
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Elvis Presley.Elvis Aaron Presley (Tupelo, Mississippi, 8 de enero de 1935 - Memphis, Tennessee, 16 de agosto de 1977), cantante de música rock estadounidense considerado un ícono de la música popular que inspiró a muchos cantantes, tanto dentro como fuera del género rock.

Considerado el Rey del Rock and Roll, también intervino en numerosas películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. A menudo es llamado simplemente Elvis o El Rey.

Vida y obra
Hijo de Vernon y Gladis Presley, fue fruto de un embarazo gemelar, aunque su hermano gemelo murió al nacer. Presley pasó su infancia y adolescencia en Memphis, donde trabajó de camionero. Su padre le compró su primera guitarra al cumplir 10 años. Desde niño, le apasionaba por igual la música blues, el gospel, así como la música country y el pop, incluyendo los temas musicales favoritos de su madre, que incluían la música mexicana y la ópera. Su cantante favorito era el tenor Mario Lanza, pero tenía gran predilección por Dean Martin, así como por Arthur Crudup, y todos los cantantes y músicos de lo que se llamaba entonces la música blues rural.

A los 19 años, como regalo de cumpleaños para su madre, grabó un disco con dos temas en los estudios Sun Records, "My Happiness" y "That's When Your Heartaches Begin". El propietario de la compañía, Sam Phillips, no llego a oírlo, hasta que regresó dos veces más, también grabando dos canciones en cada oportunidad, luego de lo cual quedó gratamente sorprendido. Tres meses después, le contrató para grabar un disco que tendría gran éxito en Memphis.

Muchos consideran que Presley fue el creador del rockabilly, una fusión del country y del blues. Con la edición de su primer tema de este género, "That's All Right, Mama", de Arthur Crudup, creó una de las imágenes mas clásicas del rock and roll. Habiendo conquistado la ciudad de Memphis, así como algunos mercados regionales en el sur de los Estados Unidos, en 1955, fue observado por Tom Parker quien gestionó, a finales de ese año, su traslado de la pequeña discográfica Sun Records, a la RCA, a cambio de 35.000 dólares, y un Cadillac para Presley.

Con su primer tema para la RCA, "Heartbreak Hotel", consiguió su primer número uno, de los 18 que consiguió en su carrera en Estados Unidos. Su modo de bailar, con sus movimientos pélvicos, resultó escandaloso, aunque entusiasmó a los jóvenes. En algunos programas de televisión, como lo fue durante su tercera aparición en el show de Ed Sullivan, sólo se le enfocó de cintura para arriba. Antes de su ingreso al servicio militar, rompió todos los records de venta, alcanzando 11 #1 seguidos en la lista de sencillos, y 4 #1 en la de los discos de larga duración. Interpretó, asimismo, cuatro películas, todas enormes éxitos de taquilla.


Tumba de Elvis Presley, Graceland, Memphis, Tennessee.Entre 1958 y 1960 estuvo ausente de los escenarios para realizar el servicio militar en Alemania. Su regreso al escenario fue espectacular, al aparecer como estrella invitada en el programa de Frank Sinatra con quien cantó una canción. Recibió 125.000 dólares por su actuación, que duró unos diez minutos.

En los años 60 Presley se dedicó a actuar en películas de mediana calidad, rodando unas tres películas por año, hasta un total de 31. En 1965 le comentó a John Lennon respecto a su próxima película: "Seré un chico de campo que conoce chicas y canta canciones. La última vez que nos alejamos de esa fórmula perdimos dinero". Presley admiraba sinceramente a los Beatles pero, luego, al estos cambiar su imagen a finales de los anos sesenta, los acusó de inducir a la juventud a consumir drogas. Su hegemonía en el mundo del rock llegó a su fin en 1964.

En 1967 Presley se casó con Priscilla Beaulieau, con la que tuvo un año después a su hija Lisa Marie. En 1968, volvio al top de los hits parades norteamericanos luego de un exitoso show de televisión. Su último gran concierto lo ofreció en Hawaii, en 1973, evento que fue presenciado por más de 1.000 millones de telespectadores en 40 países. Durante los cuatro años siguientes, su salud, debido a los excesos, se fue debilitando cada vez mas, hasta que finalmente falleció en Memphis, en su mansión, Graceland, el 16 de Agosto de 1977.

Principales películas
Love Me Tender (1956)
Loving You (1957)
Jailhouse Rock (1957)
King Creole (1958)
G.I. Blues (1960)
Flaming Star (1960)
Wild in the Country (1961)
Blue Hawaii (1961)
Follow That Dream (1962)
Kid Galahad (1962)
Girls! Girls! Girls! (1962)
It Happened At The World's Fair (1963)
Fun in Acapulco (1963)
Viva las vegas (1964)
Kissin Cousins (1964)
Roustabout (1964)
Girl Happy (1965)
Tickle Me (1965)
Harum Scarum (1965)
Frankie and Johnny (1966)
Paradise, Hawaiian Style (1966)
Spinout (1966)
Easy Come, Easy Go (1967)
Double Trouble (1967)
Clambake (1967)
Stay Away Joe (1968)
Speedway (1968)
Live a Little, Love a Little (1968)
Charro (1969)
The Trouble With Girls (1969)
Change Of Habit (1969)
That's The Way It Is (documental) (1970)
Elvis On Tour (documental) (1972)
In Concert (documental) (1977)


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Mi?rcoles, 01 de febrero de 2006

El fagot

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Instrumento de viento, de madera, con lengüeta doble y tubo cónico. Fué inventado en el siglo XVI para reemplazar al bajo de oboe, cuyo tubo recto había medido casi dos metros de longitud. El tubo, escindico en dos partes, une y comunica por la inferior.
A la pequeña que es la más estrecha , se adapta un tubo de cobre, recurvado en forma de S, en cuyo interior se coloca la lengüeta . No es exacto decir que el fagot fué imaginado por Afriano, canónigo de Pavía; el extraño intrumento que le atribuyó Albonesio (1539, denominado phagoto, era una especie de órgano portátil con dos tubos provisto de lengüetas libres y de llaves , a los que suministraban aire dos fuelles . Sin embargo , hay que hacer observar que la lengua italiana ha conservado la denominación fagotto , y que esta denominación ha triunfado en Alemania sobre la anterior de Pommer. En el siglo XVI, Scheitzer, de Nuremberg, ya era reputado como fabrinte de fagotesn de los que existian tres clases distintas de Praetorius(1619): el Pommer tenor o fagotino; el Pommer bajo, equivalente al fagot moderno, y el Pommer doble, al que corresponde el contrafagot. Asociábase a estos instrumentos , para formar con todos ellos una familia , el cervelas y el courtaud. Al principio el fagote sólo tuvo dos llaves, y luego cuatro; la quinta se le añadió en 1760. a partir de entonces el número de llaves se aumento con bastante rapidez.El fagot usado actualmente tiene ocho orificios laterales, practicados oblicuamente, y lleva ordinariamente dieciseis llaves. Su longitud teórica es de 2,85m.. Su extensión , casi semejante al violonchelo , es de veinte sonidos fundamentales y doce y doce armónicos . Su parte se escribe en notas reales. Su timbre mordente se destaca en el colorido orquestal, y se presta a los efectos sombríos y dramáticos lo mismo que a los de un género burlón e incisivo. Se le pueden pedir saltos a gran distancia , trazos rápidos, y serie de notas repetidas. Bach ya tenía fagotistas lo bastante hábiles para ejecutar un movimiento animado. Beethoven reconoció los recurso del fagot, y a menudo los puso de manifiesto, no sólo en sus sinfonías, sino también en Fidelio . Berlioz se sirvió de sus notas sombrías para acentuar el carácter de la marcha al suplicio, en la Symphonie fantastique. En cambio, Rimsky Korsakov, escogiendo sus notas más claras, le confío la exposición del gracioso y expresivo tema del segundo trozo de Sherazade, mientras que D´Indy y Dukas recorrieron a su sonoridad incisiva para obtener efectos francamente cómicos, uno en el episodio de los monjes de Camp de Wallenstein y el otro en el aprendiz de brujo. Hacia 1845, publicaron métodos de fagot Jancourt y Willent-Bordogni. Los onstrumentos de cobre han hecho desaparecer casi totalmente el fagot de las bandas militares, de las que formaba parte antiguamente, y para las cuales se fabricaban a veces modelos decorativos cuyo pabellón tomaba la forma de una cabeza de animal fantástico, con abiertas fauces guarnecidas de dientes.


Publicado por bach24111 @ 21:47  | Instrumentos musicales
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