S?bado, 29 de abril de 2006

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Pachacona y habas verdes
Habas Verdes - Baile Sanabrés -

La pachacona es un bailes propio de la provincia de Zamora . Suelen darle este nombre en algunas localidades para distinguirlo del llamado habas verdes. Es bailado igual que el zángano , de Valladoliz.
Habas verdesBaile cantado muy popular en Castilla, y que , siendo aúnde los más antiguos, ha llegado hasta nuestros tiempos Su nombre proviene del estribillo que se dice acompañado de castañuelas al son del pandero: Que toma las habas verdes
Que tomalas allá



ZánganoBaile castellano que se ejecutaba al son de las castañuelas y el pandero.

El gaitero de Sanabria - Julio Prada
Desde sus primeros pasos como gaitero fué el vecino de Robledo uno de los feudos del gaitero de Ungilde, según sus propias palabras tocaba en él más agusto que en el suyo. Así Julio llegó a dominar a la perfección y a conocer como nadie las tonadas, rondas y bailes más populares en Robledo. Allí llaman Habas Verdes a la tercera de las piezas del baile sanabrés. El tema que se recoge respondería a la composiciòn típica de la formación musical para el baile, gaitero, tamboril tocado por un hombre -en este caso el maestro Edelio González- y una mujer a la pandereta y el canto. La voz femenina es la de Maruja Piñero, uno de los más notables ejemplos del canto femenino acompañado de pandereta.


Publicado por bach24111 @ 10:03  | Bailes Tipicos
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Viernes, 28 de abril de 2006

Artículo mejorado en mi nuevo blog. Ir al blog


En los orígenes del jazz, la realidad y la fantasía se cruzan hasta un grado indiscernible. Y este es el caso de Jelly Roll Morton, (1890-1941) cuyo nombre verdadero fue Ferdinand Joseph LaMothe. Nacido en una familia de la pequeña burguesía criolla de la capital de Louisiana, se inicio en la música desde pequeño. En su adolescencia probó con la armónica, el tambor, el violín, el trombón, y la guitarra, hasta que finalmente se decidió por el piano. Realizo estudios intensos de solfeo y empleaba mucho de su tiempo para mejorar la técnica pianística para lo que recibió clases de Tony Jackson. Tras la muerte de su madre y la desaparición de su padre, Morton, vivió con su madrina que regentaba un prostibulo en New Orleáns y allí aprendió a tocar en publico y a llevar pistola al cinto. En aquel ambiente su juventud estuvo plagada de detenciones, encierros en la cárcel, varias condenas por delitos menores y hasta una fuga de la prisión.

En 1905 trabajó como pianista en el barrio de Storyville, centro de todos los tugurios y burdeles de la ciudad. Tras alguna composición exitosa, probó suerte en Chicago y mas tarde en California, ciudad que visitó cuando se celebraba la Exposición Universal de San Francisco. Emprendió una gira por el Sur con mas fracasos que éxitos, y en 1917 recaló en Los Ángeles donde se emparejó con un paisano de New Orleáns llegando a regentar un hotel. En 1923, le llegó la oportunidad de demostrar que si en lo relativo a su vida, fue un farsante, un pequeño granuja y un embaucador, en la música fue honesto, serio y riguroso. Descubrió en Chicago que allí se tocaba el jazz de New Orleáns. En junio de aquel año están recogidas sus primeras grabaciones, un par de temas al frente de un grupo irrelevante. Pero un mes después graba sus primeros solos de piano para el sello "Gennett" con lo que se inicia, hasta mediados de 1924, uno de los tres momentos estelares de su discográfica.

Los otros dos son las grabaciones en Chicago y en New York, al frente de sus "Red Hot Peppers" entre 1926 y 1928, y por ultimo las sesiones para la Biblioteca del Congreso Norteamericano en 1938, cuando Morton ya era una leyenda viva. Los solos de piano de Morton en 1923, constituyen el mejor testimonio de la transición entre el "ragtime" y el jazz propiamente dicho. La segunda cita de su intensa carrera, comienza a finales de 1926, cuando su editor, Walter Melrose, le consigue un contrato con el sello Víctor. Durante los nueve meses siguientes, con un grupo al que llamará los "Red Hot Peppers", grabará dieciséis piezas consideradas el mejor testimonio del jazz de New Orleáns en estado original. En 1928, Morton deja Chicago, donde pasó la etapa mas feliz de su vida, y se traslada a New York, el nuevo centro del jazz y allí descubriría que su música ya no era la mas avanzada. Hacia 1930, su estilo estaba pasado de moda y sus intentos por subirse al tren de la nueva música (el swing) fracasaron. solo fue hasta finales de la década de los treinta cuando fue redescubierto para el jazz.

Fue en 1938 cuando Morton trabajaba como pianista en "The Jungle" un modesto club de Washington, cuando fue reconocido por Alan Lomax, un musicólogo de prestigio, que convenció a Morton para llevar a cabo un ambicioso proyecto musical: enfrentarlo a piano solo, con una botella de whisky y un micrófono, para grabar para la Biblioteca del Congreso norteamericano y reproducir el estilo de colegas olvidados, y dejar el testimonio mas fiel de sus habilidades pianísticas en un documento sonoro y artístico irrepetible. Fue el canto de cisne de su carrera. Dos años después, en 1941, con la salud ya muy quebrantada, Morton murió en Los Ángeles tras un episodio de afección asmática.

Jerry Roll Morton y sus "Red Hot Peppers", continuaron el camino principal del jazz emprendido por Joe King Oliver y que luego continuaría, Louis Armstrong y Duke Ellington.

Cortesía de:JAZZ VINO Y LITERATURA


Publicado por bach24111 @ 15:36  | Jazz
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El nacimiento del Jazz
El nacimiento del jazz, por mucho que verdaderos talentos de la investigación se hayan empeñado en datarlo, se pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales de siglo XIX. El Gospel. el Blues, los MINSTRELS, PAYASOS NEGROS< EL RAGTIMEmás tardío e invención de Scott Joplin, crearon el transfondo sobre el queJELLY ROLL MORTON se permitiría autoproclamarse "inventor del jazz".

EL JAZZ

Comienzos del Jazz

EL RAGTIME
Un ejemplo de un ragtime de Joplin


Publicado por bach24111 @ 15:07  | Jazz
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Tendencias de los grados diatónicos.

Nunca dejaré de repetir lo que significan los temas que escribo . Los grados diatónicos don los de la escala,, En la escala de do -- do,re,mi,fa,sol,la,si-----

Hay que tener siempre bien en cuenta que significan las palabras en música sino te pierdes.
El do es el grado primero
re es el grado segundo
mi es el grado tercero
fa es el grado cuarto
sol es el grado quinto
la es el grado sexto
si es el grado séptimo

La distancia entre grados se denomina intervaloINTERVALO

Los siete grados de que se compone la escala mayor, excepto la tónica, base de la escala, tienden en mayor o menor medida a resolver sobre otro grado de dicha escala.

Asi el segundo grado (II) tiende al primero, El cuarto (IV) al tercero, El sexto( VI) al quinto (V). y el séptimo al octavo que es la tónica.


Publicado por bach24111 @ 13:20  | Teoria musical
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Sellos de Elvis






















ELVIS EN FILATELIA.
Muchos paises han sacado sellos de Elvis como un reclamo para llenar un poco las arcas medio vacias de dinero. Normalmente los pauses del tercer mundo han visto un filón en la publicación de estos sellos. Hay mucha gente , como yo que somos adictos a estos sellos. Se revalorizan con bastante facilidad, pues están muy buscados.

Editado por José Luis


Publicado por bach24111 @ 13:10  | Filatelia musical
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Jueves, 27 de abril de 2006
Quieren fijar el precio de la m?sica digital
El departamento de Justicia de EE.UU. quiere fijar un precio a las descargas

Una nueva investigaci?n del Departamento de Justicia norteamericano ha revivido la discusi?n sobre el precio que deber?a tener la m?sica on-line genuina, uno de los argumentos m?s s?lidos esgrimidos por las disqueras es que los costos de producci?n no son iguales en todos los casos, aunque muchos usuarios se preguntan por qu? Apple puede cobrar 99 centavos de d?lar por una canci?n, mientras que otros cobran 2 o 3 veces m?s.

Publicado por bach24111 @ 10:21  | Noticias musicales
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Pianista alemana, hija de Johann y hermana de Wolfgang, y llamada también Nannerl. Fue una ejecutante de gran talento, y acompañó a su hermano en sus primero viajes artísticos. Ambos se tenían un gran afecto , que duró toda su vida . Casó con el Barón Von Berchtold , y al morir éste, ejerció de profesora de piano. En 1820 quedó ciega. Nació y murió en Salzburgo (1751-1829)

Editado por José Luis.


Publicado por bach24111 @ 10:11  | Autores cl?sicos
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Actuación en Cuarte de huerva
ELBIS Y LOS IBERICOS
Este soy yo tocando el teclado

Elvis en su actuación.

Febrero 2006


Publicado por bach24111 @ 9:53  | Grupos musicales
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Mi?rcoles, 26 de abril de 2006

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Imagen@@FinPreview@@


En la liturgía católica , se denomina así al texto de las tres primeras lecciones del oficio de Maitines para los tres últimos días de Semana Santa, llamado vulgarmente Tinieblas
que está tomado de las Lamentaciones de Jeremías. Sus nueve parte sucesivaso lecciones se distinguen por la serie de las letras hebreicas aleph, beith, etc. Se canta sobre una fórmula salmódica especial escrita en la edicción benedictina de Solesmes según las fuentes antiguas.
Desde el siglo XV se compusieron obras polifónicas para ser utilizadas en la celebración del oficio de Tinieblas, y el impresor Petrucci publicó una colección de ellas en Venecia, en 1506. En la que imprimieron en París Le Roy y Ballard en 1557 figuran, junto a las obras de Arcadelt, Fevin,, P. de la Rue y Claudin de Sermisy;; las lamentaciones
compuestas hacia 1515 por Elzeart Genet, llamado II Carpentrasso, para el servicio de la Capilla Pontificia, en el que estuvieron en uso hasta la aparición del libro de lamentaciones dedicado a Sixto V(1599) por Palestrina.. Después de este compositor, el repertorio litúrgico de Semana Santa fue enriquecido por lamentacionesy responsos por Vittoria, Ingegnieri, Allegri, Biordi, etc. La elección de los cantos ejecutados en la Capilla Sixtina fue varias veces cambiada por orden de los soberanos Pontifices, hasta que, en 1815,Boini estableció una nueva tradición , que fijaba para el Miércoles Santo la ejecución de las lamentaciones de Palestrina; para el jueves , de las anónimas atribuidas a este compositor, y para el Viernes , de las de Allegri. En las celebraciones del oficio de Tinieblas instituidas en París en 1894 por los cantores de San Gervasio, sobre el modelo de la Capilla Sixtina, las lamentaciones son cantadas en canto gregoriano y los responsos con la música de Tomás Luis de Victoriao la de Ingegnieri, atribuida mucho tiempo a Palestrina. Se ha dado a veces , el título de lamentaciones a obras no litúrgicas, la más célebre es sin duda la bella cantata semirreligiosa y semipolítica de Gounod, Gallia (1871)


Editado por José Luis (bach24111)


Publicado por bach24111 @ 22:32  | Formas musicales
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La :Nota musical

Nombre de la sexta nota de la escala natural en la terminologia guidoniana que se usa en los paises latinos. El la corresponde a la letra A de la notación alfabética. La posición central del la en la escala y el hecho de que la segunda cuerda del violin esté afinada en esta nota, ha hecho que sea elegido el sonido que representa como referencia adoptada en la afinación de los instrumentos. El diapasón tipo ha sido regulado sobre el la de 435 vibraciones dobles o 870 vibraciones sencillas .Para insectos

La locución dar el la significa proporcionar a los cantantes y a los instrumentistas, antes de la ejecución, el sonido-tipo sobre el cual deben ordenar la afinación de sus instrumentos.


Publicado por bach24111 @ 14:32  | Teoria musical
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La letra l en música

Decimotercia letra del alfabeto español. Como letra significativa quería decir levatur, en la notación neumática.


Publicado por bach24111 @ 14:20  | Teoria musical
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Juguete

Composición musical o pieza teatral breve y ligera.


Publicado por bach24111 @ 14:17
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100 Compositores
Albinoni, Tomaso
Albéniz, Isaac
Allegri, Gregorio
Anderson, Leroy
Bach, Carl Philipp Emanuel
Bach, Johan Christian
Bach,Johann Sebastian
Barber, Samuel
Bartók, Béla
Beethoven, Ludwig van
Berlioz, Hector
Bernstein, Leonard
Bingen, Hildegard von
Bizet, Georges
Boccherini, Luigi
Borodin, Alexander
Brahms, Johannes
Britten, Benjamin
Brouwer, Leo
Bruch, Max
Bruckner, Anton
Chopin, Frédéric
Copland, Aaron
Corelli, Arcangelo
Couperin, François
Debussy, Claude
Delibes, Leo
Dowland, John
Dvorák, Antonín
Elgar, Edward
Falla, Manuel de
Fauré, Gabriel Franck, César
Gershwin, George
Ginastera, Alberto
Gounod, Charles
Granados, Enrique
Grieg, Edvard
Handel, George Frideric
Haydn, Franz Joseph
Hindemith, Paul
Holst, Gustav von
Joplin, Scott
Khachaturian, Aram
Kreisler, Fritz
Lasso, Orlando di
Lauridsen, Morten
Lehár, Franz
Liszt, Franz
Mahler, Gustav
Mendelssohn-Bartholdy, Felix
Messiaen, Olivier
Monteverdi, Claudio
Mozart, Wolfgang Amadeus
Mussorgsky, Modest
Offenbach, Jacques
Orff, Carl
Pachelbel, Johann
Paganini, Niccolò
Palestrina, Giovanni Pierluigi da
Pergolesi, Giovanni Battista
Piazzolla, Astor
Poulenc, Francis
Pres, Josquin des
Prokofiev, Sergei Puccini, Giacomo
Purcell, Henry
Pärt, Arvo
Rachmaninov, Sergei
Ravel, Maurice
Rimsky-Korsakov, Nikolai
Rossini, Gioachino
Rutter, John
Saint-Saëns, Camille
Satie, Eric
Scarlatti, Domenico
Schubert, Franz
Schumann, Robert
Schönberg, Arnold
Scriabin, Alexander
Shostakovich, Dimitri
Sibelius, Jean
Smetana, Bedrich
Sor, Fernando
Sousa, John Philip
Strauss, Johann (jr)
Strauss, Johann (sr.)
Strauss, Richard
Stravinsky, Igor
Tchaikovsky, Peter
Telemann, Georg Philipp
Tárrega, Francisco
Vaughan Williams, Ralph
Verdi, Giuseppe
Victoria, Tomás Luis de
Villa-Lobos, Heitor
Vivaldi, Antonio
Wagner, Richard
Weber, Carl Maria von
Top 100 composers See all composers
Albinoni, Tomaso
Albéniz, Isaac
Allegri, Gregorio
Anderson, Leroy
Bach, Carl Philipp Emanuel
Bach, Johan Christian
Bach, Johann Sebastian
Bach, P.D.Q.
Barber, Samuel
Bartók, Béla
Beethoven, Ludwig van
Berlioz, Hector
Bernstein, Leonard
Bingen, Hildegard von
Bizet, Georges
Boccherini, Luigi
Borodin, Alexander
Brahms, Johannes
Britten, Benjamin
Brouwer, Leo
Bruch, Max
Bruckner, Anton
Chopin, Frédéric
Copland, Aaron
Corelli, Arcangelo
Couperin, François
Debussy, Claude
Delibes, Leo
Dowland, John
Dvorák, Antonín
Elgar, Edward
Falla, Manuel de
Fauré, Gabriel Franck, César
Gershwin, George
Ginastera, Alberto
Gounod, Charles
Granados, Enrique
Grieg, Edvard
Handel, George Frideric
Haydn, Franz Joseph
Hindemith, Paul
Holst, Gustav von
Joplin, Scott
Khachaturian, Aram
Kreisler, Fritz
Lasso, Orlando di
Lauridsen, Morten
Lehár, Franz
Liszt, Franz
Mahler, Gustav
Mendelssohn-Bartholdy, Felix
Messiaen, Olivier
Monteverdi, Claudio
Mozart, Wolfgang Amadeus
Mussorgsky, Modest
Offenbach, Jacques
Orff, Carl
Pachelbel, Johann
Paganini, Niccolò
Palestrina, Giovanni Pierluigi da
Pergolesi, Giovanni Battista
Piazzolla, Astor
Poulenc, Francis
Pres, Josquin des
Prokofiev, Sergei Puccini, Giacomo
Purcell, Henry
Pärt, Arvo
Rachmaninov, Sergei
Ravel, Maurice
Rimsky-Korsakov, Nikolai
Rossini, Gioachino
Rutter, John
Saint-Saëns, Camille
Satie, Eric
Scarlatti, Domenico
Schubert, Franz
Schumann, Robert
Schönberg, Arnold
Scriabin, Alexander
Shostakovich, Dimitri
Sibelius, Jean
Smetana, Bedrich
Sor, Fernando
Sousa, John Philip
Strauss, Johann (jr)
Strauss, Johann (sr.)
Strauss, Richard
Stravinsky, Igor
Tchaikovsky, Peter
Telemann, Georg Philipp
Tárrega, Francisco
Vaughan Williams, Ralph
Verdi, Giuseppe
Victoria, Tomás Luis de
Villa-Lobos, Heitor
Vivaldi, Antonio
Wagner, Richard
Weber, Carl Maria von


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EL JOROPO 

VENEZUELA

El joropo es el baile y la música que identifica a esta tierra llena de trabajo y tesón. Complejo en su ejecución, es uno de los ritmos que más desconcierta a aquellos que han estudiado la música universal a escala académica y se considera uno de los El Joropo es actualmente un símbolo emblema de identidad nacional. Sus orígenes se remontan a mediados de 1700 cuando el campesino venezolano prefirió utilizar el término “joropo” en vez de “fandango” para referirse a fiestas y reuniones sociales y familiares. Fandango es un término de origen español, el cual identifica unos de los cantos y bailes más populares dentro del flamenco. El joropo parece haber tomado del fandango el sentido de la fiesta ó baile... abandonando el galanteo amoroso propio del fandango y adopta el asido de manos y los giros del vals... Así se conserva hasta ahorabailes a manos tomadas más vistosos y ricos en movimientos básicosEn casi toda la geografía nacional, el joropo puede observarse en sus múltiples formas de bailarlo y tocarlo. El joropo llanero, el tuyero y el oriental conforman el desglose de este pegajoso género que impacta a grandes y a pequeños. Sus instrumentos y ritmos varían de población en población, pero su pasión suele ser la misma.

Algunas versiones acerca del origen de la palabra Joropo relatan que proviene de "xarop", palabra árabe que significa jarabe. Se piensa además que el joropo proviene del viejo continente, pues posee formas y maneras afines al flamenco y a otros bailes andaluces. Esta semejanza se debe a la fusión cultural que se dio en Venezuela para la época de la colonización.

Los zapateos, las rápidas vueltas y las llamativas y complicadas figuras que los joroperos o bailadores hacen, van al compás de una música que desborda vida. Una vida que entre llanos y montañas ha sido la cuna de un género conocido por todos, pero entendido por pocos.

La intención que los bailadores expresan durante la ejecución del baile es el dominio general del hombre sobre la mujer. Las figuras y los zapateos le corresponde guiarlos a él, mientras que la mujer demuestra una fina habilidad para seguirlo.

Entre los instrumentos característicos del joropo se encuentran el cuatro, la bandola llanera, las maracas y el arpa llanera o central.


- DIFERENCIAS ENTRE CADA JOROPO -

- Joropo Llanero. Se baila y toca en Barinas, Portuguesa y Apure, entre otros. Es considerado como el más recio del grupo. Se caracteriza por zapateos fuertes del hombre y escobillados muy sutiles de la mujer. Los instrumentos típicos son el cuatro, la bandola llanera o el arpa llanera y las maracas.

- Joropo Tuyero o central. Se ejecuta en los llanos centrales del país. Es mucho más pausado y sus zapateos son menos fuertes, pero en el ámbito rítmico su complejidad aumenta, debido a que se superponen compases a distintos tiempos. El arpa tuyera, el cuatro y las maracas son quienes acompañan a los joroperos en cada fiesta.

- Joropo Oriental. Para la celebración de la Cruz de Mayo en el oriente del país, se acostumbra tocar joropos que a diferencia de los anteriores, dan mayor espacio al movimiento de caderas. Los bailadores dibujan un círculo que va girando en contra de las agujas del reloj, haciendo figuras preestablecidas por tradición. Este joropo entra en el grupo de manifestaciones colectivas.
Cantantes más conocido de este ritmo
Reinaldo Armas
El Carrao de Palmarito
Simón Díaz
Scarlet Linares
Reina Lucero
Cristina Maica
Eneas Perdomo
Freddy Salcedo
Luis Silva
Cholo Valderrama


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Arcangelo Corelli(Fusignano, Italia, 1653-Roma, 1713) Compositor italiano. Siendo muy joven se trasladó a Bolonia, ciudad en la cual estudió violín con destacados maestros, entre quienes despertó un gran interés debido a sus aptitudes. En 1675 pasó a Roma, e inmediatamente ganó cierta notoriedad, lo que le valió ser recibido por la reina Cristina de Suecia y entrar al servicio del cardenal Pietro Ottoboni.

Se dedicó a la dirección musical y a la composición, creando una obra escasa pero de gran valor e influencia en la historia de la música. Su obra es, en cierto modo, insólita para la época, pues dedicó sus esfuerzos exclusivamente a la música instrumental, con preferencia al violín, obviando la música dramática. Corelli fue el primer compositor que alcanzó la fama musical sin dedicarse a la música cantada.

En 1681 publicó su primera colección de sonatas en forma de trío, destinadas a tocarse en iglesia, al igual que la tercera (1689); la segunda (1685) y la cuarta (1694) fueron compuestas para cámara. Publicó así mismo una colección de sonatas para violín y bajo (1700), y finalmente sus célebres concerti grossi, publicados póstumamente en 1714. Su obra alcanza la madurez del estilo barroco italiano, con la culminación del concerto grosso y la composición de la forma sonata preclásica, que tan importante iba a ser a lo largo del siglo XVIII.

Al mismo tiempo, su desarrollo técnico del violín convirtió sus composiciones en el fundamento de la escuela violinística clásica, que hoy día mantiene aún su vigencia pedagógica. Corelli murió en la cumbre de la fama, y fue inhumado en el Panteón de Roma.


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<

El Arpa
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Pertenece al grupo de cuerdas pulsadas. Es uno de los instrumentos más antiguos que se conocen; todavía hoy puede encontrarse, de muy diversas formas, como instrumento popular en algunas partes de África, Europa y Oriente.Han hallado presentaciones figuradas del mismo intrumento en la necrópolis de Tebas, Y pertenecientes al siglo XVIII a.j.c. El arpa es motivo de inspiración de los más grandes artistas del cristianismo en sus más variadas expresiones, ningún otro instrumento es tantas veces representado siempre asociado con lo celestial, virtuoso y sublime.




El arpa medieval europea ha sufrido la gran limitación de estar afinada en una sola escala. En caso de requerirse alguna alteración, el arpista tenía que presionar con los dedos una cuerda a la vez que tocaba, lo que constituía un sistema poco refinado. Entre 1600 y 1800 los constructores dedicaron sus esfuerzos a intentar conseguir las notas que "faltaban" sin complicar en exceso las técnicas de ejecución. Alrededor de 1810 Sebastien Erard (1752-1831) dio con la solución más satisfactoria al perfeccionar el arpa con pedal de doble acción. Este diseño se sigue utilizando en la mayoría de las arpas modernas.
Aunque fue bastante utilizada en la música orquestal del período romántico, el repertorio para arpa solista es más bien escaso. No obstante, fue el instrumento favorito de algunos compositores del final del siglo XIX y principios del XX, como Ravel y Debussy, que supieron aprovechar sus delicados tonos para enriquecer el colorido impresionista de gran parte de su música.
En 1902 se abrió una clase de arpa cromática en el Conservatorio de Bruselas; la que se inauguró en 1903 en el conservatorio de París fué una de las más combatidas , sin que de ello se pueda sacar la conclusión de que el arpa cromática haya dicho la última palabra.

El principio extremadamente sencillo de su construcción ha hecho que desde su lejano origen conservara la forma de un triángulo más o menos regular y adornado, a cuyos dos lados se sujetan naturalmente las extremidades de las cuerdas dispuestas por orden de longitud decreciente. A pesar de la afinación, muchas veces reiterada de que los germanos habían conocido el arpa, no se ha podido encontrar rastro de ella en ningún documento relativo a los mismos. En cambio , el número de representaciones de este instrumento halladas en monumentos de la escultura o de la pintura demuestra que desde el siglo VIII era conocido por los habitantes de las islas Británicas. En aquella época, el arpa era portátil, y el ejecutante la sostenía sobre su rodilla izquierda, pasando una mano a cada lado para pulsar las cuerdas, que, al parecer, eran en número de diez o doce.
En el escudo de Irlanda figura el arpa legendaria de O¨Brien, vencedor de los daneses a fines del siglo X, y el Trinity College , de Dublin, conserva como una reliquia nacional un instrumento que hasta no hace mucho se reputaba perteneciente a dicha figura histórica, pero que hoy se considera más moderno , por lo menos del siglo XIII.


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Martes, 25 de abril de 2006

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Giuseppe Verdi

Compositor italiano. Coetáneo de Wagner, y como él un compositor eminentemente dramático, Verdi fue el gran dominador de la escena lírica europea durante la segunda mitad del siglo XIX. Su arte, empero, no fue el de un revolucionario como el del alemán, antes al contrario, para él toda renovación debía buscar su razón en el pasado. En consecuencia, aun sin traicionar los rasgos más característicos de la tradición operística italiana, sobre todo en lo concerniente al tipo de escritura vocal, consiguió dar a su música un sesgo nuevo, más realista y opuesto a toda convención no justificada.

Nacido en el seno de una familia muy modesta, tuvo la fortuna de contar desde fecha temprana con la protección de Antonio Barezzi, un comerciante de Busseto aficionado a la música que desde el primer momento creyó en sus dotes. Gracias a su ayuda, el joven pudo desplazarse a Milán con el propósito de estudiar en el Conservatorio, lo que no logró porque, sorprendentemente, no superó las pruebas de acceso.

Tras estudiar con Vincenzo Lavigna, quien le dio a conocer la música italiana del pasado y la alemana de la época, fue nombrado maestro de música de Busseto en 1836, el mismo año en que contrajo matrimonio con la hija de su protector, Margherita Barezzi. El éxito que en 1839 obtuvo en Milán su primera ópera, Oberto, conte di San Bonifacio, le procuró un contrato con el prestigioso Teatro de la Scala. Sin embargo, el fracaso de su siguiente trabajo, Un giorno di regno, y, sobre todo, la muerte de su esposa y sus dos hijos, lo sumieron en una profunda depresión en la que llegó a plantearse el abandono de la carrera musical.
No lo hizo: la lectura del libreto de Nabucco le devolvió el entusiasmo por la composición. La partitura, estrenada en la Scala en 1842, recibió una acogida triunfal, no sólo por los innegables valores de la música, sino también por sus connotaciones políticas, ya que en una Italia oprimida y dividida, el público se sintió identificado con el conflicto recreado en el drama.

Con este éxito, Verdi no sólo consiguió su consagración como compositor, sino que también se convirtió en un símbolo de la lucha patriótica por la unificación política del país. I lombardi alla prima Crociata y Ernani participaron de las mismas características. Son éstos los que el compositor calificó como sus «años de galeras», en los cuales, por sus compromisos con los empresarios teatrales, se vio obligado a escribir sin pausa una ópera tras otra.

Esta situación empezó a cambiar a partir del estreno, en 1851, de Rigoletto, y, dos años más tarde, de Il Trovatore y La Traviata, sus primeras obras maestras. A partir de este momento compuso sólo aquello que deseaba componer. Su producción decreció en cuanto a número de obras, pero aumentó proporcionalmente en calidad. Y mientras sus primeras composiciones participaban de lleno de la ópera romántica italiana según el modelo llevado a su máxima expresión por Donizetti, las escritas en este período se caracterizaron por la búsqueda de la verosimilitud dramática por encima de las convenciones musicales.

Aida (1871) es ilustrativa de esta tendencia, pues en ella desaparecen las cabalette, las arias se hacen más breves y cada vez más integradas en un flujo musical continuo –que no hay que confundir con el tejido sinfónico propio del drama musical wagneriano–, y la instrumentación se hace más cuidada. Prácticamente retirado a partir de este título, aún llegó a componer un par de óperas más, ambas con libretos de Arrigo Boito sobre textos de Shakespeare: Otello y Falstaff, esta última una encantadora ópera cómica compuesta cuando el músico frisaba ya los ochenta años. Fue su canto del cisne.

Biografias


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C D E F G A B



En la música moderna las notas se representan con esas letras.


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CLASES DE TRIADAS

triadas

La fórmula 1,3,5 es igual = al primer grado DO , al tercer grado MI , y al quinto grado SOL , en la escala diatónica de do : do,re,mi,fa,sol,la,si,
Las demás fçormulas pertenecen a otras escalas, Ya lo explicaré más adelante, Ahora nos atendremos a la escala de do mayor sin ningúna alteración.

La fórmula 1,b3,5 en la escala de do mayor osea la tonalidad de do sin ninguna alteración, pertenecen las triadas re menor- D-, y la menor - A-. Se pueden escribir igualmente Dm, Am.

Enlaces a otros articulos para repasar:

INTERVALOS

TRIADAS

ARMADURAS


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SELLO BEE GEES


Original sellos de la Isla de Man de Bee Gees, representa un disco .
Bee Gees es uno de los grupos de mayor vida dentro de la música. Barry, Robin y Maurice han hecho historia con grabaciones que abarcan un período de más de 40 años. Historia de éxitos permanentes, desde aquel New York mining disaster 1941, hasta la explosiva fiebre de la música disco de los años 70; desde su regreso al nº 1 con You win again, hasta los años 90 con discos tan innovadores como High civilization o This is where I came in. Bee Gees ha vendido más de 110 millones de discos en toda su historia, de los cuales unos 40 pertenecen a la banda sonora Saturday night fever (1977), la más vendida de la historia. Hay una etapa, no tan conocida por algunos, que abarca la década de los 80. Durante esos años, el trío se centró en la composición y producción de álbumes de destacados solistas como Barbra Streisand, Dionne Warwick, Diana Ross o Kenny Rogers y Dolly Parton. También por esa década realizaron diversos trabajos como solistas. En 2001 editaron el doble álbum Their greatest hits - The record que resumía algo más de cuatro décadas de música y en el que incluyeron, además de sus grandes éxitos, esos temas que compusieron para otros y que nunca incluyeron en sus propios discos.
(26/06/2002)

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Grupo formado por los hermanos Gibb: Barry (nacido el 1 de septiembre de 1947 en Douglas, Isla de Man, Inglaterra) y los gemelos Robin (mayor por unos minutos) y Maurice (el 22 de diciembre de 1949, Douglas). El trío debutó en 1955 como los Blue Cats, interpretando versiones de Tommy Steele y Lonnie Donegan, en el Club Manchester, donde su padre Hugh, dirigía la Hughie Gibb Orchestra. Su madre, Barbara, era cantante.


En 1959, poco después del nacimiento de su último hermano, Andy, los Gibb emigraron a Brisbane (Australia). Todos los domingos actuaban en el Speedway Circus de Brisbane y se hacían llamar Rattlesnakes. Conocieron entonces a Bill Good (organizador de carreras de caballos) quien les presentó al DJ Bill Gates. Poco después Bill se convirtió en su mánager y ponía las grabaciones de los Gibb en su programa de radio Clatter Chatter en la emisora 4KQ. Interesado en la música de los hermanos, Good les puso el nombre de B.G's, por las iniciales suyas y las de Gates, y no por las iniciales de Brothers Gibb, como popularmente se cree.


Llegó entonces el debú en televisión, en el programa Anything goes, y también hicieron asiduas apariciones en otro show del canal BTQ7. Después se instalaron durante seis semanas en el Hotel Beachcomber, en Surfers Paradise, Brisbane.

En 1962 se trasladaron a Sidney, donde tocaron en el Sidney Stadium en un concierto cuyo cabeza de cartel era Chubby Checker, ya entonces se llamaban The Bee Gees. Comenzaron a escribir y su primera composición fue Let me love you. También disfrutaron del primer éxito en listas de una de sus canciones: Starlight of love de Col Joye se situó en lo más alto de las listas australianas.


En 1963 fueron fichados por Festival Records y publicaron varios singles, entre ellos Wine and women.

En 1965 se unieron al director musical Bill Shepherd y al productor Ozzie Byrne y firmaron con Spin Records. Tras lanzar varios singles, que subieron a las listas australianas, grabaron su undécimo sencillo, un tema escrito por Barry llamado Spicks & specks.

En 1967 el grupo regresó a Gran Bretaña tras un viaje de cinco semanas en barco y con Spicks & specks liderando las listas australianas. Por ese tiempo, el empresario musical Robert Stigwood, un consumado showman, se había asociado a Brian Epstein en NEMS Enterprises (la compañía que llevaba a The Beatles).

Stigwood era un australiano que había cambiado Adelaide por Londres en 1956, y tras ver a Bee Gees en una audición en el Saville Theatre de Londres, estuvo inmediatamente seguro de su éxito. Entonces se convirtió en su mánager y les consiguió un contrato discográfico con el sello Polydor. Como Barry dijo después: "Robert nos abrió muchas puertas e hizo que las cosas ocurrieran como nadie más lo hubiera hecho". Volvió a publicarse Spicks & specks y no fue precisamente un éxito mundial. Sin embargo, el siguiente single, New York mining disaster 1941, lanzado en abril de 1967, triunfó a ambos lados del Atlántico.


El álbum Bee Gees 1st (1967) impulsó igualmente la carrera del grupo, llegando al nº 7 en Gran Bretaña y al nº 8 en las listas americanas.

En 1968 se publicaron cuatro álbumes de Bee Gees: Horizontal, Idea y dos colecciones de temas de álbumes australianos titulados Rare, precious & beautiful (Volumen 1 y 2). Ese año Barry, Robin y Maurice ofrecieron conciertos en radio y televisión e incluso encontraron tiempo para escribir canciones para otros artistas. Como explicaba Robin: "Escribimos sobre todas las cosas, sobre lo que ocurre día a día, experiencias personales, cualquier cosa que hayamos escuchado en las noticias o leído en los periódicos. Algunas veces escribimos canciones basadas en nuestras opiniones personales. Solíamos componer de forma individual, pero ahora, cada nueva composición de los Bee Gees se hace en conjunto".


En 1969 llegaron Rare, precious & beautiful, Vol. 3, el doble álbum Odessa y Best of The Bee Gees, una compilación de los grandes éxitos de su carrera.

En los años 70 fue inevitable que el éxito se les subiera a la cabeza. El ego juvenil, entre otras cosas, hizo que se produjera una ruptura temporal. Robin publicó un álbum en solitario, Robin reign, mientras Barry y Maurice continuaron como Bee Gees y grabaron el álbum Cucumber castle (de ahí que en la portada en la que aparecen vestidos de caballeros medievales, sólo salgan Barry y Maurice). Maurice co-protagonizó el musical del West End "Sing a Rude Song" y se encargó de su banda sonora. Ambos grabaron, igualmente, álbumes en solitario, pero justo cuando Robin hizo su segundo disco, los hermanos decidieron reunirse de nuevo. Una serie de singles de éxito siguieron a continuación, así como los álbumes "2 years On", "Trafalgar", "To Whom It May Concern" y "Life in a Tin Can". Pero cuando el álbum, titulado de forma caprichosa "A Kick in the Head is Worth Eight in the Pants", fue rechazado por su compañía de discos, llegó el momento de un cambio de dirección hacia un sonido más R&B. Igualmente buscaron un nuevo productor. Según dice Maurice: "Cuando comenzamos a trabajar con Arif Mardin, todo cambió. Arif modificó la química del grupo". "Mr. Natural" fue el álbum de transición, pero "Jive Talking", de su sucesor "Main Course", llevó el nuevo sonido de Bee Gees a las radios.


Desde ese momento, y comenzando con "Children of the World" y "Here At Last-Live", los años 70's fueron de Bee Gees. Stigwood les pidió entonces que escribieran canciones para una película que él mismo iba a producir, "Saturday Night Fever", que se convirtió en la banda sonora más vendida de todos los tiempos. Además de escribir y producir los éxitos de Ivonne Elliman ("If I Can't Have You") y Tavares ("More than a Woman"), Bee Gees grabaron varias canciones para ese disco, como "Staying Alive", "Night Fever" o "How Deep Is Your Love". Cuando la película se estrenó en 1977, no sólo asentó la carrera en Hollywood de John Travolta, sino que revitalizó la escena de la música disco, creando furor por el baile y estableciendo una moda que influyó más allá de los 70's. La banda sonora rápidamente se convirtió en un documento definitivo de la era de la música disco, liderando las listas durante 24 semanas.


Bee Gees se hicieron las mayores estrellas musicales del momento. El primer single, "Staying' Alive", fue solo uno de los tres números 1 del álbum; le siguieron "How Deep Is Your Love" y "Night Fever". Después del tropezón que para ellos supuso su participación y protagonismo junto a Peter Frampton en el filme musical "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", regresaron en 1979 con "Spirits Having Flown", otro enorme éxito que incluía los números 1: "Tragedy", "Too Much Heaven" y "Love You Inside Out".


Ese mismo año vio la luz un doble elepé antológico que recopilaba veinte grandes canciones como "You Should Be Dancing", "Too Much Heaven", "If I Can't Have You", "More Than A Woman" y "Nights On Broadway", entre otras. Su hermano pequeño, Andy, había también comenzado un meteórico ascenso a la cima. Su primer single "I Just Want To Be Your Everything", fue el primero de tres números 1 consecutivos en las listas norteamericanas, convirtiéndose así, en el primer solista que consiguió llegar a lo más alto con sus tres primeros singles. Desgraciadamente, las drogas y el alcohol acabaron con la salud y la vida de Andy Gibb. El pequeño de los hermanos Gibb murió en 1988 a los 30 años. Su padre, Hugh nunca superó esa pérdida y falleció cuatro años más tarde.


Después del tremendo éxito conseguido, Bee Gees sufrieron un retroceso en su carrera en los años 80 y las emisoras de radio americanas no quisieron poner la música de su álbum "Living Eyes". Aunque su sonido continuaba derivando de las raíces del R&B, todo el mundo les relacionaba con la música de baile, lo que no les favorecía en absoluto. No se desanimaron por ello, y se centraron entonces en la composición y producción de otros artistas, creando brillantes trabajos aclamados por la crítica: Barbra Streisand ("Guilty"), Dionne Warwick ("Heartbreaker"), Kenny Rogers y Dolly Parton ("Island in the Stream") y Diana Ross ("Chain Reaction"), entre otros. Emprendieron proyectos en solitario: Robin con sus álbumes innovadores en técnicas de grabación, en los que utilizó por primera vez el sampler ("Secret Agent" y "Walls Have Eyes"), y Barry con sus trabajos "Now Voyager" o "Hawks", este último, banda sonora de una película producida por él mismo.


Cuando regresaron de nuevo en 1986 con el álbum "ESP", fueron calurosamente acogidos en todo el mundo. El single "You Win Again", fue un nº1 en todas partes, menos en Estados Unidos, donde todavía estaban "empachados" de la época de la música disco de los Gibb. Tras la muerte de Andy, Maurice recayó en el alcohol y Bee Gees se retiraron por un tiempo, hasta que en 1989, resucitaron con "One", otro éxito en Europa. Después de "High Civilization" en 1991 y "Size Ins't Everything" en 1993, llegó otro período de hibernación, antes de su retorno en 1997 con "Still Waters Run Deep", cuyo lanzamiento coincidió con su entrada en el Rock and Roll Hall of Fame.


Ese año también recibieron numerosos premios en reconocimiento a toda su carrera por parte de los American Music Award, los Brit Awards, los German Bambi Awards, los Word Music Awards y los Australian Record Industry. A finales de 1991 apareció el cedé "Bee Gees Story" que recogía veinte de sus más grandes canciones escritas desde sus comienzos como "Holiday", "Massachussets", "I Started A Joke", "Jive Talking" y "Tragedy", por citar algunas. En una ocasión Barry dijo: "Lo que más temo es que nosotros siempre seremos los Bee Gees...y no podremos seguir así pasados los 40. No quiero acabar mis días cantado en Las Vegas". Pero Barry no podía imaginar entonces que Las Vegas fue el escenario de un enorme triunfo de Bee Gees en 1997, 30 años después de su primer éxito internacional, cuando el grupo realizó su primer gran concierto en América desde 1989, "One Night Only", filmado y emitido mundialmente. El concierto se grabó igualmente para publicarse en CD, en vídeo doméstico y en DVD. Ese concierto en el MGM Grand Hotel fue mucho mas lejos que las actuaciones en nightclubs que Barry quería evitar años atrás.


El éxito conseguido les proporcionó el impulso que necesitaban para organizar una serie de conciertos "One Night Only", que les llevaría a todos los continentes. Con el álbum "One Night Only", Bee Gees conmemoraron su 30 aniversario dentro de la música e incluían sus canciones de siempre: "Massachussets", "To Love Somebody", "Words", "Closer Than Close", "Jive Talking", "Stayin' Alive", "Night Fever" y "Tragedy", entre otros. Bee Gees han terminado de grabar un nuevo disco. La fecha prevista de lanzamiento se ha trasladado al 2001 y se titulará "This is Where I Came In". Aunque anteriormente se iba a llamar "Technicolor Dream" , finalemente se cambió debido a que Technicolor es una marca registrada. La presentación en los juegos Olímpicos que el grupo tenía planeada, fue cancelada debido al cambio de fecha en el lanzamiento del álbum.

Discografía de Bee Gees:

- Bee Gees 1st (1967)

- Horizontal (1968)

- Idea (1968)

- Best of The Bee Gees (1969)

- Odessa (1969)

- Cucumber castle (1970)

- Trafalgar (1971)

- To whom it may concern (1972)

- Best of The Bee Gees Vol. 2 (1973)

- Life in a tin can (1973)

- Mr. Natural (1974)

- Main course (1975)

- Children of the world (1976)

- Here at last... Live (1977)

- Saturday night fever (1977)

- Sesame Street Fever/Sgt. Peppers Lonely Hearts (1978)

- Spirits having flown (1979)

- Greatest (1979)

- Living eyes (1981)

- Staying alive (1983)

- E.S.P. (1987)

- One (1989)

- High civilization (1991)

- Size isn't everything (1993)

- Still waters (1997)

- One night only (1998)

- This is where I came in (2001)

- Their greatest hits: The Record (2001)


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PATUM

Conjunto de bailes antiguos que también se denominan bulla.Entre aquéllos figuraban los gigantes y cabezudos,diablos,moros y cristianos, etc. En berga se ejecuta anualmente la patum en la festividad del Corpus.
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Ayuntamiento de Berga


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PATATUF

Baile popular catalán, de movimientos muy simples; se distingue en que uno de los movimientos consiste en palmotear a compás de la música las parejas de bailadores, lo cual, sin duda, le ha dado ese nombre.

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Grupo El Cabirol


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PATATU

Danza popular española propia de la región andaluza. Su origen en muy antiguo , pues se tienen noticias de ella en el año 1600. Se bailaba en pueblos de la provincia de Córdoba, Presenta alguna analogía con la espatadanza de los vascos por bailarse blandiendo o esgrimiendo espadas los bailadores. En nuestros días se ha transformado en una danza que sólo se bailaen alguna fiesta religiosa dedicada a algún santo, y se acompaña con guitarras, bandurrias, panderetas y triangulo.

La Danza del Patatu; orgullo de Obejo
11 al 14 de julio / Obejo - Cordoba
La Danza del Patatu; orgullo de Obejo
La localidad cordobesa de Obejo celebra del 11 al 14 de julio sus fiestas más señaladas en honor a San Benito, en las que el acto central es la representación de un curioso ritual al que se conoce con el nombre de “El Patatú”.
La localidad cordobesa de Obejo celebra del 11 al 14 de julio sus fiestas más señaladas en honor a San Benito, en las que el acto central es la representación de un curioso ritual al que se conoce con el nombre de “El Patatú”. Para comprender su origen hay que remontarse a mediados del siglo XIX, más en concreto al viaje de novios de Isabel II, en el que unos mozos del pueblo les ofrecen esta bonita danza. Se le conoce con el nombre de Bachimachía, se baila con espadas y el ritmo lo marcan el pandero, acordeón, bandurria, pandereta y laúd. El momento más importante del ritual es el conocido como deguello o patatú, en donde una encrucijada de espadas se teje entorno al maestro, que a su vez simula la muerte para finalmente liberarse de las espadas dando saltos y riendo. “El Patatú” tiene lugar el Domingo de Ramos y el 11 de julio, día de San Benito, durante la procesión el santo viste decenas de billetes que los feligreses colocan sobre su manto. Trás “El Patatú” el pueblo de Obejo queda inmerso en cuatro días de fiesta en los que no faltará la diversión, la alegría y la música de charangas y orquestas que sin duda aportan la nota más colorista de las fiestas.

Pueblo de Obejo


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Lunes, 24 de abril de 2006


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LA VILLANELA

Las villanelle alla napolitana, que tuvieron algún éxito hacia mediados del siglo XVI, eran pequeñas composiciones a tres, y a veces cuatro ,voces, desprovistas de todo interés armónico o contrapuntístico, y que solo gustaban porque eran fáciles. R. Giovanelli compuso un libro un libro de 22 piezas a tres voces , tituladas Villanelle e arie alla Napolitana, de las que se hicieron varias ediciones desde 1588. Segismundo de India publicó dos libros de composiciones de esta clase a tres voces, en 1610 y 1612; Villanelle alla Napolitana; Luca Marenzio , Primer libro de Villanelle a tres voces, 1584, y Quinto libro en 1587. Las Villanelle o canciones campestres estuvieron de moda en Francia bajo el reinado de Enrique IV. Algunas de ellas se conservaron hasta principios del siglo XVIII, y fueron englobados bajo el titulo de brunettes, o peuqeñas canciones tiernas, en las recopilaciones anónimas de Ballard. La villanella era una pequeña canción tierna, muy sencilla y fácil de cantar.


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NAPOLITANA

Pequeña composición vocal profana, generalmente a tres voces. J. Celano publicó, en 1582, un libro entero de napolitanas; S. Cornet , 1563, uno a cuatro voces, y en los libros de Villotte o de Azzaoilo (1557) de B. Donato (Canzon Villanesche alla Napolitana) a cuatro voces en 1551 (V. Villanela); de Ferretti (Canzone alla Napolitana ) a seis voces, a cinco voces , después de 1565 poco más o menos y J.Macque, a seis voces (1581 y siguiente).Ir a Villanella


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La letra n
Decimosexta letra del alfabeto. Se utilizaba en algunas de las notaciones gregorianas como signo de matizaci?n y de interpretaci?n r?tmica, para indicar el matiz con naturalidad.

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EJERCICIOS CON LA MANO DERECHA
Son ejercicios para una mano solo , compás 4 por cuatro o sea 4 partes en cada compás
primero haces blancas te pones el metronomo a 70 y sigues: un , dos tres, cua, y ya has terminado el primer compás. Las notas las tienes en el centro del piano : do-re ; do-mi ;do-fa; do-sol
y luego media escala de do con notas negras : do-re-mi-fa-sol-fa-mi-re-do.



USA METRONOMO

TEORIA MUSICAL: NOTAS NEGRAS-NOTAS BLANCAS- PENTAGRAMA LINEAS DIVISORIAS- COMPAS 4/4 - UNA SENCILLA MELODIA QUE ES MEDIA ESCALA.

Para estudiar bien- Mano suelta a pocos cm. del piano- atacas el do blanca con el dedo pulgar y cuentas cuatro (relajate estos 4 tiempos). Mientras atacas el re blanco subes el que tenias en do y haces lo mismo . Repite do blanca re blanca 20 veces.Para atacar la tecla con la mano quieta subir lo dedos y bajar, como dije cuando lo haciais en la mesa.Cuando llegueis a las negras do-re-mi-fa-sol, hacerlo lento y ligando ,quiero decir que no solteis la nota hasta que no haya bajado la siguiente. Esto se llama ligando las notas, que vaya fluida la melodía sin salton ni más fuerte una nota que otra.


TRIADAS


Publicado por bach24111 @ 17:31  | Aprendo piano
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i presionais con el ratón la partitura se os vera mucho mejor

La mano izquierda toca dos notas blascas a la vez: la primera del acorde y la quinta del acorde ejemplo : de do ( DO_SOL).
De fa (FA_DO)........

La derecha hace la escala de do, toca las notas diatonicas de la escala de do do,re,mi,fa,sol,la,si.......

Podeis practicar cambiando las notas e improvisando otra melodías. Con notas negras, mezclar notas blancas, algún silencio de negra.... Improvisa a vuestro antojo melodías sencillas con las siete notas de la escala diatónica de do.


Publicado por bach24111 @ 17:25  | Aprendo piano
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NOTA: el articulo se ve un poco mal, todavía no sé como se hace todo esto, pero con el tiempo iré aprendiendo; presione en la imagen y se verá mucho mejor. Muchas gracias por visitarme. Este blog va a ser el blog que más se hable de la musica en general.


Publicado por bach24111 @ 11:44  | Teoria musical
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ERROR-- el Bmaj7 es un Bbmaj7 ya que en la armadura lleva un bemol en el si.

Nomenclatura de las notas : F = fa G=sol A=la B=si C=do D=re E=mi

PROGRESION


Publicado por bach24111 @ 10:58  | Teoria musical
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IR A LA PAGINA NUEVA MEJORADO EN MI NUEVA PAGINADiscos de jazzLOS MEJORES DISCOS DE JAZZ
El jazz en los años veinte Los años del swing: la década de los treinta La revolución de los años cuarenta y cincuenta Formas renovadas en los sesenta y setenta El regreso del jazz: de los ochenta al nuevo siglo
¿ Por qué 100 Discos?

¿Y no, doscientos, o cincuenta? ¿Que quiero decir con los mejores? Advierto al visitante que ésta es un página absolutamente subjetiva. Aquí no hay posibilidad de consenso ni acuerdo previo. El único y confesado objetivo es mostrar a quien se asome a esta ventana los mejores discos de jazz de mi colección que, en algún caso, coincidirá con el criterio de los "especialistas" en la materia y que en otros, el hecho de aparecer, se deberá a mis preferencias personales. En otro lugar de esta web irán apareciendo todos los discos de mi colección, aquí sin embargo, traeré aquellos 100 que tanto por ser mis preferidos, como por marcar, en orden cronológico, una cierta historia del jazz, deben de estar, en mi modesta opinión, en cualquier discografía de jazz que se precie. Ni la música, ni ninguna de las artes, admiten, afortunadamente, valores absolutos y claves definitivas. Por eso es adecuado preguntarse ¿Los mejores discos para qué y para quién? En mi opinión los discos que aparecerán en esta sección responden certeramente a esta doble cuestión. Son los mejores para entender la evolución del jazz y son los mejores para mí gusto personal. En cualquier caso, esta página no serviría para nada si no ayudara a quien la leyere a disfrutar más y mejor del jazz y la ordenación cronología de esta selección -por encima de la clasificación por estilos que aparece frecuentemente superpuesta y confusa- sirve para ayudar tanto a quien sea un iniciado en estas lindes -que podrá navegar a su antojo dando pasos y saltos en el tiempo- como a quien prefiera empezar desde el comienzo.

Para ello empezamos en los años veinte, cuando el jazz se veía como una música popular que necesitaba ser apadrinada por la música europea. Continuamos en los años treinta cuando se dio la circunstancia inversa; se hablaba del jazz como un eslabón cultural de la etnia afroamericana en grave peligro de extinción por la influencia de los músicos blancos reinantes en la era del swing.

La revolución del bebop en los cuarenta y cincuenta obedeció a ese golpe de timón que los negros de Harlem pusieron en practica. En los sesenta afloraron discursos que trazaban en términos políticos el jazz de los negros y el de los blancos -siempre en detrimento de estos últimos- y que consideraban al freejazz la expresión musical mas coherente con las reivindicaciones de los negros norteamericanos.

Después en los setenta y en los ochenta, cuando parecía que el jazz iba a disolverse en el dulce veneno de la comercialidad - la fusión desde un punto de vista estético fue un punto de no retorno- surge un movimiento tradicionalista que empuja al jazz a una segunda época dorada. Es cierto que al principio aquellos músicos pecaban de ser poco originales en sus ideas, pero no lo es menos, que aquella vuelta a los orígenes y a la tradición, devolvió el jazz a la categoría y rango en algún momento perdida.

El jazz que escuchamos hoy, los músicos que están en el candelero, deben parte de su éxito a aquellos jóvenes de finales de los ochenta que en una tarea ingrata y poco reconocida devolvieron al jazz el potencial que hoy -un siglo después- sigue teniendo.

Entre estos cien discos, hay músicos que se repiten. No es una elección premeditada, sino la constatación de que Duke Ellington, Louis Armstrong, o Miles Davis -por poner algunos ejemplos- son músicos cuya influencia y carrera artística son invocados como el cruce entre los dos pilares del jazz: el instinto creador y la búsqueda de lo nuevo. Espero que disfrutéis de estos discos y os aconsejo vivamente que os hagáis con ellos.






Discos de jazz


Publicado por bach24111 @ 1:35  | Jazz
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Pot-pourri  ARTICULO MEJORADO EN MI PAGINA

Reunión de fragmentos de origenes diversos y que pueden yuxtaponerse ya sea para obtener un efecto cómico, ya sea para reunir alusiones a un mismo tema. Así , la Edad Media conoció la fatraise , puramente melódica, y más tarde la fricasée, de orden polifónico, a la que llamó tambien cuodlibeto. el término por-pourri, en su sentido musical, parece nacer en el siglo XVIII. La tercera recopilación de Brunettes, publicada por Ballard en 1711, contiene una pieza muy larga titulada Pot-pourry, que ocupa diez páginas , y cuyo texto contiene 84 versos, con los temas escritos en notación y yuxtapuestos, justamente con canciones sin enlace. Bajo este titulo se encuentra en 1790 Le serment civique, pot-pourri national para piano forte erc. por Pouteau ; en 1793,La revolution du 10 Août,,bajo el mismo calificativo, por Lemière, etc. En el siglo XIX , los potpourris extraídos de óperas y arreglados como fantasías para piano estuvieron muy en boga.


josé luis


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Domingo, 23 de abril de 2006

CLAQUE  MEJORADO EN MI NUEVA PAGINA . IR A LA PAGINA

Conjunto de personas que asisten a una representación artíntica, para aplaudir delibedaramente.

CLAQUEAR
Acción de golpear con los píes al compás de la música o sin ella, marcando el ritmo de una danza. El cinematógrafo ha divulgado el claqueo , que en América ha hecho surgir danzarines especializados en él.

CLAQUEO
Ruido seco, producido por el choque de dos cuerpos , por el chasquido de un látigo o por la detonación de un arma de poco calibre. Con el claqueo de las manos se expresan los aplausos de los asistentes, en un teatro o concierto. Efectuado a compás , el mismo ruido sirve para marcar el ritmo de ciertas danzas populares, especialmente en España.

José Luis.


Publicado por bach24111 @ 23:34
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Los comienzos


Richard Wagner, nacido el 22 de mayo de 1813 en Leipzig, recibió muy pronto las influencias artísticas de su familia; su padre adoptivo Ludwig Geyer, que era actor y pintor, fue su primer instructor. Por otra parte, su hermana mayor Rosalie era también actriz y su otra hermana, Klara, era cantante. El destino profesional de Klara hizo que la cada de los Wagner fuese visitada por C.M. von Weber, por quien el joven sintió especial predilección que trasciende a la opera alemana.
En 1829 Richard descubrió el arte al que dedicaría toda su vida: asistió a una representación de Fidelio, quedando deslumbrado ante las dotes vocales y dramáticas de la soprano Wihelmine Schröder-Devrient (Leonora). El joven le escribió una carta esa misma noche felicitándola y profetizando su propia carrera de compositor.
Los estudios musicales de Richard comprendían el piano y el violín (en los que no destacaba), algunos elementos de teoría de la música a escondidas de su familia con G. Mullert, músico de la orquesta de Leipzig. Durante seis meses estudió con Theodor Weinlig, cantor de Santo Tomás de Leipzig, el arte de la fuga, cánones, etcétera.
Por otro lado, el interés del joven por la literatura, sobre todo clásica, le indujo a ser escritor y tras unos primeros contactos con es te genero en la escuela, Richard descubría en la opera su ideal, puesto que así podría dedicarse a los dos géneros conjuntamente.
Su carrera profesional comenzó a los veinte años, cuando fue contratado como director de coro de Würzburg. Desde ese momento, Wagner trabajó en una serie de teatros provincianos, escasos de dinero y con un público de poca categoría. El joven Richard compuso sus primera operas para tales teatros desde el puesto de director de orquesta: Las hadas (Die Feen), en Magdeburgo (1834), basada en un cuento de Gozzi (La donna serpente), que por su complejidad se estrenó en 1888 (cinco años después de su muerte), y La prohibición de amar (Das Liebesverbot), estrenada en Magdeburgo (1836) e inspirada en la obra de Shakespeare Medida por medida.
El 24 de Noviembre de 1836 se casó con la actriz Minna Planer. Pronto tuvo problemas tanto económicos como amorosos. Sus deudas acumuladas mientras trabajó en los teatros de Königsberg, Dresde y Riga, lo indujeron a huir del país.
Llevaba consigo una obra pensada para ser estrenada en un gran teatro, Rienzi. En ella imita el estilo de Meyerbeer, con grandes coros, ballet y una escenografía complicada (como el incendio del Capitolio). París sería su destino; durante la travesía hacia Londres (camino de París) una serie de terribles tempestades le inspiró una nueva opera: El holandés errante (Der fliegende Höllander).
La estancia en París fue un fracaso absoluto para Wagner. Además de no poder estrenar ninguna de sus operas, hubo de trabajar en reducciones para piano y canto de operas italianas por las que tomó gran aversión.
Incluso permaneció un breve tiempo en la cárcel de deudores, puesto que sus deudas se acumulaban rápidamente y los ingresos escaseaban. Finalmente fue la ciudad de Dresde la que, gracias a la ayuda de Meyerbeer, aceptó el estreno de Rienzi. Wagner abandonó París con amargura, pero con las esperanzas puestas en su propia patria.
Rienzi se estrenó el 20 de Octubre de 1842 con gran éxito, a pesar de su estilo parisiense de gran envergadura (cinco horas). Wagner fue desde entonces un compositor considerado en su patria.


El comienzo el drama musical wagneriano

El mismo Teatro Real de Dresde aceptó El holandés errante en 1842-1843. Wagner daba un paso de gran importancia hacia el drama musical al utilizar desde la obertura la unión de temas musicales con los personajes principales, los sentimientos y los hechos del drama, adquiriendo gradualmente la noción de leitmotiv o tema conductor, que sería esencial en la forma de componer sus óperas posteriores. Por otro lado, la influencia de Weber aumenta su interés por el mundo germánico, sobre todo por el mítico y legendario, tan importante en la tradición cultural alemana.
Así El holandés es una leyenda germánica sobre el capitán blasfemo que cada siete años desembarca en tierra con la esperanza de que el amor redentor de una mujer fiel lo libere de la maldición a la que ha sido condenado.
A pesar de los cambios estilísticos, Wagner todavía utiliza las arias y dúos tradicionales, que poco a poco irán desapareciendo en sus nuevas obras. La ópera no tuvo la acogida de Rienzi, pero gracias a ella consiguió el puesto de director de cámara de la casa real de Sajonia.

Con Tannhäuser, estrenada en Dresde en 1845, avanzaba en la utilización de los temas conductores, ahora más extensos. Revive el mundo legendario medieval de los caballeros Minnesinger alemanes, equivalentes a los trovadores provenzales. Pero aquí el drama toma un aspecto religioso enfrentándose, por un lado, el amor "carnal" que simboliza la diosa Venus y, por otro, el amor espiritual de Elisabeth.

La obra comienza en el Venusberg, donde permanece Tannhäuser junto a la diosa. El caballero añora el mundo terrenal y consigue que Venus le permita volver a él. Una vez en la región de Turingia (principios de siglo XIII), reencuentra a sus compañeros de canto y caballería, que al pronunciar el nombre de Elisabeth (antiguo amor del caballero) consiguen que Tannhäuser los acompañe hasta el castillo, donde los esperan para celebrar uno de los concursos.
El landgrave de Turingia lo abre. Tannhäuser, en medio de una alucinación, realiza el exaltado canto sobre los placeres del Venusberg (utilizando para ello su leitmotiv). Ante tal osadía los caballeros presentes lo rodean para matarlo; pero intercede Elisabeth por él y logra que los caballeros acepten que Tannhäuser vaya en peregrinación a Roma para que el papa le perdone. En el acto tercero, Elisabeth, viendo que Tannhäuser no regresa, muere encomendándose a la Virgen para que su amado logre el perdón. De vuelta al valle de Turingia, Tannhäuser al conocer el hecho renuncia al Venusberg y muere junto a su amada mientras un grupo de peregrinos provenientes de Roma anuncian que el santo padre le ha perdonado al fin.
El constante entrelazamiento de los diferentes temas conductores, perfectamente adaptadas al texto, consigue que la música transcurra a través del propio texto. La idea de Wagner es utilizar la música como medio para llegar al drama; al contrario de la opera italiana donde el drama es el medio para llegar a la música.

En Lohengrin utiliza el nuevo método dramático musical en forma intensiva. En la obertura, por ejemplo, escuchamos el "tema del misterio" y el del santo Grial; este último reaparece en la misma forma tras casi cuatro horas de ópera, cuando Lohengrin se identifica como un caballero del Santo Grial.
A pesar de que Wagner creía en la eficacia de su sistema, éste realmente tenía sus fisuras, ya que para sus contemporáneos era muy difícil reconocer los numerosos temas que configuran la música y que se relacionaban íntimamente con el texto; sistema que casi nadie comprendía por su complejidad y porque sus óperas sólo se representaban en pocos teatros.
Richard Wagner comenzó la composición de Lohengrin en 1845, pero la participación activa por parte del compositor en los hechos revolucionarios de Dresde (1848-1849) le obligaron a refugiarse primero en Weimar junto a Listz y, al decretarse la orden de busca y captura contra él, a exiliarse en Suiza.

Lohengrin fue por tanto la primera ópera que se estrenó en Alemania (Weimar, 28 de Agosto de 1850) mientras Richard permanecía en el exilio. En ella encontramos aún influencias notablemente italianizantes y meyerbeerianas.


El mecenazgo del rey Luis II de Baviera

Cuando el compositor se había retirado a Mariafeld (cerca de Zurich, mayo de 1864) huyendo de sus acreedores se le presentó como un milagro el secretario del gabinete de Luis II para indicarle que el rey, su más ardiente admirador, se sentiría halagado si aceptase ser su invitado. Rápidamente fueron pagadas las numerosas deudas contraídas por el compositor que se instaló cómodamente en una casa cercana a la residencia de verano del rey en Berg. Para él compuso La marcha del Homenaje.
El 1 de Junio de 1865 se estrenó Tristán e Isolda en Munich, mientras Wagner comenzaba su autobiografía Mi vida (Mein Leben). Pero se supo que había iniciado relaciones con Cosima Listz y fueron aprovechadas para una intriga cortesana que obligó a Luis II a pedirle que se alejase un tiempo de Munich. Se trasladó a Suiza y, tras la muerte de su esposa Minna en Dresde (1866), se instaló con Cosima en la hermosa villa de Triebschen a orillas del lago de Ginebra, con sus cuatro hijas.
Richard pudo trabajar en sus óperas sin preocuparse de sus gastos y en 1867 terminaba Los maestros cantores de Nuremberg (Die Meistersinger von Nürnberg); una obra concebida en teoría como ópera cómica, pero que en realidad es una aproximación a las costumbres de la época de los Cantores Gremiales (Meistersingers) alemanes.


Bayreuth

Continuó viviendo en Triebschen, donde frecuentemente le visitaba Nietzsche. A lo largo de 1869 terminó Sigfrido casi por entero; las últimas páginas las acabaría en 1871. El 22 de septiembre de 1869 presentó El oro del Rin en Munich, mientras iniciaba la composición de El ocaso de los dioses. Ese poema fue leído por Wagner en Dresde, Zurich y París con notable éxito. Los amigos mostraban su admiración ante la epopeya del héroe germano, si bien ponían ciertos reparos de la viablidad de su representación escénica y la ilación del argumento. Tras largos años de convivir con Wagner, Cósima se divorcia de Hans von Bülow y se casa con Richard (1870); para su cumpleaños él le compuso El idilio de Sigfrido. Por ésta época viajó Wagner sucesivamente a Alemania para preparar el camuino de su Fesrspielhaus en Bayreuth y para la fundación de la Sociedad Wagner. El día de su quincuagésimo noveno cumpleaños puso la primera piedra del Teatro de Bayreuth, y al año siguiente realizó una gira de conciertos por Alemania para recoger fondos, y finalmene y gracias a la generosa ayuda de Luis II se pudo terminar.
Ese mismo año (1874) construyó su casa Wahnfried de Bayreuth, a la que se trasladó. En ella terminó El ocaso de los dioses, dando fin a la Tetralogía, que fue estrenada formando tres ciclos completos en Bayreuth (1876). Las pérdidas económicas fueron cuantiosas; pero era el espectáculo que todos querían ver. Después del festival, Wagner se trasladó con su familia a Londres. Donde dirigió una serie de conciertos para captar fondos que cubriesen las pérdidas de Bayreuth. Poco después se le presentaron sus primeros problemas de corazíon, por lo que se trasladó a Bad Ems (1877) para una cura de salud.



Parsifal, la última opera

En 1882 Wagner terminó su última ópera, Parsifal, en Palermo; tomó como modelo el Parzival de Wolfram von Echenbach (1160-1220 aprox.) quien, a su vez, había sacado el argumento de antiguas leyendas bretonas. La trama se centra en la montaña de Monsalvat, donde los caballeros del Santo Grial guardan celosamente el cáliz sagrado de la última cena. Amfortas, rey de los caballeros, fue seducido por Kundry y aprovechando su debilidad, Klingsor, un caballero réprobo y ambicioso, le había quitado la santa alianza hiriéndole con ella. Desde entonces la herida no había dejado de sangrar.
Una profecía que había de un joven puro que salvará a Amfortas es la única esperanza. Cierto día lleha un joven puro, que no conoce su nombre ni a sus padres; Gurnemanz, uno de los caballeros, lo lleva al ágape sagrado, pero al ver que el joven no da señales de ser el enviado de la profecía le hace salir del castillo. Parsifal, sin embargo, vencerá a Kundry y a Klingsor recuperando la lanza sagrada.
En el último acto ha pasado mucho tiempo y Parsifal retorna al castillo del Grial. Es Viernes Santo; Guernemanz reconoce ahora al salvador de la profecía y lo proclama como nuevo rey del Grial. Se dirigen a la sala donde permanecen Amfortas y los caballeros, Parsifal toca la herida de Amfortas, que queda curado. Entonces descubre el grial, que recupera su purísma luz, mientras que desde el cielo desciende una paloma blanca sobre los caballeros, momento en que Kundry, que se ha convertido, muere.
El último drama wagneriano es de hecho un cuadro místico cristiano. Parsifal se convierte al din en mensajero de salvación, Kunfry y Amfortas representan el símbolo de la culpa y la superción.

Wagner sufrió un primer ataque al corazón en Berlín (1881) y el segundo en Bayreuth, donde ya repuesto estrenó el 26 de julio de 1882 Parsifal, dando 16 funciones en las que el trercer acto de cada una de ellas fue dirigida por el propio compositor. Se trasladó a Venecia para recuperar su salud ya muy deteriorada; pero en 13 de febrero de 1883 moría en dicha ciudad. El día 18 fue enterrado en el jardín de Wahnfried, en Bayreuth, donde después se enterró también a su esposa

Todo sobre Richard Wagner en esta página ,muy interesante

Wagner


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IR ANOTAS Y DEDOS PIANO




TECLADO DEL PIANO TECLADO CENTRAL DEL PIANO

Hay dos clases de teclas : LAS BLANCAS Y LAS NEGRAS. Las blancas son DO-RE-MI-FA-SOL-LA-SI. La figura del piano (sentaros en el centro del piano) es la que teneis enfrente se llama do4 que es el cuarto do de un piano normal. De las negras hablaré más adelante.

En esta primera lección teneis dos temas anteriores de teoría musical: EL PENTAGRAMA-YA LAS CLAVES DE SOL Y DE FA . Las notas musicales tambien las sabeis : DO-RE-MI-FA-SOL-LA-SI- y luego se repiten otra vez en lo que se llama una octava alta.


 


CONSEJOS En primer lugar os diré que este método de piano lo voy a realizar yo personalmente. El piano es un instrumento bastante caro, si vuestras posibilidades no lo permiten, en el mercado hay unos teclados (Yamaha-Korg-etc.) que pueden hacer en principio la labor de un piano y si alguna vez os retirais de estudiar habeís desembolsado poco dinero. Una cosa importante, el piano en un primcipio es duro el estudiar, una leccíon la teneís que aprender bien; no paseís a la siguiente pues requiere saber la anterior. Se estudiará a manos separadas y luego juntarlas. En principio se hace muy lento y sabiendo donde estás, para posteriormente ir más rápido. Sobre todo atento a lo que estais tocando. Un buen aprendizaje al principio te resiolveran muchos problemas más adelante. Sobre todo lo que he dicho antes muy lentamente.


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EL MOTETE El motete es una de las formas musicales más importantes de la música polifónica desde el S.XIII hasta el XVIII, aunque posteriormente se siguieran componiendo pero en menor medida y de una forma independiente. En los siglos XIII y XIV, el motete constaba de una serie de variaciones polifónicas sobre un Canto dado o Cantus Firmus. Este cantus firmus era una melodía ya existente, de origén generalmente litúrgico, y sobre el que se basaba la composición polifónica. Sobre este cantus firmus, de línea melódica amplia y severa, se contraponía una nueva melodía con otro texto, más amplia y variada, que se conocía con el nombre de tropo. Por tanto, se denominaba motete a la voz que hacía un contrapunto sobre el rígido esquema del cantus firmus, a modo de discanto o diafonía. El cantus firmus poseía un texto corto, mientras el discanto contenía un texto con más palabras. El texto utilizado estaba escrito en Latín sobre un salmo o pasaje de las Sagradas Escrituras. Posteriormente, el motete se convirtió en una obra vocal polifónica a capella, con un carácter dramático e imitativo. Es evidente la evolución manifiesta que se produjo en el motete, desde las primeras obras de PerotinPalestrina Palestrina, Orlando di Lasso y T.L de Victoria, hasta llegar a los compositores románticos.PerotinPerotin


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 Tomás Luis de Victoria (1548-1611)

Nació en Avila hacia 1548. Consta que fue niño cantor en la Catedral de su ciudad natal, donde inició sus estudios musicales. En junio de 1565 ingresa en el Colegio Germánico de Roma y continúa sus estudios musicales en el Seminario Romano; bajo la dirección de Palestrina, que era por entonces el Maestro de Capilla. En 1569 es nombrado Maestro de Capilla de la Iglesia de Montserrat, templo oficial de la Corona de Aragón en Roma. En 1571 vuelve al Seminario Romano, donde sucede a Palestrina como Maestro de Capilla. En 1575, también en Roma, tras su ordenación sacerdotal, pasa a ocupar la Maestría de Capilla del Colegio Germánico. En 1578 se traslada a la Iglesia se S. Girolamo della carita, donde convive con S. Felipe Neri y participa activamente en el movimiento del Oratorio, uno de los más activos en la renovación de la Iglesia Católica tras el Concilio de Trento. A partir de 1585 se le encuentra ocupando diversos oficios en las Iglesias españolas en Roma. Se supone que regresa a España hacia 1594. A partir de 1596 vivirá en Madrid, donde primero ocupará el cargo de Capellán de la emperatriz María; a la que acompañará en su retiro del monasterio de las Descalzas tras la muerte de su esposo, Felipe II. Tras la muerte de la emperatriz continuará ejerciendo como organista en el convento de las Descalzas. Falleció en Madrid el sábado 27 de agosto de 1611. Está enterrado en el propio monasterio de las Descalzas Reales. Tomás Luis de Victoria fue uno de los alumnos más aventajados de Palestrina. Su obra musical fue eminentemente religiosa y fue el más importante de los primeros maestros que pusieron música a la nueva liturgia renovada, surgida tras el Concilio de Trento. Este reto hará que la estética de Vitoria se vaya separando de la de Palestrina, creando un nuevo modelo, más espiritual y directo, que se convertirá en el paradigma de la música religiosa católica del barroco. Su influencia en autores posteriores será importantísima, algunos dicen que, particularmente, en Mozart. Sus obras más importantes son varios libros de Motecta (Venecia 1572, Roma 1583 y Milán 1589) y, por supuesto, su Officium Defunctorum (Madrid 1605). Esta última obra fue compuesta inicialmente para las exequias de la emperatriz María. Retocada y publicada posteriormente con motivo de las exequias de la infanta Margarita, hija de la Emperatriz. Es probablemente la obra musical escrita en España que más ha influido en la música universal. Su particular estética se hace sentir en casi toda la música religiosa católica del barroco. Página en la que podrás escuchar cantidad de música del Renacimiento español. Musica española del Renacimiento

AVE MARIA

Pueri hebreorum


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IR A MI NUEVO BLOG MEJORADOCARRACA DE SEMANA SANTA fotos.miarroba.com Carracas del pueblo de Valduvieco. Pueblo a 25 km. de León de 54 habitantes.pueblo (Valduvieco) Carraca Instrumento de percusión,de madera, compuesta de una rueda dentada movida por una manivela y que por su rotación agarra con sus dientes una o varias laminillas de madera flexible, haciéndolas vibrar. El ruido engendrado por el triqueteo repetido de estas laminillas es proporcional a las dimensiones del aparato. La carraca se utiliza aún en algunos pueblos de España durante los días de Semana Santa en que no pueden sonar las campanas, para llamar a los oficios divinos , y también es tocado por los muchachos al concluirse el oficio de tinieblas del Viernes Santo. Incluida modernamente entre los instrumentos que integran los la orquesta de Jazz, ha sido asimismo utilizada en la orquesta sinfónica. Ricardo Strauss la utilizó en su poema sinfónico Till Eulenspiegel.fotos.miarroba.com


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El dedo pulgar es el dedo 1 tanto en la mano derecha como en la izquierda. Los demás dedos el número se ve en la imagen.

La mano se pone horizontal al piano a muy poca altura. Rela jados los dedos y las manos en general. No hacer ningún esfuerzo pues son los dedos los que golpearan las teclas .

Hacer ejercicios levantando el pulgar y bajandolo varias veces, sin tocar ninguna tecla.
Hacer lo mismo con los demás dedos. Este ejercicio primero , hacerlo muchas veces pues es lo que hareis cuando tengais que tocar las teclas. En una mesa bajar y subir los dedos tocando la mesa,primero el pulgar y después los demás, asi cogereis destreza y fuerza (suave esta fuerza).
Las manos y brazos no se menearan y estarán relajadas de tal forma que si cojeis la mano izquierda con la derecha y la soltais que no se paré en su caída.Es muy importante no estar en tensión con la manos y brazos si es así no lograreis sacar notas agradables y fluidas.

ESTE ES EL ARTICULO MEJORADO EN MI NUEVO BLOG







El dedo pulgar es el dedo 1 tanto en la mano derecha como en la izquierda. Los demás dedos el número se ve en la imagen.

La mano se pone horizontal al piano a muy poca altura. Rela jados los dedos y las manos en general. No hacer ningún esfuerzo pues son los dedos los que golpearan las teclas .

Hacer ejercicios levantando el pulgar y bajandolo varias veces, sin tocar ninguna tecla.
Hacer lo mismo con los demás dedos. Este ejercicio primero , hacerlo muchas veces pues es lo que hareis cuando tengais que tocar las teclas. En una mesa bajar y subir los dedos tocando la mesa,primero el pulgar y después los demás, asi cogereis destreza y fuerza (suave esta fuerza).




Las manos y brazos no se menearan y estarán relajadas de tal forma que si cojeis la mano izquierda con la derecha y la soltais que no se paré en su caída.Es muy importante no estar en tensión con la manos y brazos si es así no lograreis sacar notas agradables y fluidas.




Este es el órgano virtual de native instruments, en el que suena el piano midi.

En este video explico las posiciones de los dedos con las notas : do re mi fa sol


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Trompa (instrumento musical)
De Wikipedia

Corno francés

Corno vienésLa trompa o corno francés está formada por un tubo estrecho y largo. Este tubo cónico de metal se enrolla y acaba en un pabellón abierto (en forma de campana).


La producción del sonido está controlada por la presión de los labios del músico y la fuerza del soplo.

La trompa o corno francés es un instrumento de viento-metal de la familia de los metales (aunque debido a la dulzura de su timbre, parece de la familia de las maderas). El timbre de la trompa es muy rico y expresivo. Además este instrumento puede emitir tanto sonidos suaves y dulces como ásperos y duros. Existen ciertos recursos técnicos que permiten a la trompa conseguir efectos tímbricos especiales: sordina, apagador y cuivré

Su antepasado es el cuerno (en inglés horn) de un animal.

Actualmente se utiliza la trompa en fa y en si bemol agudo. También se halla difundida la trompa doble que —mediante la aplicación de un pistón especial— puede ser afinada en fa o en si bemol agudo según las necesidades del ejecutante.
Tesitura
El registro de la trompa va desde un si bemol1 hasta un fa5. Puede alcanzar sonidos más extremos (desde un fa1 hasta un si bemol5, pero se desalienta su uso, debido a que son magros, inexpresivos y de expresión peligrosa (es posible que el ejecutante se encuentre soplando inútilmente, sin emitir sonido alguno).

Escritura

Corno francésLa trompa es un instrumento transpositor, es decir, su sonido real es diferente al escrito, en general, el sonido real de la trompa está una quinta más bajo que la notación de la partitura.

Por convención (arbitraria e incómoda) los trompistas leían sus partituras sin armadura de clave, sino alterando cada nota. Aunque el corno más usado en la actualidad sea el doble, el compositor escribe como si el corno estuviera en fa. Las notas agudas se escriben en clave de sol y suenan una quinta justa más graves de lo que está escrito. En cambio las notas más graves se escriben en clave de fa y —por otra convención absurda y complicada— están indicadas una octava más grave que lo necesario.

De esta manera, si está escrito un fa4 en clave de sol o un fa3 en clave de fa, el sonido real será un si bemol 3 (que es la quinta justa descendente de fa4).

Mecanismo
El mecanismo para producir las diversas posiciones está formado por tres o cuatro cilindros (que es el nombre arbitrario que se le da a los pistones normales de todos los metales, como la trompeta, el trombón o la tuba).

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/


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Viernes, 21 de abril de 2006

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Vincent d'Indy

(1851 - 1931)




La vida de Vincent d'Indy



Nace en París el 27 de marzo de 1851 en el seno de una familia aristocrática.

Extraordinariamente culto y de formación clásica, sus primeros estudios musicales los realiza con su tío Wilfrid d'Indy, a la vez que estudia piano con Marmontel.

En 1865 asiste a las lecciones de armonía que imparte Lavignac.

En 1872 ingresa en el Conservatorio de París, bajo la disciplina de César Franck, que le instruye en todas las técnicas de composición.

Del 1872 a 1876 es organista de St Leu-la-Forêt.

Funda la Schola Cantorum despues de haber fracasado en su tentativa de reformar los estudios del conservatorio.

En 1912 será profesor de instrumentación del Conservatorio de París, y dos años más tarde de dirección orquestal, puesto que mantendría hasta 1929.

Muere en París el 2 de diciembre de 1931.


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ImagenLas siglas M.I.D.I. se traducen como Interface Digital para Instrumentos Musicales (Musical Instrument Digital Interface, en inglés).

El interface se utiliza para la comunicación entre los instrumentos electrónicos. Con el midi se creó un nuevo lenguaje para que los aparatos musicales, los ordenadores y los equipos de audio y vídeo se entendieran e incluso intercambiaran información.

Gracias al MIDI se consiguió revolucionar el mundo de la música digital y electrónica. Los más importantes teclados de la actualidad incorporan la compatibilidad MID. En la decada de los 80, la tecnología de los sintetizadores había conseguido avances importantes en su empeño para conseguir instrumentos capaces de reproducir sonidos espectaculares tanto, creando imágenes de sus correspondientes acústicos como produciendo tonos irreales compuestos por algunos músicos que encontraron en estos sonidos nuevas inspiraciones y medios para su creatividad. Sin embargo, uno de los problemas que permanecían sin solucionar era la incompatibilidad entre diferentes instrumentos, incluso del mismo fabricante. Los primeros sintetizadores eran monofónicos (solo reproducían una nota) y claro no podían competir con los instrumentos reales; en la actualidad la polifonía que consiguen es increible y capaz de competir en toda regla con los más sólidos instrumentos.

A = La, B = Si, C = Do, D = Re, E = Mi, F = Fa y G = Sol. (escala midi)


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El Ayuntamiento de El Ejido espera la visita de los Rolling Stones
La administracción local espera respuesta de la oficina de los Stones
ImagenEl alcalde de El Ejido, Juan Enciso, ha reconocido que el equipo de Gobierno municipal está manteniendo contactos con la empresa que organiza la gira de los Rolling Stones por España, con el objetivo de que la mítica banda actúe en el estadio Santo Domingo el próximo verano; informa La Voz de Almería. Aunque en ningún momento confirmó que el acuerdo esté cerrado, Enciso aseguró que "estamos trabajando en ello pero todavía no podemos decir nada". Enciso ha apelado a la discreción y ha alegado "motivos de seguridad" para no dar más datos de este proyecto que tanta expectación está causando. A pesar de esto, el Ayuntamiento de El Ejido ha pagado un aval de tres millones de euros a la empresa que organiza la gira de la banda en España, aunque desde el equipo de Gobierno se insiste en que no hay nada cerrado. Tampoco ha querido Enciso adelantar una fecha para el posible anuncio oficial del concierto, es decir, para el cierre de las negociaciones entre el Ayuntamiento de El Ejido y la agencia que organiza la gira. Simplemente, el primer edil ejidense se limitó a decir que "estamos a la espera, ya que también Zaragoza quería acoger el concierto y al final no lo va a hacer". El Ayuntamiento de El Ejido está a la espera de que la organización del espectáculo, que recorrerá más de treinta estadios de veinte países europeos, dé el sí a la actuación en el estadio de Santo Domingo para el próximo 16 de agosto.Rolling


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Jueves, 20 de abril de 2006

MI NUEVA PAGINA  mEJOR HECHA Y MAS ARTICULOS

LOS IBERICOS
Conjunto Aragonés



PROXIMA ACTUACION

Salón de Actos del Edificio de la CREA.
Jueves 27 abril de 2006, a las 19:30 h.

PULSA PARA MAS DETALLES

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El "boom" musical que El Bis y Los Ibéricos representan en escena, se empezó a fraguar en los míticos 60's, con la fundación de Los Ibéricos y sus cuidadas versiones de la mejor música instrumental de la época (The Shadows, Ventures, Spotnicks, etc.)
De los antiguos Ibéricos, que prestan su nombre al grupo actual, siguen resistiendo dos de los fundadores, Jesús Lacoma (guitarra solista) y José Francisco Orna (guitarra bajo). Completan la formación, la batería de José Antonio Ruizalejos y los teclados de José Luis Catalán.


En el año 2001 se incorpora Carlos Gargallo, auténtico "showman", fiel réplica y seguidor incondicional de ELVIS PRESLEY. Carlos adopta el nombre artístico de EL BIS y, desde ese momento, pasa a encabezar los carteles cual reencarnado Rey del Rock.

Una cuidadosa puesta en escena y un correcto montaje musical y el impresionante derroche de facultades que EL BIS prodiga en sus actuaciones, mantienen un altísimo nivel en el escenario. En algún paréntesis aparece la magia instrumental de LOS IBERICOS para, seguidamente, recuperar el alto voltaje y explotar con fuerza ante el espectador.

Los asistentes disfrutan la diferencia entre la música en lata y la música en vivo. Diferente. De muchos octanos. Algo que no te debes perder.


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www.zaragoza-ciudad.com/losibericos
Aragoneses

© INTERNET ZARAGOZAfotos.miarroba.com
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Hecho el 21 de febrero de 1706
Se interroga al aorganista Bach, de la Iglesia Nueva.

¿Dónde ha estado últimamente y quien la ha otorgado ese permiso?




ILLE
Ha estado el Lübek para aprender allí algo nuevo relaccionado con su arte, pero antes ha solicitado permiso del Señor Superintendente.
DOMINUS SUPERINTEDENS:
Bach había hecho ese pedido por cuatro semanas, pero ha permanecido fuera cuatro veces más.
ILLE:
Espera que el servicio de órgano haya sido cumplido por aquél a quien lo dejó recomendado , de modo que ninguna queja pueda ser presentada por ese motivo.
NOS:
Reprendémoslo porque hasta ahora ha hecho en los corales muchas variaciones extrañas, habiendo mezclado muchos tonos ajenos, tanto que la comunidad ha quedado confundida por ello. En lo sucesivo debe, si quiere introducir un tonum peregrinum, permanecer también como hasta ahora ha acostumbrado, tocar hasta un tonum contrarium.Es además extraño que hasta ahora no haya sido ejecutada una músicade conjunto, cosa que ocurre por su culpa pues no se lleva bien con los alumnos; pero esto debe aclarar si quiere tocar con los alumnos tanto figuraliter como coraliter. Si no lo quisiera debe decirlo categóricamente para que se pueda hacer otro arraglo , contratando a otro capaz de realizarlo.
ILLe:
Si se le procurará un buen director, ya tocaría.


RESOLVITUR___________ Debe contestar dentro de 8 días.


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Mi?rcoles, 19 de abril de 2006

ARTICULO MEJORADO EN MI NUEVA PAGINA. IR A LA PAGINA CURSO PIANO, FLAUTA.....
El Jazz

Andrés Saborío-Bejarano*

* Artista polifacético costarricense dedicado exclusivamente a la creación musical, pictórica y literaria. Comparte esta actividad con la de pianista acompañante de cantantes e instrumentistas. Licentia Docendi e integrante de la Corporación de Maestros del Colegio de Artes Plásticas, es miembro del Consejo Académico en Música, Catedrático de la U.A.C.A, profesor de piano, composición y Ciencia Musical en el Conservatorio de Castella y director del Estudio Privado de Enseñanza Artística “H-61”.
Además de concedérsele Premios Nacionales y Reconocimientos Internacionales, su nombre se incluye como compositor actual, en la sección Música de la Enciclopedia Océano: Costa Rica (2 tomos). También hay referencias suyas en un diccionario español sobre artistas músicos costarricenses y en catálogos de foros de compositores del Caribe.

El Jazz constituye una fraternidad completamente distinta... La improvisación posee su propio mundo, necesariamente libre y amplio, puesto que sólo así, en un tiempo imprecisamente delimitado, puede ser elaborada...
Igor Stravinsky
La palabra “JAZZ”, tiene su origen en distintas teorías y fue empleada por primera vez en Chicago en 1916. Se dice que procede de una palabra criolla que significa “apresurarse”, mientras que otras la derivan del francés jaser (charlar). Otros creen se trata de la abreviatura de Jasbo, patronímico de un músico negro.
Sousa sostenía que se trataba de un fin de revista. Las teorías son muchas, pero sin pruebas contundentes.
Lo que sí podemos verificar es que en 1619 una nave holandesa atracó en Jamestown, Virginia, desembarcando el primer contingente de veinte esclavos negros. El proceso esclavista duró casi dos siglos, llegando a la alarmante cifra de nueve millones de esclavos en países ricos económicamente hablando, como Holanda e Inglaterra, más adelante casi todos los países europeos entraron al comercio de esclavos, pues les proporcionaba cuantiosas ganancias monetarias. No fue sino hasta 1865 que la Guerra Civil culminó con la abolición de la esclavitud en los Estados Unidos.
La música jazz tuvo su génesis entre los negros americanos, muchos de ellos provenientes de África, teniendo por cuna de nacimiento la gran ciudad de Nueva Orleans en el XIX y a principios del siglo XX. Afirma el antropólogo y musicógrafo Ernest Borneman que la música sincopada cristalizó alrededor de dicha ciudad por definidas razones sociales y económicas.
música popular
La música de los esclavos negros se caracterizaba por el predominio del ritmo y por las transiciones del canto al discurso, de la música instrumental al baile y del tono serio al jocoso.
Entre las danzas primitivas que practicaban los negros encontramos las llamadas “juba”, “bamboula”, “vodum”, “congo” y “calinda”. Algunas de estas danzas, bailadas por siglos en el África, constituían un desahogo a la tremenda situación sufrida por los esclavos.
La música y el baile eran muy importantes para los negros en las plantaciones americanas, llegando a asimilar con el tiempo los himnos y cánticos religiosos del blanco. Así, mientras el lado negro del jazz brota de la música africana primitiva, la línea de ascendencia del lado blanco puede trazarse hasta los himnos wesleyanos del resurgimiento metodista. Los elementos, tanto europeos como africanos, se fusionaron en el canto popular del negro americano, muy particularmente expresada en sus cantos de plantación, negros espirituales, los blues, los nigger minstrels, espectáculos éstos en que los blancos se caracterizaban de negros.
cantos de plantación: “work songs” (cantos de trabajo)
Estos cantos se hacían en las plantaciones por las cuadrillas de esclavos encadenados, eran sumamente rítmicos y empleaban un redoble repetido que acentuaba la fase regular de la tarea que realizaban en el momento.
negros espirituales
Los negros hallaron un gran consuelo en el cristianismo, estos cantos son genuinamente religiosos, estrechamente relacionados con los ritos africanos. Con frecuencia se desarrollan en forma de conversación medio improvisada entre un director y el coro de congregantes; habilidad de improvisación y el sincopado son los elementos más importantes del ritmo.
Posteriormente y por su calidad artística, los cánticos negros espirituales han sido interpretados por grandes cantantes solistas y coros en todas las salas de concierto del mundo.
gospel songs
Son cantos religiosos interpretados al menos por un cuarteto, destinado a los solistas evangélicos que relatan a los fieles un pasaje de las Sagradas Escrituras. Los principales Gospel Songs son entonados por cuatro mujeres.
boogie-woogies
Forma pianística particular del blues. Hacia principios de siglo, en los alrededores de Chicago, una forma pianística del blues de doce compases habría de ver la luz: el boogie-woogie.
Esta manera de tocar se caracteriza por el hecho de que el pianista, en lugar de tocar los acordes para sostener la melodía, desdobla con la mano izquierda el ritmo de cuatro tiempos en 8/8 creando bajos movimientos, contornos armónicos y cálida impresión rítmica.
Es un estilo pianístico primitivo que consiste en repetir con la mano derecha, sobre un tema de blues, figuras melódico-rítmicas muy simples, mientras la mano izquierda enuncia un ritmo característico (corchea puntilleada – semicorchea) y perpetuo.
grandes orquestas
A principio de siglo destacaron:
Duque Ellington y su orquesta,
Louis Armstrong y su orquesta,
Ella Fitzgerald, Sy Olivier y su orquesta,
Jazz Band de Bunk Johnson,
Bob Crosby y su orquesta,
King Oliver y su orquesta,
Gillespie y su orquesta.
. . .
blueS: (canción nostálgica; 1910- )
Tema del folklore negro-americano. Pequeños trozos de doce compases formados por tres frases de cuatro compases cada una, las dos primeras son idénticas entre sí, la tercera sirve como conclusión tanto melódica como dramática, lo que nos da la forma A.B.A.
Los blues constituyen los cimientos del jazz; los temas de los cantos blues procedían de los cantos de plantación y de los espirituales, mientras su forma musical, una escala mayor diatónica con adición de terceras y séptimas menores era debida exclusivamente al desconocimiento africano de la armonía europea.
Es en el blues donde hallamos el estilo vocal negro primitivo con sus famosas inflexiones. Estas consisten en bajar un medio tono del tercer grado y del séptimo grado de la escala, lo que crea un equívoco entre las tonalidades de mayor y menor, originando una ambigüedad sonora en cuanto que las notas naturales son conservadas a veces.
Armónicamente el blues ortodoxo se ejecuta así: Cuatro compases sobre la tónica (con descenso de medio tono del séptimo grado durante el último compás), dos compases sobre la subdominante, dos compases sobre la tónica, dos compases de séptima de dominante y, finalmente, se concluye con dos compases sobre la tónica.
Sobre este cuadro armónico casi inmutable, se ha constituído una cantidad de melodías diferentes e improvisado un sinnúmero de canciones.
nigger minstrels: (payasos negros)
Estos tuvieron su origen en 1820, con cantantes y músicos blancos, que representaban en el escenario escenas de cara negra. Su música estaba inspirada en las canciones y bailes sincopados de los negros, pero contenía también elementos de música europea, especialmente de canciones escocesas y trozos populares de ópera. Más adelante, los espectáculos cómicos ambulantes abarcaban una función que duraba toda la velada a base de canciones, chascarrillos y escenas sueltas. Los Minstrels Shows fueron popularísimos en los EE.UU. alrededor de 1850.
ragtime: (1890-1915)
El padre de este género musical es el pianista y compositor de color Scott Joplin (1868-1917).
El ragtime, que en un principio fue música basada en ritmos sin ninguna melodía apreciable, tuvo su origen en los intentos realizados por los pianistas negros de Nueva Orleans para copiar la destreza de las bandas de música y variar el acento del redoble fuerte al débil al interpretar las marchas.
Muchos compositores encontraron la inspiración para sus obras en las danzas de los negros, en las polcas, quadrilles, minués y valses que estaban en boga en Nueva Orleans, Memphis y Saint-Louis, añadiendo complicaciones rítmicas negroides típicas, en contraposición con el compás de dos por dos o de cuatro cuartos.
peculiaridades del ragtime
Un ritmo vivo e incesante, una relación casi exclusiva al piano, el toque acentuado del bajo independiente que cambia continuamente el acento, la animación debida a la permanente oposición entre los contrastes rítmicos de la parte alta y el tiempo bajo estricto o sincopado, son la clave de toda la música negra y, por tanto, del jazz.
La antigua música de ragtime se convirtió en acompañamiento de una melodía folklórica, resultando una composición en tres “copas”: En la inferior, un ritmo fijo casi de marcha, con un incansable redoble a contratiempo; sobre ésta un acompañamiento sincopado, animado, rítmico y cambiante y, sobre ambas, una sencilla melodía cantable.
nueva orleans
Por tener esta ciudad cosmopolita pocos prejuicios de raza, fueron muchos los negros que acudieron a Nueva Orleans luego de la abolición oficial de la esclavitud en 1865; unos se hicieron barberos y otros encontraron empleos como músicos, adquiriendo los instrumentos de viento que vendían los músicos militares blancos después de la guerra civil. Como nadie les enseñaba a hacerlo, tuvieron que averiguar por sí mismos la manera de tocar dichos instrumentos y como resultado, descubrieron originales formas de ejecutarlos.
las bandas
Con el tiempo fueron cada vez más numerosos los negros que encontraban empleo como músicos de baile en los centros nocturnos de Story Ville – Nueva Orleans.
La banda del cornetín negro Buddy Kid Bolden, ha sido considerada como la primera en formarse; interpretaban todos los números de ragtime, tocaban con un estilo totalmente nuevo música sin precedentes, la expresión de su nuevo humor y sus emociones surgían en una forma libre de la improvisación colectiva, acompañada por los más sorprendentes efectos polirrítmicos del contrapunto.
Otro de los principales precursores del jazz en Nueva Orleans fue el trompetista Manuel Pérez con su Banda Imperial; existieron también la Olympia Band, la Kid Ory’s Creole Band y la Eagle Band.
Famosos introductores del jazz en el período de Nueva Orleans son:
– Louis Armstrong – Trompetas: Aguda y normal o corneta y voz cantante.
– Sidney Bechet – Clarinete
– Honosé Dutrey – Trombón
– Jelly Roll Morton – Piano
La característica principal del estilo de esta música fue la improvisación colectiva, simultánea, generalmente de la corneta, el clarinete y el trombón, que eran llamados voces. La interpretación negra era siempre vocal, trataban de “cantar” con sus instrumentos, como en otro tiempo lo hicieron en las plantaciones. Con técnicas como la entonación variada, desde el suave glissando hasta el llamado “tono sucio”, en el cual la vibración de la lengua o suave paladeo produce un sonido áspero en la música.
La corneta era llamada “directora”, ya que el corneta en la mayoría de los casos era el director de la orquesta. El trombón se utilizaba como instrumento que acompañaba, pero la sección rítmica corriente consistía en contrabajo o saxófono con el posible aditamento de una guitarra o un banjo. El jazz improvisado de este tipo es llamado “hot”, en contraste con el straight jazz, que se interpreta según un arreglo escrito de antemano.
dixieland
Las orquestas blancas de Nueva Orleans trataron de imitar el jazz negro. La Ragtime Band de Jack Laine, generalmente considerado como padre de la música de jazz blanca, creó el estilo que lleva el nombre de Dixieland. Esta expresión se emplea para designar la música de jazz interpretada casi en el estilo de Nueva Orleans por músicos blancos.
la original dixieland jazz band:
Esta orquesta tocó en el café Schiller de Chicago durante 1915 y poco después se dio a conocer en Nueva York; constaba de trompeta, clarinete, trombón, piano y cajas; estaba dirigida por el trompeta “Nick”. En 1917 se hizo famosa al grabar en discos música de jazz.
chicago:
Al cerrar el gobierno de los EE.UU., los establecimientos de diversión en Story Ville – Nueva Orleans, el jazz quedó sin casa cuna, refugiándose entonces en la ciudad de Chicago, en el barrio negro llamado Black Belt, donde el jazz de color tuvo una enorme acogida, principalmente la Orquesta de King Olivier en 1917 y el “Chicago Jazz Style” de los blancos, así resultó la primera orquesta blanca de jazz New Orleans Rhythm Kings, de Paul Mares.
La Orquesta The Wolverines fue la que introdujo al jazz el saxofón como un nuevo instrumento.
También en las ciudades de Kansas City y Nueva York tuvo mucho auge el jazz, destacándose grandemente la Orquesta del “Duque” Ellington, creador de un estilo nuevo y seductor llamado jungle y siendo considerado como el compositor más famoso que haya producido el mundo del jazz.
algunos creadores importantes de jazz
En Nueva Orleans, Nick La Rocca, en Florencia, William Christopher (padre del blues), en Chicago, Benny Goodman (padre del swing), en Nueva York, Earl Powel, y en Kansas City, Charlie Parker.
el jazz en sala de conciertos, junto a la música clásica
El jazz sinfónico fue creado por Paul Whiteman; su mayor éxito se registra en 1924, cuando lanzó la Rhapsody in Blue de Gershwin (ver artículo “Recordando al genial George Gershwin, en el centenario de su natalicio”, del Acta Académica #22, Mayo 1998).
Composición de las bandas – jazz:
Las primeras bandas eran tríos o cuartetos (corneta, clarinete, trombón y piano). Los conjuntos instrumentales de las orquestas de Jazz – Band, se componían así: violines, saxofones, banjo, acordeón, cornetines, trombones, piano y una serie de instrumentos de percusión como redoblante , bombo, platillo, triángulo, gongos, campanillas, juego de timbres, pitos, bocinas de automóvil, castañuelas, xilófono, etc., todo cuanto puede utilizarse para marcar el ritmo, dentro de una gran variedad de matices y de efectos de sonoridad.
swing
Del verbo inglés to swing, balancear. Se empleó por primera vez este término en 1955, por la banda de swing del clarinetista Benny Goodman.
El swing es bailable y se distingue de la música dulce escrita de antemano, en que el swing da lugar a la libre improvisación. Goodman fue el que llevó a su máxima expresión este estilo de música.
Mundial exponente del “swing escrito”, por medio de magistrales sonoridades de su famosa orquesta popular bailable, fue el talentoso arreglista y trombonista americano Glenn Miller (1904 – 1944).
la bifurcación
Cuando Ellington y el estilo swing se hallaban en el cenit, el jazz puro encontró que seguía un camino doble. Por una parte había una nueva generación de músicos que deseaba desarrollar el estilo de jazz de la época, por otro lado, se realizó el intento de volver a las olvidadas fuentes del jazz, sobre todo a la música de Nueva Orleans. De esto surgió el grupo “Du Walters”, que modeló su agrupación instrumental y su repertorio sobre las antiguas orquestas de Nueva Orleans, produciéndose lo que se llamó: “El Resurgimiento de Nueva Orleans” y que recibió el apoyo, no sólo de Norteamérica, sino de todos los países interesados por el jazz.
Por otra parte, Bob Crosby, en contraste con las tendencias de otros directores blancos de orquesta, buscó su inspiración desde 1935 en el tradicional estilo Dixieland.
Al mismo tiempo han hecho su aparición varias tendencias nuevas, en parte traídas por una especie de conjunto de experiencias anteriores en el campo del jazz y en parte influidas por relativas tendencias de Sudamérica, la música cubana y la africana nativa.
el bop:
El be-bop, el re-bop y el bop sencillo, fueron iniciados durante la segunda guerra mundial por los precursores de la antigua generación del jazz. Aquí surgió un estilo con mayor libertad para los solistas, con armonías más osadas e imaginativas y ritmos más complicados, con el ritmo base en el bajo y variando constantemente las figuras rítmicas en los timbales, en el tambor tenor y en el tambor bajo. Ciertos pasajes casuales en estilo más refinado son bruscamente interrumpidos por pasajes rápidos y violentos con acentos inmotivados y sorprendentes.
Esta ruptura con la tradición, cuya semilla había sido sembrada durante el período del swing, fue proseguida por figuras nuevas como el saxofonista Charlie Parker. Al principio el bop era muy limitado, cada número consistía generalmente en un caso de introducción con el saxofón y la trompeta al unísono (melodía conocida), una serie de improvisaciones a solo y la conclusión con la recapitulación del coro.
En 1946, Gillespie empezó a grabar en discos con una orquesta mayor, siendo los números bastante diferentes, elaborados por adaptadores como Walter Fuller y John Lewis.
el cool
Como reacción contra el violento estilo del bop, algunos intérpretes se volvieron hacia una forma más fría de tocar. Aún en el bop existía la tendencia de que las frases de la melodía se arrastraran detrás de las pulsaciones del ritmo base, esta tendencia siguió en aumento al mismo tiempo que se variaba a un tono más sutil, casi libre del vibrato.
En la interpretación más equilibrada y refinada, las armonías se esparcen lo más ampliamente posible en el estilo cool (frío) y se explotan todas las posibilidades de propagar el acorde básico; el ritmo se construye alrededor del contrabajo en su más bajo registro, con un débil acompañamiento que se desliza desde las escobillas sobre el tambor tenor; Stan Getz es un exponente de primera categoría de este estilo.
el progresivo
Es una derivación, prolongación y ampliación de la música bop y cool con influencia hispanoamericana, en que se desarrollan hasta lo último de los efectos del sonido.
la aportación del jazz
La música seria ha de agradecer al jazz las evoluciones rítmicas, una concepción más libre de la tonalidad, el enriquecimiento armónico y una comprensión mucho mayor de las posibilidades de los instrumentos orquestales. Además, por primera vez en muchos años, el jazz ha hecho comprender y amar la polifonía a un gran sector del público. Ha hecho revivir el interés por la libre inspiración, despertando así el antiguo concepto del músico, no solo en cuanto a instrumentistas capaces de interpretar las notas que tienen delante, sino como verdaderos creadores en el arte de la improvisación.
músicos de jazz
Recocidos músicos de la “primera década” del jazz son: Thomas Turpin, Arthur Marshall y James Scott. De la “época moderna” del jazz, se encuentran Artie Mattews, Eubie Blake, Zez Confrey y Charles Luke. Y de la “década final”, mencionaré a Joseph Lamb.
la influencia del jazz
Ya en 1908, Claude Debussy utilizó derivación del ritmo de ragtime: El cakewalk, en Golliwogg Cake Walk de su Children´s Corner y dos años más tarde en Le Ménestrel.
Las visitas realizadas por las orquestas de jazz después de la primera guerra mundial, ocasionaron un considerable revuelo entre los músicos serios de todo el mundo.
En 1919, el director suizo Ernest Ansermet escribió emocionado sobre la “asombrosa perfección, el enorme gusto y el entusiasmo” con que tocaba la Southern Syncopated Orchestra y apuntó referente a los solos de clarinete de Rechet: “su forma esclaviza, es brusca, áspera, con una determinación abrupta y despiadada como la del Segundo Concierto de Brandenburgo de Bach”.
Stravinsky hace uso copioso de los ritmos del jazz.
De la influencia del jazz sobre la música moderna puede decirse que numerosos compositores reconocen su valor, acentuando principalmente la importancia de los blues y de los modos del jazz.
Entre otros compositores serios o de “influencia clásica”, que han experimentado con el jazz, se puede citar a Louis Moreau Gottschalk, Louis Chauvin, Robert Hampton, Erik Satie, Charles Ives,...
estructura del jazz
MELODÍA: Su base está en las escalas mayor y menor, escalas pentatónicas, escalas con terceras y séptimas añadidas.
ARMONIA: La mayoría del jazz utiliza los acordes mayores y menores corrientes en los blues y en la música primitiva de Nueva Orleans, en su mayoría sencillas terceras y acordes de séptimas.
RITMO: El ritmo básico predominante es el 4/4 (cuatro por cuatro), pero los cuatro tiempos han sido acentuados de diversas formas, a veces con igual énfasis en todos los tiempos, en otros casos acentuando el segundo y el cuarto tiempo.
También es corriente en este tipo de música, una cierta ritualidad africana, implícita en frases rítmicas utilizadas reiterativamente y de modo casi hipnótico.
FORMA: La forma del blues es en tres por cuatro, quizá como minué o vals, y el ragtime, con estructura de marcha, pero la mayoría de las composiciones de jazz consisten en 16 ó 32 compases, divididos en cuatro partes.
ORQUESTACIÓN: Consta de un sector dedicado a la melodía y otro destinado al ritmo. La instrumentación es variada y explota recursos poco convencionales. Además de instrumentos anotados anteriormente, se emplean el vibráfono y la familia entera de los saxofones.
Otros instrumentos utilizados son el órgano, el sintetizador y, además del fagot, el oboe, cuya entonación usual se modifica a semejanza de ciertos instrumentos árabes. Por otra parte, el violín ha tenido valiosos intérpretes jazzísticos, como el italiano Joe Venuti, los franceses Stéphane Grappelli, Jean-Luc Ponty y Didier Lockwood, los americanos Stuff Smith y, en menor medida, Don ‘Sugarcare’ Harris; la tuba, tocada por hábiles instrumentistas, como Bill Barber, Howard Johnson, Joe Daley y Bob Stewart; el violonchelo, etc.
La música oriental ha aportado al jazz, entre algunos instrumentos chinos, el chyn y el jeng, que son salterios de 5 y 13 cuerdas.
CONTRAPUNTO: Creo que el elemento contrapuntístico es de lo más fascinante en el jazz. Cuando no hay destaque de parte solista, cada instrumento presenta su línea melódica “chocando y produciendo consonancias y disonancias”, con respecto a las líneas melódicas de los otros instrumentos músicos. Se ocasiona así una increíble polifonía, donde se explotan patrones tímbricos, melódicos, armónicos y rítmicos.


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NIGGER MINSTRELS (Payasos negros) Escrito por José Luis Adm.
Estos tuvieron su origen alrededor de 1820, con cantantes y músicos blancos que representaban en el escenario escenas de "cara negra". Su música estaba inspirada en las canciones y bailes sincopados de los negros, pero contenía tambien elementos de música europea , especialmente de canciones escocesas y trozos populares de ópera . Más adelante las escenas de esta índole se enlazaron formando los espectáculos cómicos ambulantes, componiendo una función que duraba toda la velada a base de canciones , chascarrillos t escenas sueltas.
Los Minstrels Shows fueron popilarísimos en los Estados Unidos alrededor de 1850. Stephen Foster y otros compositores escribieron para ellos canciones originales muy influidas por la música negra.


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Canción (trovador)

ARTICULO MEJORADO. NUEVA PAGINA MUSICAL CURSO PIANO
La canción es un género trovadoresco condicionado por el contenido.

Tabla de contenidos [ocultar]
1 Aspectos generales
2 Personajes
3 Tipos de enamorados respecto a la dama
4 Ejemplo



Aspectos generales
Los trovadores expresaban sus sentimientos a través de la composición denominada "canción". Su tema principal, y casi exclusivo, era el amor: el amor cortés que participaba de los aspectos sociales y espirituales de la época medieval.

Así, el amor tiene el mismo significado que en la época actual, pero también tiene un significado añadido: el de alianza (pacto, favor), es decir, el trovador intentará conseguir a través de su relación algún tipo de trato beneficioso en el aspecto material.

También hay que tener presente el adjetivo "cortés". Cortesía es el término que designa la conducta y la posición del hombre que vive en la corte y que, por una educación especial, se convierte en modelo del ideal humano de refinamiento y valores espirituales. El trovador, como personaje cortesano, participaba de estas características que, entre otras, son la lealtad, la generosidad, la valentía, el trato elegante, etc.

Ampliando estas dos ideas (amor y cortesía), hay que constatar que las relaciones jurídicas feudales se utilizan en la canción:

La mujer está casada, ya que sólo así consigue categoría jurídica.
A menudo se habla de midons ("mi señor") y el trovador se define a sí mismo como om/hom (uno). De esta forma se reproduce la situación propia del vasallazgo.
Muchas veces se establece una doble relación amorosa y social. Es decir, no se busca únicamente la consecución del amor sino una relación en que la dama, directamente o intercediendo por él, pueda concederle valores materiales. De hecho, con frecuencia, el trovador habla de su señora casi como una obligación lo que es aceptado por el marido como algo natural.
Sea como sea, la dama suele se inaccesible y el trovador tendrá que hacer méritos para ponderar las virtudes de la dama y la perfección de su amor para conseguir así el premio.

En este proceso se encuentran una serie de conceptos importantes, propios de una educación cortesana como puedes ser la generosidad moral frente a la avaricia. Un término utilizado con bastante frecuencia es el de Joi-terme de difícil traducción que se corresponde con una especie de alegría, de exaltación interior, asociada a menudo con la primavera o a la presencia o el recuerdo de la dama.

Personajes
El amor del trovador exige discreción ya que la mujer a la que se canta está casada. Los personajes que intervienen normalmente, además del trovador, son:

El gilós (marido) del que hay que evitar las sorpresas y las iras.
Los lauzengiers (aduladores, calumniadores) que con tal de hacer méritos están dispuesto a contar la infidelidad de su señora.
Para no descubrir sus amores, el trovador designa a su dama con una senhal (pseudónimo) que suele aparecer al final del poema.

Tipos de enamorados respecto a la dama
Aunque no suelen aparecer de forma explícita, en las canciones de trovadores suele aparecer una gradación en la actitud y en las características del enamorado que no están muy alejadas del proceso amoroso actual:

Fenhedor (tímido): no se atreve a dirigirse directamente a la dama.
Regador (suplicante): la dama le da ánimos para que exprese su amor.
Entendedor: la dama le entrega prendas de amor.
Drutz (amigo, amante): completamente aceptado por la dama (esta situación se da pocas veces en la literatura, aunque es el personaje principal del Alba)
En buena parte de las canciones los trovadores se sitúan en el primer estadio y sólo son capaces de manifestar lo que siente por la dama a través del juglar. El trovador espera un pequeño reconocimiento por parte de la dama que puede proceder de una mirada, una palabra u otro gesto insignificante. Es posible que esto sea únicamente una estrategia para desviar la atención del marido o de otros personajes, que consienten esta situación y que incluso la consideran gratificante. Algunos maridos se sienten orgullosos de que su esposa o señora sea alabada por otros peor jamás aceptarían que su esposa tuviera un drutz.

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Ejemplo
Guillermo de Cabestany, el trovador al que se le atribuye una de las biografias más repetidas y tristes de todos los tiempos, tiene también una de las canciones más bellas y conocidas de la lírica trovadoresca en la que muestra su total dedicación a la dama que le tiene preso de amor:

I
Lo dous cossire
que.m don'Amors soven,
dona, .m fai dire
de vos maynh ver plazen.
Pessan remire
vostre cors car e gen,
cuy ieu dezire
mais que no fas parven.
E sitot me desley
per vos, ges no.us abney,
qu'ades vas vos sopley
ab fina benevolensa.
Dompn'en cuy beutatz gensa,
maytans vetz oblit mey,
qu'ieu lau vos e mercey.

II
Tots temps m'azire
l'amors que.us mi defen
s'ieu ja.l cor vire
ves autr'entendemen.
Tout m'avetz rire
e donat pessamen:
pus greu martire
nulhs hom de mi no sen;
quar vos qu'ieu plus envey
d'autra qu'el mon stey
desautorc e mescrey
e dezam en parvensa:
tot quan fas per temensa
devetz em bona fey
penre, neus quan no.us vey.

III
En sovinensa
tenc la car'e.l dous ris,
vostra velensa
e.l belh cors blanc e lis;
s'ieu per crezensa
estes vas Dieu tan fis,
vius ses falhensa
intrer'em paradis;
qu'ayssi.m suy, ses totz cutz,
de cor as vos rendutz
qu'autra joy no m'adutz;
q'una non porta benda
qu'ieu.n prezes per esmenda
jazer ni fos sos drutz,
per las vostras salutz.

IV
Tot jorn m'agensa
I desirs, tan m'abelhis
la captenensa
de vos cuy suy aclis.
Be.m par que.m vensa
vostr'amors, qu'ans qu'ie.us vis
fo m'entendensa
que.us ames e. us servis;
qu'ayssi suy remazuts
sols, snes totz ajutz
ab vos, e n'ai perdutz
mayns dos: qui.s vuelha.ls prenda!
Qu'a mi platz mais qu'atenda,
ses totz covens saubutz,
vos don m'es jois vengutz.

V
Ans que s'ensenda
sobre.l cor la dolors,
merces dissenda
en vos, don', et Amors:
jois vos mi renda
e.m luenh sospirs e plors,
no.us mi defenda
paratges ni ricors;
qu'oblidatz m'es tot bes
s'ab vos no.m val merces.
Ai, bella doussa res,
molt fora gran franqueza
s'al prim que.us ayc enqueza
m'amessetz, o non ges,
qu'eras no sai cum s'es.

VI
Non truep contenda
contra vostras valors;
merces vo.n prenda
tals qu'a vos si'honors.
Ja no m'entenda
Dieus mest sos preycadors
s'ieu vuelh la renda
dels quatre reys majors
per qu'ab vos no.m valgues
merces e bona fes;
quar partir no.m puesc ges
de vos, en cuy s'es meza
n'amors, e si fos preza
em baizan, ni us plagues,
ja no volgra.m solses.

VII
Anc res qu'a vos plagues,
franca dompn'e corteza,
no m'estet tan defeza
qu'ieu ans non la fezes
que d'als me sovengues.

VIII
En Raimon, la belheza
e.l bes qu'en midons es
m'a gen lassat e pres.
I
La dulce ansia
que me da el amor a menudo,
mujer, me hace decir
de vos muchos versos agradables.
Pensando contemplo
vuestro cuerpo amado y gentil,
el cual deseo
más no hago evidente.
Y aunque me desencamino
por vos, no reniego de vos,
que siempre os suplico
con amor fiel.
Señora en quien la belleza brilla,
muchas veces me olvido de mí,
cuando os alabo y os pido.

II
Que siempre me deteste
el amor que os prohíbe a mí
si alguna vez el corazón desvío
hacia otro afecto.
Me habéis tomado la sonrisa
y dado pesar:
más grave martirio
ningún hombre siente;
porque yo más anhelo
que a ninguna otra cosa que en el mundo esté
rehúso e ignoro
y maltrato en apariencia;
todo lo que hago por temor
y de buena fe
de tener, incluso cuando no os veo.

III
En la memoria
tengo la cara y la dulce sonrisa,
vuestro valor
y el hermoso cuerpo blanco y liso;
si en mi creencia
fuera tan fiel a Dios,
vivo sin duda
entraría en el paraíso;
que así estoy
de todo corazón rendido
que otra no me da gozo;
que a ninguna otra de las más señoriales
yo no le pediría
yacer ni ser su amante
a cambio de un saludo vuestro.

IV
Todo el día siento
el deseo, tanto me gusta
el encantamiento
de vos al que estoy sometido.
Bien me parece que me vence
vuestro amor, que antes que os viera
era mi pensamiento
amaros y serviros;
así he estado
sol, sin ninguna ayuda
con vos, y he perdido
muchos favores: ¡Quién quiera que los tome!
Que a mí me place más esperaros,
sin ningún acuerdo conocido
ya que de vos me ha venido el gozo.

V
Antes de que se encienda
sobre el corazón el dolor,
gracias desciendan
en vos, señora, y Amor:
que el gozo a vos se libre
y me aleje de suspiros y llantos,
no os separen de mí
nobleza ni riqueza;
que se me olvida todo bien
si con vos no encuentro acogida.
Ah, bella y dulce criatura,
sería una gran bondad
si la primera vez que os solicité
me hubierais amado mucho o nada,
porque ahora no sé donde estoy.

VI
No encuentro armas
contra vuestros poderes;
piedad os pido
de tal forma que sea honorable.
Que no me escuche
Dios entre los que ruegan
si yo quiero la renta
de los cuatro reyes mayores
a cambio que con vos no me valgan
ni la piedad ni la buena fe;
ya que no me puedo alejar de ningún modo
de vos, en quien he puesto
mi amor, y si fuera aceptado
besando, y os gustara,
nunca me querría libre.

VII
Nunca nada que a vos os apetezca,
franca y cortés señora,
no me será prohibido
que no me apresure en hacerlo
sin pensar en otra cosa.

VIII
Raimón, la belleza
y el bien que hay en mi dama
me tiene gentilmente atado y preso.


Nota: La información para la realización del artículo original en catalán ha sido extraida de Els trobadors catalans con su autorización.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Canci%C3%B3n_%28trovador%29"
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ARITUCULO MEJORADO EN MI NUEVA PAGIAN ADE LO MEJOR DEL MUNDO LA MUSICA
Intervalo es la distancia de altura entre dos sonidos musicales.

Para entender la música escrita es muy importante este articulo porque luego se entenderán los acordes: mayores-menores-de séptima-aumentados-disminuidos-.
La distancia mínima entre dos sonidos es el semitono. En las notas naturales y en la escala de do se encuentran de Mi a Fa y de Si a Do. De ahi nace la escala diatónica de do mayor: do,re,mi,fa,sol,la si,do. De Mi a Fa medio tono y de Si a Do medio tono, los demás es de un tono.

ESCALA DIATONICA DE DO MAYOR




Los intervalos pueden ser: MELODICOS (Sonidos consecutivos),ARMONICOS (Sonidos simultaneos).

INTERVALOS MELODICOS : Nota a nota , separadas.


Con lo intervalos armónicos fabricamos los acordes,las cuatriadas, los voicings. Los melodicos normalmente son para las melodías, los motivos, secuencias de bajo.

INTERVALOS ARMONICOS: Acordes triadas.



Los intervalos se miden según el número de grados que contienen. Se cuentan del grado inferior hasta el superior, ambos inclusive. Vamos a mirar los grados de la escala mayor; son todos mayores excepto el cuarto y el quinto ,los grados tonales , que son justos.

El primer grado de la escala de do es el do mismo.
Segundo grado re.
Tercer grado mi.
Cuarto grado fa.
Quinto grado sol.
Sexto grado la.
Séptimo grado si.
El octavo es el do pero una octava hacia arriba.

Primer grado con segundo = intervalo de segunda mayor un tono.Do_re.
Do-Mi intervalo de tercera mayor dos tonos.
Do-Fa intervalo de cuarta justa dos tonos y medio.
Do-Sol intervalo den quinta justa tres tonos y medio.
Do-La intervalo de sexta mayor cuatro tonos y medio.
Do-Si intervalo de séptima mayor cinco tonos y medio.
Imagen


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DISEÑO Y FOTOGRAFÍA EN EL DISCO DE JAZZ:
TODAS LAS CARAS DEL JAZZ
disco de jazz
El Legado europeo Llega la fotografía La expansión La cima y la sima

La fotografía que encabeza esta sección es uno de los grandes iconos de la fotografía jazzistica. Infinidad de veces representada, reconocible a primera vista, la instantánea que tomó Bob Thiele a principios de los años sesenta, recoge con toda crudeza el perfil del rostro de John Coltrane. Con gesto serio, como él era en realidad, cabreado casi, y con la mirada fija hacia el frente, la fotografía quería reflejar el estado anímico de un músico que en aquella época representaba la lucha del negro afroamericano por conseguir la igualdad de trato en los Estados Unidos.

Antes, a mitad de los años cincuenta la industria discográfica americana estaba convulsionada por la revolución tecnológica que supuso la introducción del disco microsurco de vinilo. La evidente mejora en la calidad del sonido provocó un inusitado crecimiento en el sector discográfico que alcanzó su punto culminante cuando apareció el disco de doce pulgadas de diámetro y 33 1/3 revoluciones por minuto, hasta el punto de convertirse en términos cualitativos, en el principal formato del mercado discográfico de la época.

Si a ello se une el espectacular periodo de creatividad de los músicos, podemos considerar que ambas cosas, calidad de sonido y creatividad musical, fueron los motores del extraordinario auge de las grabaciones de aquella época. Ya hemos dicho en otra sección que fue Columbia Records, quien le ganó el pulso a su mayor rival de entonces: la todopoderosa compañía "Victor", conocida desde 1949 como RCA/Victor. La contratación, como responsable de su imagen del joven diseñador, Alex Steinweiss, fue clave para ofrecer al publico un producto de calidad, atractivo, innovador y colorista que favoreció enormemente las ventas de discos. De ésta manera quedó claro que una buena imagen era clave para afianzar una estrategia comercial que puso patas arriba el mercado del disco a mediados del siglo XX. Y fue el jazz quien la inició.

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Publicado por bach24111 @ 0:08  | Jazz
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Martes, 18 de abril de 2006

ARTICULO MEJORADO IR A CURSO PIANO GRATISPiano
De Wikipedia
Este artículo habla sobre el instrumento de teclado. Para la indicación de dinámica, consulte piano (dinámica).

El piano es un instrumento de teclado, muy utilizado en la música occidental para ejecutante solo, música de cámara, acompañamiento y como práctica ayuda para componer y ensayar.

El piano produce el sonido al golpear cuerdas de metal con martillos de fieltro.

Tabla de contenidos [1 Clasificación
2 Afinación de pianos
3 Famosos fabricantes de pianos

4 Enlace externo



Clasificación
El piano se construye esencialmente en tres modalidades:


Teclado de un pianoPiano de cola: en él las cuerdas se encuentran en posición horizontal. Los pianos de cola tienen una cubierta superior que se puede abrir, de manera que los sonidos producidos por las cuerdas salen al exterior sin barreras de ningún tipo. Se fabrican a su vez en varios tamaños.
El mayor es el piano de concierto y tiene una considerable longitud, lo que le confiere una sonoridad de gran calidad.
piano de media cola,
piano de un cuarto de cola,
el "colín" (el más corto).
Piano vertical: constituye una variante de menos sonoridad y calidad, y se fabrica para colocarlo principalmente en viviendas donde no existe espacio para un piano de cola. En él, las cuerdas se encuentran en posición vertical.
Piano electrónico o clavinova: aparecido en los últimos años, ha llegado a un grado de perfeccionamiento importante, ya que el sonido es enormemente similar al de los pianos verdaderos (generalmente su usan como referencia los de cola), el teclado imita la resistencia mecánica de los martillos y permite tocar con mayor o menor fuerza. Además, ofrece numerosas ventajas frente a los tradicionales, como el metrónomo, el secuenciador o la posibilidad de tocar con los sonidos de otros instrumentos.
La estructura del teclado es cíclia, es decir, se va repitiendo un patrón a lo largo del mismo. Este patrón está compuesto de siete teclas blancas y cinco negras. La primera tecla del patrón es el Do, donde el central es el más importante.

Afinación de pianos

Interior de un pianoLa afinación de pianos consiste en realizar la modificación de la tensión de las cuerdas de tal manera de colocar a las mismas en las frecuencias adecuadas segun el temperamento igual de tal manera que la música lograda sea agradable al oído según los cánones de la música occidental. Es realizado por personas especializadas llamadas «técnicos afinadores de pianos».


Famosos fabricantes de pianos
Baldwin (1890)
Bechstein (1853)
Bluthner
Bösendorfer (1828)
Broadwood (1783)
Érard (1777)
Fazioli (1978)
Feurich (1851)
Gaveau (1847)
Grotrian
Kawai (1930)
Petrof (1864)
Pleyel (1807)
Samick (1958)
Sauter (1819)
Schimmel (1885)
Steinway & Sons (1853)
Stuart and Sons
Yamaha (1889)
Young Chang (1956)
Wurlitzer
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Enlace externo
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre: pianos
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Piano"
Categoría: Instrumentos de cuerda




El piano
Instrumento de teclas percutidas




POSICION DE LAS MANOS SOBRE EL TECLADOir a







PIANO DE COLA








TECLADO ELECTRONICO>


Publicado por bach24111 @ 23:17  | El piano
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Imagen
@@FinPreview@@ERROR El. Db=B ES Cb=BTodo lo que esta escrito, aqui, imagenes, etc,
saldran en la vista del articulo completo.

Asi es como quedaria en el blog:

  • CICLO DE QUINTAS

El ciclo de quintas se obtiene colocando las notas a igual distancia una de la anterior, de manera que aparezcan los doce sonidos posibles:FA-DO-SO-RE-LA-MI-SI-F#-DO#-SOL#-RE#-LA#-

  • CICLO DE CUARTAS

Al colocar el ciclo de quintas al reves, osea , el ciclo de cuartas, despues de que no necesita ninguna alteración, la escala de fa ne cesita el Si bemos ,que daría así el ciclo: DO-FA-SIb-MIb-LAb-REb-SOLb-SI-MI-LA-RE-SOL.




ArmadurasPara lograr una escala mayor, desde una nota diferente a do, se tiene que hacer uso de alteraciones adicionales; el conjunto de las alteraciones necesarias para construir una determinada escala mayor se denomina armadura.
La armadura se escribe inmediatamente después de la clave y su efecto es continuo hasta el fin de la obra.La colocación de las alteraciones que componen una armadura viene determinada por el denominado ciclo de quintas.El ciclo de quintas se obtiene colocando las notas a igual distancia una de la anterior, de manera que aparezcan los doce sonidos posibles.
DO-SOL-RE-LA-MI-SI-FA# (SOLb)-DO# (REb)-LAb-MIb-SIb-FA-Partiendo de do como base, la escala mayor que forma no tiene ninguna alteracion , o sea que la armadura estará vacia de sostenidos y bemoles. La próxima nota del ciclo de quintas es sol , esta escala necesitará el f#, o sea que en la armadura se pondrá un sostenido sobre la linea quinta del pentagrama ,donde se pone la nota fa. La próxima nota del ciclo es Re, la escala necesita un f#, y un do# ,en la armadura se pondrán estas dos alteraciones en el fa y en el do.
Al tomar el ciclo al reves o sea en ciclo de cuartas, después de Do que no necesita alteraciones , la escala a partir de fa necesita el Sib , la siguiente dos bemoles, la siguiente tres bemoles etc.
Ciclo de quintas con sostenidos : -DO-SOL-RE-LA-MI-SICiclo de cuartas con bemoles: Fa-Sib-MiB-Lab-Reb-Solb
Para saber en que tonalidad estas: subir un tono del ultimo sostenido que haya en la armadura ,por ejemplo si hay tres sostenidos en la armadura estaras en la ,pues el último sostenido es sol# ,subes una nota y dices que estas en la.
En los bemoles es bajar una cuarta , si tienes tres bemoles ;Sib,Mib,Ab, bajas una cuarta desde la ,sol,fa,mib , luego estas en mib.O el anterior bemol al últimImageno. ARMADURA CON BEMOLES Y SOSTENIDOS
Las notas no naturales tienen dos posibles armaduras una con sostenidos y otra con bemoles; según se use uno u otro nombre enarmónico. La suma de las alteraciones de tonos enarmónicos , será siempre doce y la armadura practicable siempre la que contenga menos alteraciones. En el caso de Fa sostenido y Solb, ambas con seis alteraciones se podrá usar cualquiera de las dos indistintamente

Círculo de quintasA través del ciclo de quintas ascendentes y cuartas descendentes aplicando la estructura interválica a las notas resultantes tendremos todas las posibles tonalidades mayores, y también las menores un tono y medio por debajo.1. C Escala Mayor – Ninguna alteraciónC - D - E - F - G - A - B - C2. G Escala Mayor – 1 sostenidoG - A - B - C - D - E - F# - G3. D Escala Mayor - 2 sostenidos.D - E - F# - G - A - B - C# - D4. A Escala Mayor - 3 sostenidos. A - B - C# - D - E - F# - G# - A5. E Escala Mayor - 4 sostenidosE - F# - G# - A - B - C# - D# - E6. B Escala Mayor - 5 sostenidosB - C# - D# - E - F# - G# - A# - B7. Gb Escala Mayor – 6 bemolesGb - Ab - Bb - Cb (= B) - Db - Eb - F - Gb8. Db Escala Mayor - 5 bemolesDb - Eb - F - Gb - Ab - Bb - C - Db9. Ab Escala Mayor - 4 bemolesAb - Bb - C - Db - Eb - F - G - Ab10. Eb Escala Mayor - 3 bemolesEb - F - G - Ab - Bb - C - D - Eb11. Bb Escala Mayor - 2 bemolesBb - C - D - Eb - F - G - A - Bb12. F Escala Mayor – 1 bemol. F - G - A - Bb - C - D - E - F


Publicado por bach24111 @ 16:21  | Teoria musical
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En un anterior tema expliqué la clave de fa.

Para tocar el piano con las dos manos necesitamos dos claves. Normalmente el do central lo tocamos con la mano derecha y las notas que vienen hacia abajo ya sean :bajo, triadas (acordes), cuatriadas,o un acompañamiento con bajo y acordes lo tocamos con la mano izquierda.

Los dos pentagramas que se ven son los que escribiré los ejercicios de piano, las melodias o sea todas las partituras.

Este es un ejercicio que he realizado para que veais como van a ir los ejercicion para piano que realizaré.Os explicaré en que tonalidad está y os diré que temas de teoría teneis que repasar.Los dos pentagramas están en clave de sol.

Normalmente una partituras conlleva una seríe de temas de teoría musical y de armonía que hay que tener en cuenta, así sabremos mejor estudiar la partitura que estamos estudiando.

ESTE OTRO ESTA EN CLAVE DE SOL Y EN CLAVE DE FA.


Publicado por bach24111 @ 16:16  | Teoria musical
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EJERCICIO SENCILLO DE PIANO CON LOS 5 DEDOS

. CLASE DE PIANO-EJERCICIOS CON LOS 5 DEDOS DE LA MANO DERECHA




EJERCICIOS CON LA MANO DERECHA
Son ejercicios para una mano solo , compás 4 por cuatro o sea 4 partes en cada compás
primero haces blancas te pones el metronomo a 70 y sigues: un , dos tres, cua, y ya has terminado el primer compás. Las notas las tienes en el centro del piano : do-re ; do-mi ;do-fa; do-sol
y luego media escala de do con notas negras : do-re-mi-fa-sol-fa-mi-re-do.



USA METRONOMO



TEORIA MUSICAL: NOTAS NEGRAS-NOTAS BLANCAS- PENTAGRAMA LINEAS DIVISORIAS- COMPAS 4/4 - UNA SENCILLA MELODIA QUE ES MEDIA ESCALA.

Para estudiar bien- Mano suelta a pocos cm. del piano- atacas el do blanca con el dedo pulgar y cuentas cuatro (relajate estos 4 tiempos). Mientras atacas el re blanco subes el que tenias en do y haces lo mismo . Repite do blanca re blanca 20 veces.Para atacar la tecla con la mano quieta subir lo dedos y bajar, como dije cuando lo haciais en la mesa.Cuando llegueis a las negras do-re-mi-fa-sol, hacerlo lento y ligando ,quiero decir que no solteis la nota hasta que no haya bajado la siguiente. Esto se llama ligando las notas, que vaya fluida la melodía sin salton ni más fuerte una nota que otra.


Publicado por bach24111 @ 10:32  | Aprendo piano
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Lunes, 17 de abril de 2006

IR PAGINA  MEJOR VISTA Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Se dice que la noche del 16 de diciembre de 1770 una tremenda tempestad se desencadenaba de las Siete Montañas y descargaba su furia sobre la ciudad de Bonn, (Alemania), a las orillas del Rhin; el viento helado azotaba las puertas y ventanas de las casas, en tanto que la lluvia caía pertinaz y torrencialmente.


En una pequeña bohardilla nacía un niño al que su padre, llamado Johann Beethoven, llevaría a bautizar al día siguiente a la iglesia de San Remigio, imponiéndole el nombre de Ludwig, mismo que tenía su abuelo.

Su madre era Magdalena Keverich. Este niño desde pequeño mostró notables disposiciones para la música, por lo cual su padre, tenor de la corte y muy dado a la bebida, obsesionado por el ejemplo de Mozart, quiso hacer de él un prodigio, obligándolo a estudiar desconsideradamente, encerrándolo durante muchas horas y maltratándolo severamente cuando no cumplía con las tareas agobiadoras que le señalaba.


En 1778 lo presentó en Colonia en un concierto de piano, y en 1781 lo llevó a una gira a Holanda, que fue un fracaso. Beethoven recibió lecciones, además de su padre, de Pfeiffer, van der Eeden, Rovantino, los PP. Koch y Zeese; Neefe le hizo estudiar el "Clavecín bien temperado" de J. S. Bach, que en esa época (1781) sólo existía en copias manuscritas, las sonatas de Carlos Felipe Emmanuel Bach, y las de Muzio Clementi.

En el invierno de 1786 visitó Viena, conoció a Wolfgang Amadeus Mozart de quien recibió algunas lecciones, y el cual dijo así a alguno de sus amigos: "Escuchen a este joven; no lo pierdan de vista que alguna vez hará ruido en el mundo". La enfermedad de su madre lo obligó a volver a Bonn, donde ella murió en 1787.

Así escribía al Dr. Schade el 15 de septiembre de ese año: "Era tan buena conmigo, tan digna de ser amada, mi mejor amiga". Obligado a hacerse cargo de sus hermanos se vio en la necesidad de pedir el retiro de su padre y a que se le entregara la pensión correspondiente para que no fuese disipada. Las penas y sufrimientos que pasó fueron considerables, sin embargo, encontró un generoso consuelo en la familia Breuning, sintiendo un afecto especial por "Lorchen", (la gentil Eleonora, a quien dio clases de música, recibiendo en cambio conocimientos de literatura), que se casaría más tarde con el Dr. Wegeler, y con los cuales mantuvo durante toda su vida una estrecha amistad. Asimismo halló un decidido protector en el conde Waldstein, hombre de gran cultura y pianista distinguido, que había ido a residir a Bonn por razones políticas; este personaje después de haber oído a Beethoven, lo proclamó como el heredero legítimo de Mozart y Haydn, y lo ayudó eficazmente para que pudiera radicarse en Viena, recomendándolo ampliamente para que pudiese abrirse camino.


Madre de Beethoven

Abuelo de Beethoven
En 1792 dejó Bonn, ciudad que nunca olvidaría, el lugar de "nuestro padre el Rhin; mi patria, la hermosa región en donde yo vi la luz primera, siempre tan bella, tan clara delante de mis ojos, como cuando yo la dejé"; (Carta a Wegeler, 29 de junio de 1801), "con sus chopos envueltos por la bruma, su maleza, sus sauces, sus árboles frutales"... y sus "Siete Montañas azuladas que dibujan sobre el cielo sus perfiles atormentados, coronados por las esbeltas y bizarras siluetas de los viejos castillos en ruinas". (Romain, Rolland, Beethoven).

Llegó a Viena en el mes de noviembre, con gran número de obras, (la primera escrita a los diez años), que publicó más tarde, después de haberlas revisado, o que refundió en otras que compuso en esa ciudad. Las recomendaciones que traía le abrieron los salones aristocráticos. Recibió clases de Haydn, Schenck, Salieri (composición vocal), Schuppanzigh (violín), Alberchtsberger y Aloys Föster (escritura de cuartetos y quintetos). Su primer concierto como pianista lo dio el 30 de marzo de 1795; pero no fue sino hasta el 2 de abril de 1800, cuando se presentó ante el gran público presentando su Gran Concierto para pianoforte, su Septuor y su Primera Sinfonía.


Alcanzó un éxito considerable. Sin embargo, ya Beethoven había experimentado los síntomas de su penosa enfermedad, la sordera, desde 1796. A todos los sufrimientos que había sentido, añadía la tortura física y psicológica de ir perdiendo el sentido más necesario para su profesión.

El mismo año escribió en su Diario Intimo: "¡Valor! A pesar de todas las flaquezas del cuerpo, mi genio triunfará... ¡Veinticinco años! Los tengo ya, y es necesario que en este año el hombre se revele todo entero".

Ya en esta época los rasgos de su carácter están bien definidos: existe en su alma una bondad sin límites; amor a la verdad y a la humanidad; conciencia de su valor; una tenacidad de férrea que no desmaya ante ningún obstáculo. Por otra parte su sensibilidad se manifiesta en exaltados impulsos de fuerza, de alegría, de tristeza y de profunda melancolía, que arrancan del corazón y que hacen vibrar, con la potencia de su sinceridad, las cuerdas de sus semejantes.

"Beethoven", ha escrito Aldoux Huxley, "enseñó a la música a palpitar con su pasión intelectual y espiritual". Y pudiera afirmarse que ya las obras escritas en aquellos días contienen el germen de la nueva aurora de la música: aparece el romanticismo más puro, y no el que "ha seguido palpitando desde entonces con la pasión de los hombres inferiores".

Entre 1796 y 1800 compone mas de 90 obras, entre las que están la 1a sinfonía (además de la llamada "cero" o "Jena" de dudosa autenticidad), 3 conciertos para piano, seis cuartetos, el Septuor, variaciones, Sonatas (incluyendo la Pathetique), etc. Beethoven decía: "Vivo en medio de la música; en cuanto termino algo, comienzo otra cosa. En la forma que ahora escribo, hago o menudo tres o cuatro cosas a la vez". El genio afloraba con fuerza, aunque "ya el dolor había llegado a su puerta; se había apoderado de el para nunca mas dejarlo".



Se señala el año de 1801, como el de la iniciación de lo que se ha llamado el segundo periodo de la obra de Beethoven. Etapa de su vida en que alternaba días felices, con los sufrimientos mas despiadados; las esperanzas mas sonrientes con los desengaños mas desalentadores; el optimismo y el pesimismo, todo ello dentro de la taladrante realidad de una sordera progresiva e incurable. De 1801 data su pasión por Giulietta Guicciardi, a quien inmortalizo con la dedicatoria de su Sonata "Quasi una fantasia", que será más tarde sobrellamada "Claro de Luna". Pero de este ultimo año, (6 de octubre) fue su "Testamento de Heiligenstadt", en el que declara: "La experiencia de estas cosas me puso pronto al borde de la desesperación y poco faltó para que yo mismo hubiese puesto fin a mi vida. Sólo el arte me ha detenido. ¡Ah! Me parecía imposible abandonar este mundo antes de haber realizado todo lo que me siento obligado a realizar. ¡Oh Dios, Tú miras desde lo alto en el fondo de mi corazón, y lo conoces, sabes que en él moran el amor a los demás y el deseo de hacerles el bien! Vosotros, hombres, si leéis un día esto, pensad que habéis sido injustos conmigo... hizo cuanto estaba a su alcance para ser admitido en el rango de los artistas y de los hombres de elección".

"Al día siguiente de la violenta crisis de Heiligenstadt", escribe Edouard Herriot, "la 2a Sinfonía", ejecutada por primera vez el 5 de abril de 1803, "no traduce ninguna debilidad... las proporciones mismas de la obra, atestiguan el vigor de ese genio indomable que rehúsa sacrificar a las exigencias de la moda la abundancia y la originalidad de sus ideas".

Este llamado segundo periodo, al que se le señala como límite el año de 1814, comprende la producción de cerca de 150 obras: incluye hasta la octava Sinfonía; en las sonatas para piano hasta la opus. 90; en los cuartetos hasta el XI opus 95; el concierto para violín, el 5o concierto para piano, la ópera "Fidelio", lieder, romanzas, tríos, etc.


La 3a sinfonía estaba dedicada a Napoleón Bonaparte. Una anécdota, relatada por Fernando Ries, discípulo de Beethoven, dice así: "La sinfonía estaba sobre la mesa. La primera página contenía dos nombres: arriba, 'Bonaparte'; debajo, 'Beethoven'. Ni una palabra más. Ignoro si la laguna debía llenarse. Fui el primero que anunció al maestro la nueva de que Bonaparte se había proclamado emperador (18 de mayo de 1804). Enfurecido Beethoven, exclamó: "¡No es más que un hombre vulgar! ¡Sólo satisfará su ambición y como tantos otros hollará los derechos del hombre para ser un tirano!" Se dirigió hacia la mesa, arrancó la primera página del manuscrito y la arrojó al suelo. Después escribió un nuevo título: Sinfonía Eroica".

En 1821, cuando murió Napoleón, Beethoven dijo: "Hace diecisiete años que compuse su oración fúnebre". Esta 3a sinfonía fue tocada por primera vez el 7 de abril de 1805. En ese mismo año estrenó su ópera Fidelio.


En 1806 compuso la 4a sinfonía, que algunos críticos han creído que fue inspirada en el amor de Teresa de Bruswick, aun cuando otros musicógrafos han investigado minuciosamente el supuesto amor de Beethoven, y lo han rechazado categóricamente calificándolo como un infundio, basado en un relato de dudosa autenticidad publicado en 1890 y narrado por Mariam Tengert, que se decía confidente de Teresa. De 1806 son los tres Cuartetos opus 59, el Concierto para Violín y la sonata "Appasionata". (Para un estudio de las sonatas de Beethoven, ver artículo por Manuel Alejandro)

En 1807 compone la 5a Sinfonía, cuya primera ejecución tuvo lugar el 22 de diciembre de 1808, y que es, seguramente la más tocada en la actualidad. Aunque no es absolutamente seguro, dícese que Beethoven expreso del primer tema de esta obra: "Así llama el destino a nuestra puerta". Berlioz escribió de ella: "es la primera en la cual Beethoven ha dado libre curso a su vasta imaginación... es su pensamiento íntimo lo que va a desarrollar, sus dolores secretos, cóleras reconcentradas, melancólicos ensueños, nocturnas visiones, ímpetus de entusiasmo..."

En la misma fecha que la quinta, fue estrenada la sexta, llamada "Pastoral". Beethoven se encargó de poner los siguientes subtítulos a cada tiempo:

Despertar de apacibles sentimientos al llegar al campo.
Escena junto al arroyo
Alegre reunión de campesinos
Tempestad
Canto de pastores. Alegres y agradecidos sentimientos después de la tempestad (Aunque él mismo aclara: "Expresión de sentimientos, mejor que pintura")
Esta sinfonía da testimonio del amor que sentía hacia la naturaleza; escribió en uno de sus cuadernos íntimos en 1815: "Dios Todopoderoso, soy feliz en la selva donde cada árbol habla por ti".

La 7a Sinfonía fue iniciada hacia fines de 1811 o principios de 1812: cuatro años que la separan de la 6a, pero en este intermedio compone obras tan importantes como el 5o concierto para piano "El Emperador", los cuartetos X y XI, la obertura "Egmont", las sonatas op. 78 y 81, etc. Esta 7a sinfonía fue calificada "como un milagro del genio", y Wagner la llamo "la apoteosis de la danza".

La 8a sinfonía es una de las obras más juguetonas y alegres de Beethoven, pero revela una técnica magistral: desde el primero hasta el último compás corre por esta obra una gracia flexible, gallarda y ondulante que cobra agilidad en el último tiempo; mientras que en el "Allegretto scherzando" recuerda la invención del metrónomo, debida a Mälzel.

En el lapso que hemos comentado la fama de Beethoven creció hasta su máximo. Cuando se efectuó el Congreso de Viena era el hombre más popular. Escribía a su amigo Amenda: "En tus cartas no necesitas poner más dirección que mi nombre" (Esto sin contar con que se cambiaba constantemente de casa). Era asistente habitual a los paseos del "Prater" y sus caminatas por lo que actualmente se llama "Sendero Beethoven" eran conocidas por todos. En 1815 fue honrado por Viena con la "ciudadanía honoraria".

De 1811 data su último ensueño amoroso: cortejó a la bella cantante Amelia Sebald, que se casó más tarde con un consejero de Estado. En la vida amorosa de Beethoven se señalan, además de las anteriormente citadas: una "bonita y alegre rubia" por la que en su juventud sintió un amor "Wertheriano", Teresa Malfatti, con la que pensó contraer matrimonio, como lo comprueba una carta fechada el 2 de mayo de 1810 en la que solicita al Dr. Wegeler, documentos personales para ese fin, y el pedimento hecho a través de su amigo Gleichenstein al padre de Teresa y que recibió como contestación la siguiente observación de un tío de la propia interesada: "Beethoven es un hombre muy torpe de entendimiento, aunque puede ser el más grande de los genios". Bettina Brentano a quien el maestro conoció en 1810, y la cual llegó hasta el grado de hacer públicas dos cartas sin fecha de las que hasta ahora no se han encontrado los originales (no obstante que ella aseguraba que se encontraban entre su valiosa correspondencia como reliquias sagradas). A los 43 años renunció a su anhelo hogareño, no sin apurar antes la copa de la amargura, de la decepción y aún de la burla, aunque conservándose siempre en un plano de dignidad e idealismo.


Konzerthalle en Augarten, Viena

Datos acerca de su aspecto físico lo señalan así: "Era bajo, moreno, con el rostro achatado y picado de viruelas, la boca delicada, con el labio inferior saliente y hoyuelo profundo en el mentón; sonreía bondadosamente y había en su conversación, a menudo, un tono amable y alentador. En cambio su risa era desagradable, violenta y gesticulante, rápida" (Moscheles). Cuando se le sorprendía sentado al piano, "Los músculos de su rostro se le saltaban, sus venas se hinchaban, los ojos salvajes se hacían dos veces más terribles "(Klöber). "Sus ojos parecían que cambiaban de color: en ocasiones se veían grises, azules o verdes".

:

¡Alegría! El más bello fulgor divino...
Todos los hombres serán hermanos...
¡Un abrazo confunda al mundo entero!
¡Hermanos, sobre la bóveda estrellada
debe morar un Padre amante!"

Cuando llega a su clímax el "Adagio molto e cantabile" de la misma obra, (el tercer movimiento), el propio compositor ha de detener su vuelo para no llevarnos a la postración más aniquiladora después del camino que nos ha hecho recorrer para llegar a esas alturas raramente alcanzadas.

En 1826, Beethoven fue operado para curarlo de hidropesía; no volvió a mejorarse. Cerca de las seis de la tarde del 26 de marzo de 1827, exhalaba su último aliento: en ese momento estallaba una violenta tempestad sobre la ciudad de Viena. Podría decirse, sin que queramos con esto recurrir a una metáfora vulgar, que el rayo que anunció su nacimiento, extendía, a su muerte, los truenos de su música inmortal.

Más de veinte mil personas se reunieron para acompañarlo a su última morada. Grillpazer, al terminar la oración fúnebre, dijo: "Éste por quien llevamos luto, se encuentra desde ahora en adelante, entre los grandes de todos los tiempos. Recordemos esta hora y pensemos: estábamos allí cuando le enterraron, y, cuando él nos dejó, lloramos".

Imagen

Más datos


Publicado por bach24111 @ 11:41  | Autores cl?sicos
Comentarios (4)

La música es saludable.
Un estudio cientifico revela la importancia de la música
El estudio desprende que es tan importante como comer o respirar


[Universidad de Mexico]

Uno de los retos del filósofo y musicólogo Luc Delannoy consiste en ''demostrar científicamente que la música es indispensable para la sobrevivencia del ser humano. Tanto como respirar y comer". Para ello, desde hace 15 años se adentró en el estudio y la aplicación de las neurociencias, en específico de la neuromusicología, campo que permite entender cómo funciona el aprendizaje y proponer métodos de enseñanza distintos, así como evitar problemas físicos, motores o neurológicos.


Publicado por bach24111 @ 10:38  | Noticias musicales
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Domingo, 16 de abril de 2006

Hijo de un fabricante de instrumentos musicales, Antoine Joseph Sax, conocido por Adolphe Sax, nació en Dinant, Bélgica, el 6 de noviembre de 1814. Iniciado desde muy joven en la fabricación de instrumentos y en la interpretación del clarinete, percibe las imperfecciones de éste y se dedica a remediarlas.

Un ideal obsesionaba a Sax mientras dirigía el taller de su padre: inventar un instrumento de viento que por el carácter de su voz pueda aproximarse a los instrumentos de cuerda, pero que tenga más fuerza e intensidad"(1)

Trabajando sobre modificaciones para lograr una mayor calidad de sonido y resolver algunos de los problemas acústicos del clarinete, Sax construye lo que hoy se conoce como Saxofón.

"Mejor que cualquier otro instrumento, el saxofón es susceptible de modificar su sonido a fin de poder dar las cualidades que convengan o de poder conservar una igualdad perfecta en toda su extensión. Lo he fabricado -añade el inventor- de cobre y en forma de cono parabólico. El saxofón tiene por embocadura una boquilla de caña simple. La digitación es como la de la flauta y la del clarinete. Por otra parte, se le pueden aplicar todas las digitaciones posibles"(2)

En los primeros años era el propio Sax quien ejecutaba el saxofón. En 1841, en la ciudad de Bruselas, tocó el saxofón bajo por primera vez ante público.

En 1842 el joven fabricante llega a París con su saxofón embrionario, recibiendo una cálida acogida de parte de importantes compositores. Tras constantes trabajos para perfeccionarlo, la familia de saxofones fue patentada en París, el 28 de junio de 1846.

Héctor Berlioz compuso en 1844 la primera obra conocida para saxofón: el sexteto Canto Sagrado, estrenada el 3 de febrero del mismo año en la sala Hertz, bajo la dirección del propio Berlioz y con Adolfo Sax interpretando la parte de saxofón. El entusiasmo de Berlioz por la sonoridad del nuevo instrumento quedó expresado en un trabajo que publicó en 1842 en el Journal des Debats y que señala:
"es de tal naturaleza que que no conozco ningún instrumento actualmente en uso que pueda comparársele, a ese respecto. Es pleno, blando, vibrante, de enorme fuerza y susceptible de endulzar" Y concluyó en estos términos:
"Los compositores le deberán mucho al señor Sax, cuando sus instrumentos alcancen un uso general. Que persevere; no le faltarán los estímulos de los amigos del arte".(3) Pero no sólo Berlioz tuvo frases elogiosas para el saxofón.
Rossini, tras oírlo en 1844 expresó: "Nunca he escuchado nada tan bello"(4)
Mayerbeer, por su parte, señaló: "Es este para mí el ideal del sonido".(5)

El saxofón comenzó a aparecer en composiciones sinfónicas y operísticas de la época, por solo mencionar algunas podemos citar: Le Dernier Roi de Juda, de Georges Kastner (1810-1867), estrenada en 1844; Hamlet de Ambroise Thomas (1811-1896), creada en 1868; El rey de Lahore y La Virgen, de Jules Massenet (1842-1912), en 1877 y sobre todo La Arlesiana, de Georges Bizet (1838-1875), en 1872, donde alcanzó gran éxito.

El interés que despertaba el nuevo instrumento acarreó a su inventor múltiples sinsabores frente a la reacción de otros fabricantes de instrumentos e incluso de intérpretes, que veían en la aparición del saxofón un peligro. A pesar de ello las bandas militares acogieron entusiastamente al saxofón desde 1845 y tras breves años de exclusión provocado por cambios de régimen en Francia, resurge nuevamente en esas formaciones en 1853, al punto de que Adolfo Sax fue nombrado, en 1854, "fabricante de instrumentos musicales de la Casa Militar del Emperador".

En 1857 se crearon cátedras especiales para integrantes de las bandas militares en el Conservatorio de París, abriéndose la clase de saxofón, encargada a Adolfo Sax. Entre 1857 y 1870 se formaron en ella 130 saxofonistas. Se compusieron más de treinta obras como piezas de concurso del Conservatorio, escritas en su mayoría por Jean Baptiste Singelée y Jules Demerssemann. Otros compositores que crearon piezas para saxofón en la época fueron Cressanois, Savari, Petit, Genin, Signard y Colin, la mayoría de ellos directores de bandas. Las obras escritas para saxofón a fines del siglo XIX eran fundamentalmente fantasías y variaciones sobre temas diversos (especialmente de óperas)

Razones financieras provocaron el cierre de la clase de saxofón creada por Sax en 1870, pese a la protesta de Thomas, en ese entonces Director del Conservatorio.

Ese hecho influyó negativamente al desarrollo del saxofón, ya que sin virtuosos un instrumento musical no puede imponerse y ello lo demuestra la escasez de obras entre 1905 y 1930.

Un papel esencial en la creación de un repertorio para saxofón a comienzos del siglo XX corresponde a Elise Hall, nacida en Francia en 1853 y casada con un eminente médico norteamericano.

Por razones de enfermedad, (tenía una deficiencia auditiva y fue aconsejada por los médicos a estudiar un instrumento de viento) comenzó a estudiar saxofón a los 47 años, dedicando su vida a desarrollar el Club Orquestal de Boston y a difundir el instrumento que amaba.

En tanto jefa benefactora del Club, comisionó cerca de 20 obras para saxofón, de entre las que se destacan: la Rapsodia, para orquesta y saxofón alto, de Claude Debussy (1903-1905)), La Coral Variada, de Vincent d’Indy (1903) y la Leyenda Op. 66 de Florent Schmitt (1918), por solo citar las más afamadas entre otras de diversos compositores, tales como Loeffler, Gilson, Caplet, etc.

Fue con notable desgano que Debussy recibió el encargo de escribir una obra para saxofón. Elise Hall era persistente. En 1904 tocó en París la Coral Variada, de D’Indy y Debussy declaró que resultaba ridículo ver a una mujer vestida de rosado tocando un instrumento difícil de manejar.

En una carta a su amigo Pierre Louys se excusa por la demora en escribirle, por su preocupación con la composición de un trabajo que describe como una Fantasía, que le habían pagado un año antes y que se había comido ya. Durante algunos días escribió: " Dado que esta Fantasía ha sido encargada, pagada y comida desde hace un año, me parece que estoy retrasado... El saxofón es un instrumento de caña cuyas costumbres no conozco bien. ¿ Ama el romántico dulzor de los clarinetes?" Un año después escribió:

"Mrs E. Hall, la Mujer-Saxofón, me reclama cortesmente su Fantasía, quisiera contentarla, pues merece una recompensa por su paciencia".

En otra carta a Messager, elogia la permanente paciencia de la Mujer-Saxofón:
"La tenacidad de los americanos es provervial y la dama del saxofón ha desembarcado hace ocho o diez días en París, calle Cardinet 58, requiriéndome noticias de su trozo. Naturalmente, le aseguré que, después de Ramsés II, eso era lo que más ocupaba mi atención. No obstante, he tenido que dedicarme a la tarea y héme aquí buscando desesperadamente combinaciones, las más inéditas y apropiadas al intento de destacar ese instrumento acuático..." (7)
La persistencia de la Sra Hall fue finalmente recompensada con una obra que para siempre preservó su nombre en la música, porque lleva la inigualable marca de Debussy y la altura de sus poderes evocativos.
Sax murió en París en 1894. Su muerte, sumada a la de sus principales aliados (Berlioz, Kastner,...), provocó un letargo para el saxofón.<>fotos.miarroba.com


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S?bado, 15 de abril de 2006

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Los Brincos, grupo musical español de los 60.

El grupo se creó en 1965. Sus componentes fueron Fernando Arbex, Manuel González, Juan Pardo y Antonio Morales (Junior). Fueron conocidos como Los Beatles españoles de ahí que el grupo se parezca fonéticamente al grupo inglés, en un principio se pensó en bautizar al grupo Las ovejas negras. Todos sus discos fueron números uno en las listas.

Juan y Antonio se separaron 2 años más tarde para formar el grupo Juan y Junior.


Los nuevos Brincos se recompusieron con las entradas de "Ricky" Morales y Vicente Jesús Martínez, procedentes ambos del grupo Shokers.

Más tarde Vicente Jesús también abandonaría la formación sustituyéndolo Miguel Morales, hermano de Junior.


En los años 2000 volvieron a aparecer Los Brincos, esta vez de la mano de Arbex y Miguel Morales. Se dedican a tocar sus grandes éxitos en diferentes galas y festivales.




Discografía
Flamenco (1964),
Borracho (1965),
Tu me dijiste adios (65),
Un sorbito de champagne (1966)
Lola(67),
Nadie te quiere ya(67),
Oh mamá(69).fotos.miarroba.com
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Franz Schubert

IR MEJOR VISION NUEVA PAGINA
Franz SchubertFranz Peter Schubert, compositor austriaco. Nació en Viena (Austria) el 31 de enero de 1797. Era hijo de una familia de procedencia humilde, el duodécimo de catorce hijos de los que únicamente sobrevivieron cinco. Residía en el barrio de Liechtental de Viena, donde su padre ejercía de maestro. Schubert, decidido a seguir su propio camino como músico, tuvo que enfrentarse con su padre que quería que fuese también maestro.


A los once años entró como cantor en la capilla imperial, consiguiendo una beca que le permitió estudiar gratuitamente en la escuela municipal de Stadkonvikt. Allí fue alumno de Antonio Salieri y gracias a la orquesta de la escuela, para la que escribió sus primeras sinfonías, se familiarizó con la obra de Franz Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven.

A los catorce años crea sus primeros lieder y antes de cumplir los dieciocho ya había creado una de sus obras maestras, Gretchen am Spinnrade, el primero de los muchos lieder inspirados en poemas de Johann Wolfgang von Goethe. A los diecinueve años había escrito ya más de 250 lieder.

Peleado finalmente con su padre, abandona su carrera de maestro para dedicarse solamente a la música y la casa de su amigo Franz von Schober se convierte en su primer refugio. Éste fue el inicio de un largo peregrinaje, ya que nunca consiguió mantenerse sólo con sus composiciones y de hecho sobrevivió gracias a la generosidad de sus numerosos amigos, que lo fueron acogiendo sucesivamente en sus respectivas casas. Así, pues, tuvo una vida bohemia rodeado de intelectuales, amante de las tabernas y de los ambientes populares, alejado de los salones y de la etiqueta de la nobleza. De este entorno procede el famoso término de schubertíadas: reuniones de artistas de todos los ámbitos que formaban un círculo brillante y animado dedicado a la música y a la lectura.

Admiraba profundamente a Beethoven pero a pesar de vivir en la misma ciudad, se negó siempre a entrar en aquellos círculos de la alta sociedad. Esto repercutió tanto en su obra como en su vida ya que nunca llegó a conocer la fama o el éxito. A pesar de ello, Schubert con Beethoven, establecen las bases de lo que será el Romanticismo. Podríamos decir que Schubert representa la esencia del primer romanticismo: el lirismo, la melodía y las pasiones.

Durante sus últimos años escribió piezas magistrales, fruto y reflejo de sus experiencias personales y siempre con el sello inconfundible de una inagotable inspiración melódica. Por ejemplo, una tensa profundidad marca la Wanderer-Fantasie (1822) o Die schöne Müllerin (1823), estos últimos inspirados en poemas de Wilhelm Müller. Escribiría La muerte y la doncella, uno de sus cuartetos más conocidos en 1824, y ya hacia el final de su vida, el intenso dolor y el aislamiento dejaron su impronta en el Winterreise, D.911 Op.89 (1827), también con textos de Müller.

Por aquel entonces, Schubert tenia solamente 31 años y acababa de matricularse para estudiar fuga. Pero una sífilis, complicada finalmente con una fiebre tifoidea, lo llevaron a la muerte el 19 de noviembre de 1828, sin haberse acercado nunca a su admirado Beethoven.

El último deseo de Schubert, ser enterrado al lado de Beethoven, muerto un año antes, es finalmente una realidad, ya que en estos momentos, Schubert reposa en el mismo lugar, reservado a músicos ilustres, donde también se encuentra la tumba de Beethoven, en el Zentralfriedhof (cementerio principal) de Viena. La música y la poesía eran sus alas y con ellas lograba evadirse de las penas y miserias de la vida, que para él no fue ciertamente fácil, y alcanzar el reino de los sueños, donde todas sus fantasías se convertían en maravillosas realidades. Y como dijo Robert Schumann : “El tiempo, que tan innumerables bellezas ha creado, no volverá a producir un Schubert”.

Sus Lieder completos, traducidos por Fernando Pérez Cárceles, han sido publicados en España en 2005 por Ediciones Hiperión (tres volúmenes, bilingüesfotos.miarroba.com
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Viernes, 14 de abril de 2006