Mi?rcoles, 31 de mayo de 2006

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La década de los cincuenta comenzó alumbrando su propio estilo inaugurando la segunda mitad del siglo XX con una música nueva que los hombres del jazz, bautizaron como "cool" -en ingles "fresco"-. La feliz colaboración entre el trompetista Miles Davis, y el compositor Gil Evans, determinó las aparición del llamado estilo cool. Al mismo tiempo, un pianista blanco llamado Lennie Tristano, mostró sus propias y todavía mas radicales soluciones de continuidad para el jazz moderno. Ambas aventuras, hermanadas con el bebop, tenían en común una expresa preocupación formal, así como un destacado protagonismo de músicos de raza blanca.

El corpus de toda esa música lo constituyen los doce temas de la versión completa del disco "Birth Of The Cool", continuamente reeditado y producto de pacientes y continuas sesiones de investigación e intercambio de ideas desarrolladas entre el compositor canadiense y el trompetista de Alton. Gil Evans, procedía musicalmente hablando, de la orquesta de Claude Thornhill y Miles Davis, y con tan solo 24 años, contaba con el privilegio de haber sido uno de los partners de Charlie Parker y un músico clave en el equilibrio de la música bop. La primera "tuba band" -después llamada Orquesta o Noneto Capitol-, actuó en septiembre de 1948 en el Royal Roost de New York durante dos semanas y despertó poco interés del publico y mucho entusiasmo por parte de la critica. Aquellos primeros escarceos todavía estaban influenciados por el clima nervioso del imperante bebop.

Las tres sesiones del Noneto Capitol grabadas entre enero de 1949 y marzo de 1950, capitaneadas por Miles Davis, pero donde la parte del león se la llevan los arreglistas y compositores, causó una impresión tan viva que fue inmediatamente imitada, sobre todo en la Costa Oeste de Estados Unidos cuya semilla germinó en uno de los dos pilares básicos de lo que se dio en llamar el "Wes Coast Jazz". El secreto de aquélla música, irrepetible no por la ausencia física de sus protagonistas, sino por que corresponde en un sentido histórico y estilístico a una época de recapitulación y reflexión sobre el acervo del jazz, era la perfecta ejecución en grupo, la disciplina de sus músicos, la imaginación en inventiva de los solos y el carácter reflexivo, lírico e introspectivo de la música. El cool dio al jazz una nueva visión musical de enorme importancia.
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Birth of the Cool

Birth of the Cool marca un punto de inflexión en la historia del jazz: terminan los años 40, y un brillante trompetista llamado Miles Davis, cansado del jazz de las grandes formaciones, inicia un estilo totalmente diferente.

Davis reúne un conjunto de 9 músicos ('the Miles Davis Nonet', no me atrevo a traducirlo) y graba un disco fundamental, que influyó todo lo que vino después. Sonidos más fríos, más secos, que lo común hasta entonces.

En este disco aparecen músicos que incluso a un ignorante como el que escribe le suenan: Gerry Mulligan, Max Roach, Lee Konitz... y es el primero en que Miles Davis es el protagonista.




15 MÚSICOS Y 15 DISCOS REPRESENTATIVOS DEL COOL


MÚSICOS DISCOS SELLO DISCOGRÁFICO
MILES DAVIS BIRTH OF THE COOL CAPITOL 1949/1950
LENNIE TRISTANO INTUITION CAPITOL 1949
GERRY MULLIGAN GERRY MULLIGAN WITH CHET BAKER PACIFIC JAZZ 1952/1957
JIMMY GIUFFRE THE JIMMIE GIUFFRE 3 ATLANTIC 1956
THE MODERN JAZZ QUARTET FONTESSA ATLANTIC 1956
LEE KONITZ VERY COOL VERVE 1957
ART PEPPER ART PEPPER + ELEVEN CONTEMPORARY 1959
GIL EVANS GREAT JAZZ STANDARS PACIFIC JAZZ 1959
STAN GETZ WES COAST JAZZ VERVE 1955
DAVE BRUBECK TIME OUT 1962
SHELLY MANNE AT THE BLACK HAWK, VOL 1 CONTEMPORARY 1951
HAMPTON HAWES HAMPTON HAWES TRIO. VOL 1 CONTEMPORARY 1955
CHET BAKER CHET BAKER IN PARIS EMARCY 1955/1956
STAN KENTON NEW CONCEPTS OF ARTISTRY IN RHYTHM CAPITOL 1952
WOODY HERMAN EARLY AUTUMN CAPITOL 1950
Fuentes jazz-vino-y literatura

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EL BEBOP


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Cada. nota melódica puede ser armonizada con tres acorde diatónicos, ya que ésta puede ser considerada fundamental , terrcera o quinta de un acorde. La nota melódica do en la tonalidad de Fa mayor se puede armonizar como el primera grado de do en la triada de do, el tercero en la triada de la menor o el quinto en la triada de fa. DO MI-SOL-DO (DO EN LA NOTA MAS AGUDA COMO MELODIA) LAm MI-LA-DO (DO TERCER GRADO DE LA EN LA MELODIA NOTA MAS GRAVE) FA FA-LA-DO (DO QUINTO GRADO)


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PROGRESION:VER MEJOR
PROGRESION :VER MEJOR


Progresión armónica Mid.



Si tienes una melodia sencilla, es lo que se oye en la voz m?s aguda, las otras voces son el relleno, en forma de acordes, bajo, o un ritmo.

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330x352px - 14.1 KbytesInstrumento de viento con depósito de aire, perteneciente a la familia de las cornamusas. Su timbre es parecido al oboe, aunque más agrio i chillón. Consta de un tubo de insuflacción o portaviento, por el que, a traves de una válvula que se abre de fuera adentro, se hace penetrar el aire en el depósitoen el cual están enclavados dos caramillos provistos en su extremo inferior de lengüetas de caña; estos caramillos o pequeños oboes denomínanse grande y pequeño bordón, y en algunas provincias españolas ronconesy suenan a la octava uno de otros; a veces a la quinta y a la tónica. Otro tubo agujereado facilita la obtención de las notas al ejecutante, mediante la aplicación de los dedos tapando y destapando los agujeros. Para que el aire del depósito salga por los bordones el gaitero aprieta la bolsa con el codo. Los bordones o tudeles están ajustados al depósito de aire de manera que puedan acotarse o alargarse a voluntad del ejecutantepara ser puestos a tono entre si o con otros instrumentos. El tubo agujereado o caramillo, llamado gralla en Mallorca, lleva el canto, y los dos bordones el acompañamiento en forma de pedal continuo. El origen de la gaita se remonta a lejana antigüedad, pues era conocida, no sólo por los romanos, sino tambien por algunos pueblos anteriores a éstos en Asia, y por los celtas y escandinavos en el oeste y norte de Europa. En Escocia e Irlanda la gaita ha pasado a ser un instrumento nacional, y en la baja Bretaña y en algunas provincias españolas , especialmente en Galicia y Asturias, anima típicamente con sus sones las fiestas populares. En Italia , el becco potacci, y en Francia (Bretaña) el biniou y la chavrette son variantes de la gaita.En Cataluña se le da el nombre de cornamusa, sac de gemecs, criatura verda y coixinera, por el color del paño otela que cubre el pellejo. Grileira: variedad de gaita gallega afinada en re. Salamanquina: instrumento de viento, popular en Salamanca, y distinto, no obstante su nombre, de la gaita. Consiste en un tubo de madera, con una boquilla cortada en bisel y guarnecida de asta en la parte superior. Tiene tan solo tres agujeros , y, gracias a los armónicos , que se obtienen quinteando, se pueden ejecutar en ella todas las notas de la escala diatónica.



Web: gaitas del mundo

Web :como se fabrica gaita asturiana

Web : Más sobre gaita

Web: para afinar la gaita


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Como indica su nombre , baile típico de Cádiz. Ya Marcial, en un epigrama , las menciona, En Roma fueron muy solicitadas, y Plinio el Joven, en una carta , hace referencia a ellas. Tambien Petronio las cita en su Satyricón. Huber las ha calificado como poesía de la voluptuosidad,, y otro alemán el conde de Schack, afirma que, por las descripciones que los escritores romanos hicieron de este baile, es fácil suponer la semejanza que tuvo con el FANDANGO y el bolero modernos.


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Martes, 30 de mayo de 2006

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TONALIDAD FA MAYOR ESCALA FA PRIMER GRADO (ESCALA JONICA) TONO-TONO-SEMITONO-TONO-TONO-TONO-SEMITONO fa-sol sol-la la-sib sib-do do-re re-mi mi-fa

FA. MAYOR: ESCALA : FA SOL LA SIb DO RE MI FA TRIADAS: FAmaj - SOLm - LAm - Bbmaj - DOmaj - REm -Mimdim(E-(5b)) F G- A- Bb C D- Emdim


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Después de ser usado en la música antigua, y de subsistir por tradición en las melopeas orientales, el cuarto de tono se conservó mucho tiempo, en ciertos casos determinados . El empleo de los cuartos de tono ( En el canto liturguco medieval) fue objeto de estudios y de discusiones hacia 1854 y siguientes. Parecia explicarse con él la presencia en algunos manuscritos y especialmente en el Montpellier , de algunas figuras de notas inusitadas. Los teóricos Reginon de Prun, Guido Engelbert d´Admont, Marchetto de Padua, Simon Tunstede y otros atestiguan el empleo de intervalos más pequeños que el semitono. Este intervalo cayó en desuso a medida que progresaba la música armónica y se organizaba la tonalidad lo que dio motivo a que fuesen abandonadas las modalidades antiguas en las que podia obtener intervención el cuarto de tono.


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Lunes, 29 de mayo de 2006

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TONALIDAD LA MAYOR (TRES SOSTENIDOS F# C# G# )


Acción de añadir notas destinadas a completar un acorde del que sólo están escritos el bajo y el agudo . Según un artículo del Mercure (1677), Lulli hacía rellenar por sus alumnos las partes intermedias de su armonía.


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Instrumento compuesto por una cuerda única tendida sobre una caja de resonancia, empleaddo desde el tiempo de Pitágoras para medir los intervalod musicales. comprobó que el sonido producido por cada uno de los segmentos era la octava del sonido que daba la cuerda dejándola vibrar en libertad.
Tambien se construye con su mismo nombre o con el de sonómetro con la adición de una segunda cuerda paralela a la primera, para la cual proporciona un medio de control. En la Edad Media se tocaba con un arco de monocordio de grandes dimensiones que servia de bajo a los instrumentos predecesores del violin: la rota, la giga, la rubeba, la viella de arco. Figura con frecuencia este instrumento en los conciertos angélicos de los pintores del siglo XV. Más tarde se denomino trompeta marina.
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Durante la Edad Media se conocían tres tipos de monocordio:


Monocordio tonométrico. Una caja rectangular de madera, con una sola cuerda. Una clavija permitía alargar o acortar la cuerda, según los corrrespondientes intervalos armónicos, grabados en la caja. La cuerda se tañe con un plectro o con los dedos. Pitágoras, filósofo y matemático interpretó música definiendo los intervalos musicales en términos matemáticos. Actualmente la música está basada en este sistema. Pitágoras creó el primer sistema de anotación musical.



El monocordio de arco. Es una variación del monocordio tonométrico, la caja es en forma triangular o trapezoidal, y consta de una o dos cuerdas, que se hacían sonar con un arco. En un retablo de piedra de la iglesia de Farfanya (Lérida), se encuentra la única representación conocida de este instrumento.

El monocordio de teclado. Manicordio o clavicordio, origen del que luego será clavicordio.

Más informacion en: MONOCORDIO


Publicado por bach24111 @ 22:29  | Instrumentos musicales
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El segundo y tercer hijo de Christoph (26) eran aquellos notables mellizos cuyas particularidades relata Philipp Emanuel en la Necrología y que se encuentran reproducidas en el libro de Forkel. El mayor es Johann Ambrosius , el padre de Juan Sebastian; el menor , Johann Cristoph (32), se formó con su padre y ejerció su profesión en Arnstadt donde fué músico de la corte y del municipìo. Su hijo mayor, Johann Ernst (33) sucedió a Joh. Sebastian en el puesto de organista de Arnstadt cuando éste , en 1707, siguió el llamado a Mühlhausen. Otro hijo (34) de Joh, Christoph, llamado como su padre, fué tambien organista.


Johann Ambrosius (35) nació en Erfurt. Aprendió con su padre el violin y la viola, instrumentos que enseñó luego a su hijo Johann Sebastian. En 1667 fué nombrado miembro de la compañía de los músicos municipales en su ciudad natal, bajo su tío Johann (9); en el año siguiente se casó con Elisabeth Lämmerhirt, hija de un peletero y concejal de la ciudad, con la cual tuvo seis hijos y dos hijas. En 1671 Jon. Ambrosius se trasladó a Eisenach, donde sucedió a su primo Jon. Christian (10). Aquí pasó el resto de su vida como músico municipal y de la corte. Después de la muerte de su mujer, en 1694, se casó por segunda vez, pero murió ya al año siguiente. De sus hijos tres adquirieron importancia como músicos.
El mayor , Johann Christoph (36) fué alumno del conocido organista Johann Pachelbel, en Erfurt. En 1694 se hizo cargo del puesto de organista en la pequeña ciudad de Ohrdruf donde al año siguiente acogió a sus dos hermanos menores huérfanos. Sus cinco hijos (37 a 41) fueron todos músicos, chantres y organistas, como tambien cuatro de sus nietos ( según Terry).



El tercer hijo de Joh. Ambrosius, Johann Jakob (42) quien llevaba tres años a Joh. Sebastian, hizo su aprendizaje entre los músicos municipales de Eisenach. En 1704 se enganchó en el ejercito sueco como oboísta. En ocasión de su partida para el servicio bajo las banderas del rey Carlos XII, Jon. Sebastian compuso el Capriccio sopra la lontanaza del suo fratello dilettissimo.
Estuvo presente en la batalla de Poltava, donde Carlos XII fué derrotado por los rusos ; viajó hasta Turquía con su soberano y, finanmente, se radicó en Estocolmo como músico de la corte. Fecha y circunstancias de su muerte son desconocidas. No dejó hijos.


VISITAR TAMBIEN:

JUAN SEBASTIAN BACH


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Se puede afirmar que los origenes del piano se piede en la noche de los tiempos. Es tradición en varios tratados hsitóricos, de precisar tales origenes en el monocordio inventado por Pitágoras, instrumento que usaba para la determinación experimental de la leyes de las cuerdas vibrantes, consistente en una cuerda de metal o de tripa tendida sobre una caja de resonancia. Y aunque pueda parecer verosimil, que de tal instrumento (con el consiguiente aumento prograsivo del numero de cuerdas) haya tenido origen, no solo el piano , sino tambien todos los de cuerda que aparecieron en la Edad Media, hoy en día parece mucho más cercana a la verdad hitórica que su origen remonte a otro instrumento, ya conocido en los primeros tiempos griegos bajo el nombre de sambyke, el cual no era más que la antiquisima sabekka o sambuka babilonense, conocida tambien por los Asirios. En Alemania lo encontramos en los tiempos de las cruzadas, con el nombre de : sambjut, y más tarde :psalter (salterio).
En Italia este mismo instrumento era conocido ya, varios siglos antes, siendo muy probable que los italianos lo hayan heredado de las costumbres griegas. El salterio comprndía un número bastante de cuerdas; en efcto , según el gramático Pólux de Naucrates (fin del siglo II d. C.) la sambike poseía treinta y cinco cuerdas tocándose ya directamente con el dedo o bien con el auxilio de un plectro. Pretorio en su Organographia lo denomina instrumento de puerco, porque su forma recuerda una tanto, a la de una cabeza porcina. Y Atanasio Kircher escribia en su Musurgia, que el salterio tocado por una mano experta no le iba en zaga a ningun otro instrumento, tanto por la pureza argentina del sonido, como por la perfección de la entonación. Ningún ejemplar de este instrumento nos ha llegado , pero es posible tener una clara idea del mismo, gracias a las numerosas pinturas y esculturas antiguas. Entre aquellas preciosas imágenes hemos de recordar la que se encuentra en el Triunfo de la muerte de Orcagna, en el cementerio de Pisa en la que el salterio esta representado con las cuerdas divididas en grupo de tres, afinado evidentemente cada grupo al unisono, para obtener mayor intensidad de sonido, precisamente como el piano moderno.

VER TAMBIEN

EL PIANO
SALTERIO
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S?bado, 27 de mayo de 2006

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Viena , 20 de abril de 1782
Aquí te mando un preludio y una fuga a tres voces, la causa de que esta fuga saliera a a la luz es en verdad mi querida Constancia. El barón van Swieten, a cuya casa voy todos los domingos, me prestó todas las obras de Haendel y de JUAN SEBASTIAN BACH (después que yo se las había tocado) . Cuando Constancia oyó las fugas, casi se enamoró de ellas; no quiere más que fugas, ante todo las de Haendel y Bach. Luego, como me oía a menudo improvisar fugas, me preguntó si no había anotado ninguna y como le dije que no , me retó mucho porque yo no quise escribir precisamente lo más artístico y hermoso que hay en el mundo, y no cedió en sus ruegos hasta que le esbozara una fuga. Y así nació ésta.... Con toda la intención le puse "Andante Maestoso" para que no sea tocada demasiado rápido; pues cuando una fuga no es tocada despacio, no se pueden advertir claramente las entradas del tema y asi se malogra su efecto.
PRELUDIO Y FUGA DE MOZART


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Figura de nota. Fórmula melódica ornamental añadida a los cantos litúrgicos. En el tranascurso de La Edad Media, con el fin de conseguir que el oficio pareciese más solemne, se tenia la costumbre de añadir a las antífonas y ciertos responsos vocalizaciones de recambio frecuentemente interminables, llamadas neumas. Estas vocalizaciones tan pronto se intercalaban entre ciertas palabras como se adptaban a la última sílaba. No tenían en si mismas ninguna significación. Un canon del Sínodo de Reims , en 1583, ordenó su supresión sin que se tocasen, no obstante, las propias melodías. Estas clases de neumas se usan todavía en ciertos países.


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La contusión o la enfermedad de una mano no ha de ser forzosamente un motivo para que el pianista deje de dedicarse a su instrumento. Para la mano izquierda se han escrito : Un fragmento en la de Ph. E. Bach; cuatro piezas de Regger (entre ellas las excelentes preludio y fuga)
; dos piezas de una escritura refinada, de Scribin (op. 9)
; estudios de Moszkowsky, Saint Saëns, etc. Brahms arregló para la mano izquierda la Chacona en re menor, para violin solo, de Bach. Muchas de las obras mencionadas se pueden fácilmente arreglar para la mano derecha.Incluso existen conciertos de piano, para la mano izquierda , y orquesta, como los de R. Struss y el muy notable de M. Ravel</b


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Instrumento musical javanés. Está formado por una caja cuadrada de cobre sobre la cual descansan cuatro cuerdas tendidas en cruz. Se toca golpeando con un mazo de madera.


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Duodécima letra del alfabeto español, que no ha sido utilizada con significación musical, pero fue adoptada para indicar en forma abreviada el nombre de Köchel (Luis) , autor del famoso y único catálogo general de las obras de Mozart. En este catálogo, Köchel asigna un número a cada obra, indicando el comienzo y el tono en que está escrita, dando lugar a que en las buenas ediciones de las obras de Mozart figure al principio de cada una de ellas una indicación, por ejemplo , K,174, para significar que esta obra es la que en el catálogo de Köchel lleva el número 174.


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Viernes, 26 de mayo de 2006

ArmónicaLa armónica (harmónica) es el nombre dado a varios tipos de instrumentos musicales; actualmente al llamado en Inglaterra mouth organ ('órgano de boca'):


Armónicapequeño instrumento de viento, con lengüetas de metal (una para cada nota), construido en varios tamaños, con un registro que va desde el do4 (el do central del piano) hacia el agudo. En los modelos profesionales de calidad, se construye con la capacidad de producir notas cromáticas por medio de un botón.

El instrumento tiene principalmente un uso popular (por ejemplo entre los niños), aunque compositores como Milhaud y Vaugham Williams han compuesto obras especialmente para Larry Adler, su más notable virtuoso de mediados del siglo XX.

Tabla de contenidos [ocultar]
1 La armónica de copas
2 Historia
3 Comparación de la armónica con el acordeón
4 Uso de la armónica en la actualidad
5 Enlaces externos


La armónica de copas
El nombre fue también dado a un antiguo instrumento ahora en desuso, la armónica de copas (glass harmonica), que consiste en muchas copas de cristal frotadas con los dedos húmedos (o frotadas mecánicamente) producían las notas de la escala cromática. La afinación se lograba llenando copas de varios tamaños con distintas cantidades de agua.

El austriaco Mozart (1756-1791) escribió para la armónica de cristal. El estadounidense Benjamin Franklin (1706-1790) pretendió patentarla, a pesar de que en Europa ya estaba inventada probablemente desde fines del s. XVII.

Historia
La armónica fue inventada en China en 3000 a.C. aproximadamente. La emperatriz Nyn-Kwa poseía un instrumento de lengüeta conocido como sheng (que significa 'voz sublime').

En 1821, un relojero alemán de 16 años llamado Christian Friedrich Ludwig Buschmann, inventó una especie de armónica de boca, al unir 15 lengüetas de tubo (usadas para la afinación de los órganos). Dio a este instrumento en nombre de mund-eoline ('arpa de boca').

La idea fue inmediatamente robada por otro relojero alemán, su tocayo Christian Messner.

En 1822 Christian Buschmann le agregó a su armónica un fuelle de cuero vertical, para tener las manos libres para su trabajo. Un constructor de instrumentos musicales, el vienés Cyrillus Demian (1772-1847), le robó esta idea primitiva, la desarrolló y en 1829 construyó el primer acordeón.

Buschmann perfeccionó su armónica como instrumento musical en el año 1827.

En 1830 un inventor de Bohemia, Richter, inventó el instrumento tal como se lo conoce en la actualidad: 10 agujeros, 20 lengüetas, alternancia de soplido y aspiración. Su escala diatónica se volvió famosa como «afinación de Richter».

Treinta años más tarde, después de varios rodeos, la «armónica de boca vienesa» llegó otra vez a Alemania y el relojero de 24 años Matthias Hohner compró una de las creaciones de Buschmann y la copió comercialmente en su taller desde el año 1857. Su pueblo, Trossingen se volvió el centro mundial de producción de armónicas. En la Alemania nazi sus hijos abrieron el Colegio de Música del Estado (1935), que ha producido más de 3000 maestros de armónica.


Conjunto de armónicasLa guerra civil estadounidense aumentó la popularidad de la armónica. Hohner ya había enviado varias a sus parientes en EE.UU., y los soldados las encontraban fáciles de llevar y de tocar.

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Hacia 1900, la mitad de las armónicas hechas en Alemania se vendían en EE.UU.:

La armómica más utilizada por los intérpretes de blues clásicos, la Marine Band, apareció en 1896 y se puede adquirir por sólo cincuenta centavos.
No se sabe cómo se comenzó a usar en cárceles y en plantaciones de algodón. Utilizando la habilidad del instrumento para sonar como un tren, le dio su lugar en obras como Railroad Piece (de Palmer Bailey) o Railroad Blues de los Freeman Stowers.Sin embargo el primer blusero que hizo famosa a la armónica fue el blanco Jaybird Coleman, quien grabó entre 1927 y 1930. Como competencia de los negros bluseros, Coleman era pagado por el Ku Klux Klan. (Algunos autores dicen que lo mismo sucedió con el rock'n roll de Elvis Presley, usado por los suprematistas para «blanquear» la música de los negros.)

En 1950 don Joaquim Fusté Alcalá comenzó a construir armónicas en España. Pocos años después consiguió con el conjunto Les Akord’s el título de campeón mundial entre los armonicistas en Whiterthur, Suiza (1955), Luxemburgo (1957) y en Pavía, Italia (1960).

Comparación de la armónica con el acordeón
La armónica es el más pequeño y simple de los instrumentos de lengüeta, pero esto tiene una ventaja enorme sobre todos sus primos soplados por fuelle: la afinación de cada nota puede ser cambiada drásticamente por el armonicista.

Esto hace a la armónica la más expresiva de los instrumentos en la familia de las lengüetas, que están limitados a tocar notas de un conjunto de tonos (esto se aplica a unos otros pocos instrumentos soplados por boca, como por ejemplo el sheng y la melódica).

Aunque los diversos tipos de acordeón puedan ser capaces de una gama más grande de sonidos, más fuerza (volumen) y la velocidad que permite la ejecución con los dedos y no con los labios, debido a su inhabilidad de doblar las notas, a menudo son acusados de carecer de «alma». Esto es algo que nunca oye sobre la armónica y, con su relativamente precio bajo, es probablemente la razón principal esto ha sido el instrumento más vendido del mundo durante la mayor parte del siglo XX.

Entre los Armonicistas de renombre actual de diversas tendencias se cuentan Toots Thielemans, Robert Bonfilio, Antonio Serrano, Richard Hunter e Ignacio Perandrés.

Uso de la armónica en la actualidad
La versatilidad de este instrumento ha hecho que sea utilizado en gran variedad de estilos. La podemos encontrar en grupos de jazz, blues, rock e incluso acompañando grandes orquestas.

De Wikipendia


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Jueves, 25 de mayo de 2006

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ORGANUM (VISITAR)

AUTORES

En el codex calixtino de Compostela, uno de los manuscritos más importantes sobre música que se conocen, se habla y se cita un tal Magister Albertus, compositor de París. No es coincidencia. Los músicos franceses tuvieron una gran importancia en el desarrollo de la música desde el siglo X hasta el XV. Crearon un arte elaborado y complejo manejando la técnica del órganum con gran riqueza inventiva. Francisco de Colonia , del siglo XI, es el autor del primer tratado que alude a la notación mensural.

Tres maestros sucesivos de París ayudaron de manera decisiva al progreso de este arte: Leonin, en el siglo XII, conocido como optimus organista , gran compositor de "organa" . Perotin ,el significativo músico del siglo XIII (1183-1236) , es el primer artista que, por su gran cantidad de obras, destaca por su extraordinaria personalidad. La vida de estos dos grandes maestros resulta muy dificil de fijar. Sus trabajos se nos han trasmitido en el magnífico Magnus Liber. Y por último, Robert de Sabilón (siglo XIII), presusto autor de un tratado de música.

La obra de Leonin y Perotin, en Notre Dame de París, fue el resultado de un progresivo caldeamiento del norte de Europa por obra de los grandes centros del sur, sobre todo de San Marcial y Santiago de Compostela.

Teniendo como base las composiciones más bellas de San Marcial, Leonin mejoró el sistema, dándoles una pureza y belleza melódica realmente admirables. Entre 1150 y 1175, Leonin compuso unos órganum a dos voces para ser interpretados en las grandes solemnidades de la iglesia para la que trabajaba. La fama del gran maestro se desplegó por toda Europa. Su gran sucesor Perotin, reestructuró la obra del anterior y sus composiciones, como Viderunt y Sederunt, a cuatro partes, son obras valiosisimas del gran arte musical de la escuela de París, que abren las puertas a un tipo de composición polifónica que ya no cesará de desarrollarse.

En las melodías gregorianas, el problema de identificación de autores es empresa muy dificil. En San Gregorio Magno se ha visto uno de los autores más inspirados, pero esto habrá que entenderlo como tarea recopilatoria. De todas las partes cantadas (Kyrie, Credo, Sanctus, y Agnus Dei ) fue el Credo , desde 1014 la más importante de todas las partes cantadas . Autores que compusieron estas partes variables son, con seguridad, pocos. El obispo de Toul, Bruno von Egishein, después papa con el nombre de Leon Ix, es uno de ellos.


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Filadelfia, Pennsylvania, 1927- Malibú, California, 1991)

ImagenEl saxofonista Stan Getz fue, a lo largo de su carrera, uno de los músicos de jazz más perseguido por la eterna manía de las etiquetas. Su gran popularidad como uno de los creadores del cool y sobre todo, el éxito mundial de su incursión en la bossa nova , le encasillaron para siempre. Su sonido, sin embargo, fue evolucionando con el tiempo y llegó a convertirse en auténtico ejemplo , hasta el punto que recibió el apodo de The Sound. Su primer éxito notable lo consiguió con otros tres saxofonistas tenores (Jimmy Giuffre, Zoot Sims y Herbie Stewart), con quienes integrarían los Four Brothers, una de las formaciones cumbre del cool a finales de los cuarenta, que participó tambien en la orquesta de Woody Herman.

Durante la década siguiente Stan Getz lideró sus propias formaciones tanto en Estados Unidos como en Europa y debió afrontar diversos problemas de salud y legales. A pesar del notable reconocimiento del que disfrutaba y que le permitia grabar junto a los más grandes del jazz, su fama llegaría al abordar, a principios de lo sesenta, el género de la bossa nova junto a músicos como Charlie Byrd o Joao Gilberto y la cantante Astrud Gilberto, con la cual grabaría una celebérrima versión The Girl fron Ipanema, que daría la vuelta al mundo en pleno éxito de esa música brasileña que grandes figuras , como el compositor Antonio Carlos Jobim , difundirian con enorme fortuna.

La bossa nova y sobre todo , la respuesta comercial obtenida, despertó el interés de numerosos músicos de jazz, pero Stan Getz se ha convertido en el paradigma de esa fusión.

Aunque ya le sería difícil evitar las peticiones del público que seguía viéndole como adaliz del jazz samba, Stan Getz supo reconducir su carrera a nuevos terrenos en los que , junto a músicos como Chik Corea, Gary Burton o Bill Evans , pudo dar muestras del talento y personalidad que le caracterizan.

DISCOGRAFIA

Anniversary (live at copenhagen) vol 1

Serenity (Live at Copenhage, vol. 2)

Una magnifica fiesta de cumpleaños que Getz celebró con esta excelente grabación recopilada en dos discos, para la que contó con un trio integrado por Kenny Barron, Rufus Reid y Victor Lewis. Espléndidos.

The Peacoks

Un disco excelente y repleto de sorpresas más que agradables que incluyen desde el piano de Jimmy Rowies al contrabajo de Buster Willians pasando por una intervención de Jon Hendricks.

Line For Lyons

Mano a mano gratificante de las dos figuras que habían aparecido como las grandes esperanzas blancas del jazz cool. Dos gatos viejos dando una buena muestra de su sabiduria.

Live at Montmartre Vol1

Live a Montmartre Vol 2.

Otro de los conciertos justamente délebres de Stan Getz, en el famoso club de jazz Montmartre de Copenhague, en 1977.

Stan Getz & Bill Evans

Uno de los discos que no deben faltar en una discoteca de Jazz . Una joya.

The Brothers

Los Four Brothers que hicieron temblar la orquesta de Woody Herman marcaron una época de la historia del jazz. Esta recopilación de temas, grabados entre 1948 y 1952, restituye parte de las razones de su celebridad.

The Girl Fron Ipanema, The Bossa Nova Years

Un estuche de cuatro compactos para los enamorados de la bossa nova.

Fuentes: la discoteca ideal del jazz. (Joan Riambau)


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Danza y canción popular canaria en movimiento vivo . Las tetras aplicables a la melodía es costumbre que las improvise el primer cantor, siwndo continuadas por otro cantor y asi sucesivamente.

Esta pieza sólo se puede bailar con un número par de parejas formando 2 filas una frente a otra. Los bailadores que ocupen un lugar par, cambian de posición el hombre con la mujer. Esta pieza se baila en cuadro. Cada cuadro lo forman 2 parejas.

La belleza de este baile está en sus rápidos giros, en mantener las filas lo más recta posible y en la coordinación para hacerlos todos al unísono.


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Mi?rcoles, 24 de mayo de 2006

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Canto gregoriano

Cuando se habra la página presionar donde pone radio, luego un poco más abajo presionar TUNE IN , y ya vendrá el sonido.


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PAGINA INTERESANTE . PARTES DEL SALTERIO . ORIGEN. MUY BUENA

 

HISTORIA DE LOS INSTRUMENTOS MUSICALES IR A LA PAGINA

ImagenEl salterio

Instrumento músico de cuerdas pulsadas (instrumento cordófono);
es de forma triangular, , como la cítara antigua en forma de triángulo , que se tocaba con un plectro.. Estaba muy en auge en la Edad Media . Como siempre era de pequeñas dimensiones , se le tenía suspendido del cuello ( como se ve en el capitel de Boscherville, del siglo XII) , o bien se ponía sobre las rodillas. Es preciso no confundir el salterio con el tympanon. Jerónimo de Moravia(siglo XIII) describió el salterio diciendo que estaba provisto de 24 cuerdas, construido en forma de triángulo ; él le llamó cítara. Pero la antigua cítara tenía 10 cuerdas tendidas de manera que atravesaban un marco triangular, sin fondo, mientras que el salterio tenía una tabla con un orificio debajo de las cuerdas.
J. Cellier ( Recueil de plusieurs singularités, 1585) conocía dos formas de tocar el salterio: una con dos plumas (¿plectros?) y con ambas manos, y son los más imperfectos porque solo pueden hacer dos acordes cuando más; .fotos.miarroba.com

y la otra , tocarlo con los dedos, pulsando, y son los más perfectos, porque se pueden pulsar tres o cuatro acordes, aunque no son tan perfectamente fundidos como en la ESPINETA. Abandonado en otros países a partir del siglo XVI, solo figura a título de curiosidad histórica en las obras de Virdung y de Luscinio.



SALTERIO (colección del texto de 150 salmos) recopilados o compuestos en la época hebraica para el Templo de Jerusalem, y que traducidos al griego, al latín o a la lengua vulgar, han pasado al uso privado y público de las diferentes confesiones cristianas. En loe primeros siglos de la iglesia, el canto, muy sencillo , de los salmos se trasmitían por tradición oral , que se apoyaba sobre fórmulas melódicas de la antigüedad judía. El salterio más antiguo que se conoce , que contiene indicaciones musicales bajo la forma de signos de divisiones y de siglas que marcan el lugar de los estribillos, es el Salterio latino de Saint-Germain-des-Prés, del siglo VI, que se encuentra en la Biblioteca Nacional de París (lat. 11947). Por su parte, tambien los protestantes dieron , por extensión, el nombre de salterio a la colección Paráfrasis que hicieron Marot y T. de Bèze y adoptaron estas obras como base fundamental de su culto.


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EL ROCK DE LA CARCEL


Ya está en nuestro repertorio.

Jailhouse Rock
Este es un temazo. El rock de la cárcel ha sido versionado en todas las épocas, por infinidad de músicos. Aquí tenéis una versión que hicieron The Blues Brothers (1980) y que fue incluida en la película "Granujas a todo ritmo" (te partes con ella). Con esta canción montan una escena final tremenda, en la cárcel claro. Fijaos en la sección de vientos que van haciendo un riff muy potente, lo que le da nuevos timbres a está cancion


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Heartbreak Hotel

Corría 1956, hacía un año que Rock Around The Clock había llegado al número uno de la lista de ventas y Elvis Presley, un muchacho de Memphis, graba "El hotel de los corazones rotos" y se desata una fiebre por el rock. Hizo accesible atodos los públicos la nueva música que, oficialmente, había nacido un año antes. Heartbreak Hotel hace valer que el rock es una música de mestizaje: un poco de blues y otro de country. No solamente eso, es la unión de la música negra y la música blanca. Elvis representó de una manera excepcional los esquemas del sueño
americano


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EL ORGANUM Se llama así la práctica de doblar una o varias veces el canto llano tradicional. Recibe varios nombres : Diatonía, discantus, contrapunctum, según que la voz añadida se contrajese a dos o que se añadiese una voz superior. La melodía descansaba sobre lo que se llamaba vox principalis, en tanto que la voz organalis discurría una quinta por debajo de aquélla. El ejemplo siguiente , tomado del Música Enchiriadis, del siglo X, nos muestra claramente lo que quiero decir. El canto llano está confiado al tenor agudo como vox principalis, con su transposición a su quinta inferior, llamado intervalo justo porque a él se acomoda muy bien la voz humana, a cargo del bajo , llamada vox organalis. Si estas dos voces se doblan ahora en octava, la principal hacia abajo por un bajo y la organalis por una voz alta, tenemos ya el ejemplo de una composición porlifónica a cuatro voces.

Santiago de Compostela y San Marcial, de Limoges, dentros importantes de peregrinación en Europa en la época medieval, tuvieron sus grandes escuelas de Música, así como otras grandes abadías europeas: St. Gallesn, París, Metz, Cluny.... El Congaudent Catolici de la catedral de Santiago es la pieza a tres voces más antigua de Europa, o por lo menos, la más antigua de las que se conocen. La más importante colección de organa además de los indicados, es el Tropario de Winchester, del siglo XI, con 164 composiciones ( alleluias, tractus, kiries y glorias) y cuyo estilo se difunde por todos los monasterios principales de Europa.



Texto de Hucbaldo "De institutione armonica"
La consonancia es la mezcla calculada y armoniosa de dos notas, que se produce sólo cuando estas dos notas, ocasionadas por fuentes diferentes, se combinan en una sola unidad musical, como, por ejemplo, cuando cantan juntos un niño y un hombre, que, usualmente se llama organitatio.


CLASES DE ORGANUM
En primer lugar nos encontramos con el "Organum purum, paralelo o estricto", que consiste en lo siguiente:

Consta de una voz principal (Vx) que es la melodía del canto llano, a la que le añadimos por debajo otra, llamada voz organalis (Vo, y que
tienen un movimiento de cuartas, quintas y octabas paralelas.
Dentro de este tipo de organum tenemos una variación que es el "organum cenvergente", que no es otra cosa que un organum purum, pero que las dos
voces comienzan y acaban en unísono.
Se desarrollan durante los años que van desde 900 al 1050.


Tenemos también el "Organum libre":

Se desarrolla entre los años de 1050 y 1150. Cada voz va libremente sin ajustarse a unas reglas como el purum, que iban las voces paralelas. Se da incluso
la inversión de las voces: la voz oraganalis (Vo) va arriba, mientras que en este caso la voz principal (Vx) va abajo. Más adelante la Vx pasará a llamarse
Tenor, y a partir de ahí se formará la clasificación de las voces humanas.
Los movimientos de las voves eran de nuevo por intervalos de cuartas, quintas y octavas, que son los intervalos de consonancia.
Las voces van buscando sus tesituras.
A partir de aquí comienza a aparecer el contrapunto.


Por último tenemos el "Organum melismático":que consiste en que mientras que la voz oraganalis va produciendo varias notas, la voz principalis produce sólo una.
Aparece en el soglo XII. Se conservan ejemplos de él en un manuscrito en la catedral de Santiago de Compostela y en
otros tres de la abadía de Saint Martialde Limoges. En la actualidad se piensa que todos procedendel suroeste de Francia
Este nuevo tipo de organum aumentó considerablemente la extensión de las piezas, y despojó a la voz inferior de su carácter
original de melodía ya definida y sostenía a la melodía primcipal.




EL ORGANUM DUPLUM DE LEONIN
Consta de dos secciones: sección organalis, de estilo silábico y neumático; y sección Discantus, de estilo melismático.
La voz de abajo se llamará tenor (Voz principalis), que es la melodía del canto gregoriano en valores largos. Y la voz de
arriba será Duplum, en la que se encuentran las dos secciones ya nombradas.
Se le añade una Clausula, y se le pone un texto distinto, lo que recibe el nombre de ckausula con mot.
Se independizan el Tenor y la clausula con mot y dará lugar al Motete.




LOS ORGANUM DE PEROTIN
ORGANUM TRIPLUMLas voces se distribuyen de forma vertical y manera escalonada. Las voces por las que está formado son:

-Triplum, o tercera voz que es la más aguda
-Duplum, o segunda voz
-Tenor, o primera voz, que es la más grave

Las voces vecinas (triplum y duplum) deben ser consonantes (intervalos de cuarta, quinta y octava).
Las voces extremas (triplum y tenor) pueden ir por intervalos de tercera y sexta (el de séptima está prohibido).
Las tesituras de las voces no están definidas, por lo que se pueden cruzar, pero el Tenor siempre tiene que estar abajo.


ORGANUM QUADRUPLUMEs a cuatro voces. En este organum se va a producir intercambio de material melódico entre las voces. Es lo que se conoce como
"técnica stimans".




Más información

ORGANUM


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Martes, 23 de mayo de 2006

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Tactología

Notación musical en relieve para uso de los ciegos.


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INTERVALO

INTERVALO-8ª _ INTERVALOS SIMPLES-INTERVALOS COMPUESTOS Cuando la distancia entre dos notas que forman intervalo es inferior a la octava, el intervalo es simple y compuesto en caso contrario. En el caso de la octava justa, para algunos tratados , es el último intervalo simple, para otros , el primero compuesto, sin más importancia. Para medir un intervalo compuesto es mejor reducirlo a uno simple y añadir luego seis tonos (una octava, que tiene siete grados). Si es de tercera mayor DO_MI(8ªGui?o - lo pasamos a simple DO_ MI (3ªGui?o que es una tercera mayor , le sumamos 7 que son los grados de la octava, y tenemos 7+3= 10, luego tenemos una 10ª mayor.


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Toque de corneta militar que es ejecutado al amanecer en los cuarteles y campamentos con el que se anuncia el comienzo de los actos de servicio. El que en España usan los cuerpo montados es el siguiente:


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CALAMARO: Es un privilegio emocionarse con la música.
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Escuchar EL DISCO

El argentino evoca a Gardel y a Piazzolla en Tinta Roja.

Grabando tuvimos momentos de emoción intensa, de tener que imprimir con pudor lágrimas de varón.....
No siempre pasa, pero es un privilegio emocionarse todavia con la música. Lo decia ayer Andrés Calamaro en relación con, y durante la presentación de, su ultimo trabajo, Tinta Roja. Un disco donde no usamos mucho la técnica vocal, pero que traté de cantar don respeto. Y no es para menos. Porque el que fuera líder de los Rodriguez se atreve una vez más, después de haber experimentado el el cantante (2004) , con tangos. No sé si es verdad, pero lo quiero decir: es el tango el que nos eligió a nosotros, bromea Calamaro respecto al contenido. Es por eso que no incluye tangos cualesquiera (el más viejop es de los años veinte) y canta, puestos a seleccionar, a los mismisimos Carlos Gardel y Astor Piazzolla, El sur, El día que me quieras, Mano a mano, Como dos extraños, y Melodía de arrabal son, entre otros, algunos de los inolvidables tango incluidos en un CD que desde ayer se puede encontrar en las tiendas y que, por supuesto, tambien recoge el tema que le da titulo: Tinta Roja.

Esto si que nadie espere encontrarse tango en estado puro. Es más , lo interesante de este disco es ver si va a ser de tango, de rck, de flamenco o de las tres cosas a la vez, bromea Calamaro. Porque mientras por un lado evoca a grandes tangueros de todos los tiempos, por otro incluye la guitarra flamenca de Niño Josele y la voz de Montse Cortés. Finalmente, como no podía ser de otra manera tratandose de Calamaro, el rock está en todas partes, como la televisión, incluso está en este disco, asevera. Y garantiza además, que su relación con este género lejos de estar muerta, es de padre e hijo, o de hermanos. De hecho, mantiene : Nunca dejé el rock, sospecho que es lo único que sé tocar.

Ana lobo " metro, spain.


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Lunes, 22 de mayo de 2006

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Espineta
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ESPINETA
La espineta es un instrumento con teclado y
cuerdas pulsadas (como en la guitarra, y no golpeadas como sucede con el clavicordio y el piano). Es muy parecido al clave pero de tamaño más pequeño y a veces con forma de ala de pájaro.

Al igual que en el clave, a cada orden (tecla) le corresponde una sola cuerda. Su mecanismo consistía en una serie de palancas verticales provistas de plectros (puntas de pluma), las cuales percutían las cuerdas bajo la presión de los dedos sobre las teclas. Las cuerdas son cortas y dispuestas en diagonal dentro de la caja.

La espineta construiase generalmente sin pies y se colocaba sobre una mesa. Las cuerdas, que eran sencillas e iguales en número a las teclas, eran arañadas por debajo por una lengüeta terminada en un pico de pluma de cuervo cortada en triángulo, que mediante un martinete obedecía a la presión del dedo sobre la tecla formando palanca. Los ejemplares de espineta que subsisten en los museos son casi todos de fabricación italiana. El más antiguo , firmado por Pasi de Módena, lleva la fecha de 1490. Su extensión sonora varía de tres octavas y una quinta a cuatro octavas , a partir, generalmente, del mi de debajo del pentagrama, en clave de fa. Mersenne (1636) dio a la espineta 49 cuerdas de la misma longitud, pero de grosor decreciente, las 30 primeras de latón y las más agudas de hierro o acero. En esta fecha, la caja de la espineta había cambiado de forma, haciéndose cuadrangular; pero su mecanismo subsistió idéntico. Desde el reinado de Francisco I , los reyes de Francia tenían a su servicio uno o dos tocadores de espineta. Jacques Champion ejerció este cargo
bajo el reinado de Enrique IV, y Pierre de La Barre, bajo el de Luis XIII. Uno de los constructores de espinetas, llamado Jean Denis, que era al mismo tiempo organista de una de las parroquias de París, publicó en 1650 una curiosa obrita titulada tratado de la afinación de la espineta, a la que él considera el más bello instrumento del mundo y el más perfecto. En esta época estaba ya cerca el momento en que la espineta sería abandonada, por su debil sonoridad, y reemplazada por el clavicémbalo.
La espineta lleva su nombre del constructor italiano Giovanni Spinetti, que residía en Venecia durante la segunda mitad del 1400 y que fue uno de los primeros fabricantes .


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EL PIANO


En la fabricación de un piano moderno entran diferentes clases de madera: roble, haya, abeto y nogal de América para la armazón en que estan tendidas las cuerdas; peral, cormal, carpino y arce , para el mecanism; tilo. para el teclado; maderas exóticas para el chapeado del mueble; acero fundido para el marco de una sola piezaque constituye el esqueleto del piano, hierro forjado o acero para los bordes, alambre de acero envuelto en un alambre de cobre enrescado para los bordones,etc; además ébano y marfil para las teclas , y piel de búfalo y paño para el mecanismo. La tensión de todas las cuerdas reunidas de un piano puede alcanzar una fuerza de 24 toneladas. La exactitud del sonido ya la calidad de su timbre dependen de la tensión de la cuerda y del punto en donde la golpea el martillo .
La calidad de la pulsación se manifiesta gracias a la sensibilidad que da el mecanismo el sistema de doble escape . Después de 1870, unos obreros alemanes empleados en las manufacturas francesas trasportaron a Alemania y a América los secretos de Érard y Pleyel, y hasta época no empieza la nombradía de la fabricación alemana y norteamericana de pianos.
El piano, derivado del clavicordio, influyó a su vez a éste: hacia 1720 se construyeron clavicordios independientes, con una cuerda por cada tecla; enseguida se les aplicó el sistema de los apagadores. Pero ello no logró salvar al viejo instrumento Por otra parte, se dice que el piano tomó de la ESPINETA el pedal de sordina, innovación que se atribuye al fabricante Pietro Prosperi, de Siena, hacia 1700. Pero no parece que fuese de empleo corriente. Sin duda este pedal fue la caracteristica de los clavecines celestes de Southwell, en 1779, y se le vuelve a encontrar con el mismo nombre de los pianos, hacia 1830.
El pedal senza sordini, que levanta los apagadores, no aparece en las partituras de obras para piano hasta la op. 40 de Clementi (1705) , en el final, en pp, y aún no lo usó mucho hasta 1804, en la primera edición de sus Obras completas. Aparece después en op. 10 núm. 1 de Beethoven (1787), en el pp del fin del adagio, y luego en la op. 26 (1801) a partir de la variación v, pero el compositor no lo emplea corrientemente más que en su op. 31, núm. 2 (1802). El pedal unicordio, con apagador o sin él, desplaza el mecanismo de los martillos, de tal manera que éstos solo golpean una cuerda a la vez. Ya casi no se fabrica, y ha sido suplido por la sordina. Por último, el pedal de tamboril sólo tuvo una existencia efímera. Los pianos generalmente no tienen más que dos pedales: el pedal sordini a la derecha, y el de sordina o celeste ( o alguna vez, en su lugar, el pedal unicordio) a la izquierda.


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Nariz

Organo colocado encima de la boca humana y destinado, desde el punto de vista vocal, a servir de resonador . Cuando por cualquier razón , se alteran los órganos vocales, se refuerza la resonancia, de lo cual nace la gangosidad. Las personas poco hábiles en el uso de su voz llegan a este mismo resultado en el canto y se dice de ellas que cantan de naria. Sin embargo, lo que es considerado en el arte occidental moderno como un defecto ha sido y es apreciado todavía como una elegancia en el arte vocal de los pueblos de Oriente. La notación bizantina contiene incluso un signo especial para indicar los pasajes en que particularmente es preciso cantar con la narizreforzando este sonido interior, que se denomina endofón.


Publicado por bach24111 @ 9:23  | Instrumentos musicales
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Domingo, 21 de mayo de 2006

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Voy a poner todas las escalas y cuatriadas, inversiones, voicings ,acordes,etc. poco a poco. Pinchar la figura que se verá mejor, no tengo más ideas como se puede ver mejor. El midi de las lecciones ya lo sé poner. Si pudiera poner video grabaria como se tocan y lo explicaria , pero no sé como se hace, llevo en interner 4 meses solo ; lo descubri casi de casualidad, me gusta mucho pero no se hacer las cosas.


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S?bado, 20 de mayo de 2006

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cursopianogratis.comVillancico :No hay que decirle el primor JACARA

JACARA Jácaras. Aparte de la Navidad el Corpus Christi se convierte en otra festividad importante en la que se suceden las interpretaciones de villancicos, así como de otras composiciones en castellano, especialmente durante las denominadas "siestas". Asimismo, durante el reinado de Felipe IV se instituye la celebración de las Quarenta Horas, momento tambièn muy propicio para el desenvolvimiento de dicho repertorio con todo su esplendor. Musicalmente, el villancico del siglo XVII se produce un aumento en la complejidad técnica y formal. Frente a las tres o cuatro voces del siglo XVI, lo habitual es la composición para ocho voces distribuidas en dos coros dispuestos en diferentes lugares de la catedral y acompañados de arpa, violón y órgano. Formalmente, el estribillo se convierte en una sección muy extensa y con una escritura polifónica relativamente compleja, mientras que las coplas contrastan con éste por su brevedad y por la reducción de la plantilla vocal e instrumental al mínimo. De entre el gran número de compositores que escribieron villancicos durante el siglo XVII podemos destacar algunos como Cristóbal Galán, Juan Hidalgo y Sebastián Durón. Coplas - Sin principio en el principio otros dos y este mancebo estaban como uno solo - Su padre, el otro y el mesmo /una heredad que tenían / de frutas, flores y troncos / obra de dios en lo vello / a un buen hombre se la dieron - Dicen que se le regale / con quanto tubiere dentro / y le mandan que no coma - Por Dios es buen mandamiento / mas el era ynocente / y quebrantando el precepto / de rayz tuvo la culpa / puesto erro como comiendo Hay una página muy bien hecha que trata de la historia del villancico antiguo. Autores com Juan del Encina. Muchos midis de villancicos, Trata la jácara con más extensión:JACARA


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Heinrich Schütz
De Wikipedia

Heinrich Schütz (bautizado el 9 de Octubre de 1585 – †6 de Noviembre de 1672) fue un organista y compositor alemán, generalmente recordado como uno de los más importantes compositores alemanes antes de Johann Sebastian Bach y a menudo considerado uno de los más importantes del Siglo XVII, junto a Claudio Monteverdi.Escribió la primer ópera alemana, "Dafne" , estrenada en Torgau en 1627. La partitura de esta obra, sin embargo, se ha perdido.
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Biografía
Schütz nació en Köstritz. Su talento musical fue dscubierto por Moritz von Hessen-Kassel en 1599. Después de formar parte de un coro de niños, viajó a estudiar leyes a Marburg, luego se establece en Venecia entre 1609 y 1613, para estudiar música con Giovanni Gabrieli. Posteriormente realiza una breve práctica como organista en , para trasladarse a Dresde en 1615 , donde trabaja como compositor de la corte del Elector de Sajonia . Mantuvo su puesto en Dresde hasta el fin de su vida (creando la semilla de lo que actualmente es la Capilla del Estado de Dresde) , pero dejó la ciudad en varias ocasiones: en 1628 viaja a Venecia donde posiblemente se entrevista con Claudio Monteverdi -se cree inclusive que estudió con él- y en 1633, después de la Guerra de los treinta años interrumpe su actuación en la corte de Sajonia y toma un puesto en Copenhagen. Retorna a Dresde en 1641, y permanece allí hasta su muerte. Muere en 1672, a los 87 años.


==Estilo Las composiciones de Schütz muestran la influencia de sus dos principales maestros, Gabrieli (Mostrado notablemente en su uso del resplandeciente estilo policoral de la escuela veneciana y en su estilo concertante ) , y Monteverdi. Además recibe la influencia de los compositores de la escuela holandesa del Siglo XVI. Su obra más conocida se encuentra en el campo de la música sacra, desde obras solistas con acompañamiento instrumental hasta música coral "a capella" . Sus trabajos más representativos incluyen sus tres libros de Sinfonías Sacras , los "Salmos de David" , las "Siete palabras de Jesucristo en la Cruz" y sus tres series de Pasiones.

La música de Schütz, que al principio resulta progresista, deriva en un estilo simple y muy austero, culminando con sus últimas Pasiones. Algunas consideraciones prácticas permiten entender las causas de este cambio: la Guerra d elos 30 años desvastó la infraestructura musical de Alemania, y no existían los medios para interpretar las obras gigantescas al estilo de la Escuela Veneciana, características de sus primeros trabajos. Schütz fue uno de los últimos compositores que escribió en un estilo modal, con armonías no funcionales a menudo resultantes del juego entre las voces. En contraste, mucha de su música muestra un fuerte empuje tonal cuando encara las cadencias. Su música hace un uso intensivo de la imitación, en la que las entradas se suceden en orden irregular y en intervalos variados. Una característica divertida de Schütz es la creación de intensas disonancias causadas por el movimiento correcto de dos o más voces a través de una armonía implícita. Sobre todo, su música muestra una sensibilidad extrema por los acentos y significados del texto, el que a menudo es articulado usando figuras técnicas especiales tomadas de la música poetica , que a su vez derivan de las figuras verbales de los retóricos clásicos.

Casi no ha sobrevivido música secular de Schütz, salvo por unas pocas canciones domesticas ("arien") y ninguna musica puramente instrumental (salvo que se contabilicen como tal los breves movimientos instrumentales titulados "Sinfonia" , que encierran los diálogos en "Las siete palabras" ). A pesar de esto, Schütz tiene la reputación de haber sido uno de los mejores organistas de Alemania.

La influencia de Schütz fue muy importante por traer nuevas ideas musicales desde Italia, influencia que mantuvo sobre los compositores que lo siguieron. El estilo de la escuela de órgano del norte alemán deriva largamente de la obra de Schütz, así como de Jan Pieterszoon Sweelinck. Un Siglo despues su legado culminaría en la obra de J.S. Bach.




Obras
Los siguientes son trabajos publicados. Muchos de ellos contienen múltiples piezas musicales: en total hay más de 500 obras conocidas de Schütz.

Il primo libro de madrigali (primer libro de madrigales) (Venecia, 1611)
Psalmen Davids (Libro 1) (Dresde, 1619)
Historia der frölichen und siegreichen Aufferstehung ... (Historia de la Resurrección de Jesús) (Dresde, 1623)
Cantiones sacrae (Freiberg, 1625)
Psalmen Davids (Libro 2) (Freiberg, 1628)
Symphoniae sacrae (Libro 1) (Venecia, 1629)
Musicalische Exequien (Exequias musicales) (Dresde, 1636)
Kleiner geistlichen Concerten (Libro 1) (Leipzig, 1636)
Symphoniae sacrae (Libro 2) (Dresde, 1647)
Geistliche Chor-Music (Dresde, 1648)
Symphoniae sacrae (Libro 3) (Dresde, 1650)
Zwölff geistliche Gesänge (Dresde, 1657)
Psalmen Davids (Revisión del libro 2) (Dresde, 1661)



Fuentes: Wikipendia


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Viernes, 19 de mayo de 2006

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BLUES2.mid BluesEl Blues es un género musical de Estados Unidos. A las orillas del Mississippi, alrededor de 1900, en un barrio llamado Storyville (abarrotado de locales de música en directo), los esclavos compraban instrumentos a los militares estadounidenses. Estos esclavos no tenían conocimientos musicales y tocaban los instrumentos simulando la voz humana. Con ello desarrollaron nuevas técnicas. Así empezaron a surgir las primeras bandas. El blues nace, principalmente, en las plantaciones de algodón del sur de Estados Unidos. Los esclavos traídos de África cantaban los llamados hollers, worksongs o "canciones de trabajo" que más tarde se convertiría en todo un género musical, el Blues. Estas "canciones de trabajo" cumplían varios objetivos, como transmitirse mensajes secretos entre ellos o intentar aplacar el dolor y el sufrimiento que suponía trabajar en las plantaciones de algodón o en la construcción de carreteras y ferrocarriles. Es una composición de doce compases de estructura sencilla con ritmos sincopados, de temática diversa. El Blues ha nutrido al nacimiento y al desarrollo de numerosos estilos musicales de hoy en día: desde el Jazz y el Gospel, pasando por el Rock and Roll, hasta el Soul y el Rhythm & Blues. Definición: Melódicamente, el blues está caracterizado por el uso de la tercera disminuida y el acorde dominante (llamadas nota de blues o "Blue notes") de la escala mayor. El uso de las "blue notes" y el uso de la técnica call-and-response (donde un instrumento suena, después otro lo hace en forma de respuesta), fueron los patrones que le dieron la distinción. La escala de blues es muy utilizada en otros tipos de música, como la música popular, en las baladas e incluso en las orquestas. En cuanto a letra se refiere, el blues consiste usualmente en una línea repetida dos veces y en la tercera línea, una frase para rimar, por ejemplo: Historia: Las primeras formas de Blues evolucionaron en el delta del Mississipi, en el sur de los EEUU, a finales del siglo XIX y comienzos del XX. Esta música se caracterizaba por el uso de instrumentos similares como la guitarra acústica, el piano y la armónica (conocida como el harpa del blues). Las canciones tenían una estructura y forma diferente la cual podía ser de 4, 8 o 12 compases (Twelve bar blues), siempre basados en la tónica, subdominante y dominante de la tonalidad. El blues prácticamente hablaba sobre los infortunios del compositor, muchas de las primeras letras eran muy realistas, lo cual contrastaba con la música de la época. Hacia el 1908, aproximadamente, el blues comenzó a sonar en New Orleans interpretado, obviamente, por bandas blancas. Por estas mismas fechas, W.C. Handy, tomó el blues y lo hizo respetable, pues el estudiado músico y compositor, se aferró a él, y lo popularizó de tal forma que hoy se le conoce como uno de los "padres del blues". Handy fue uno de los primeros en transcribir y en orquestar blues como si fuese una sinfonía, con grandes bandas y cantantes. Hacia el 1917-20, el blues era ya una realidad en todo EEUU, ya formaba parte de la música popular norteamericana, y con el crecimiento de la industria, también hubo crecimiento de intérpretes tales como Blind Lemon Jefferson y Blind Blake, quienes grabaron para Paramount, entre otros... Hacia el 1940-50, el nacimiento de los instrumentos eléctricos, las ciudades como Chicago, Detroit y Kansas, eran populares por su blues, y artistas como Howlin' Wolf, Muddy Waters, Jimmy Reed, Little Walter y John Lee Hooker se convirtieron en inmortales. Pero para esta época, debido a la evolución del blues, el rock n'roll comenzó a nacer... La música blues, más tarde, se convirtió en una música de orgullo, en una música sinónimo de derechos civiles, de la libertad de expresión, muchos movimientos llevaban al blues consigo y esto consiguió que hubiese un resurgimiento, una vuelta a las raíces, y es cuando aparecen nombres como Eric Clapton, Canned Heat, Janis Joplin, Jimi Hendrix, influenciados por el rock, pero siempre retomando sus inicios, llevaron el blues a la gente joven. Intérpretes destacados Robert Johnson (Uno de los primeros Bluesman con talento. La leyenda cuenta como supuestamente hizo un pacto con el Diablo, en una encrucijada a medianoche, para tocar la guitarra como un maestro. Años más tarde, siendo joven aún, murió en extrañas circunstancias, lo que hizo que el mito del pacto con el Diablo tomara mayor relevancia). Howlin' Wolf Muddy Waters Freddie King Albert King T-Bone Walker John Lee Hooker B.B. King (Blues boy, este apodo surgió cuando estuvo trabajando en una emisora de radio en la cual él ponía música: sólo blues). Stevie Ray Vaughan (Bluesman por excelencia. Uno de los máximos exponentes de este estilo, caracterizado por la pasión de sus temas, un excepcional dominio de la guitarra eléctrica y la expresividad que demostraba en sus conciertos. Con su muerte, en un accidente de helicóptero, el Blues perdió a un gran guitarrista). Roben Ford Dr. John Taj Mahal Albert Collins John Mayall Eric Clapton (Slow Hand, este apodo surgió debido a que siempre era el que más excusas ponía para pagar las rondas en los bares). Bueno creo que la verdadera historia es que Slow Hand viene de una frase hecha: "slow hand clap" significa aplaudir a algo que te aburre... en definitiva más o menos quiere decir que en el movimiento de sus manos no se muestra esfuerzo. Mejor preguntad a alguien de procedencia inglesa. Otra posible procedencia de este apodo son las lentas palmadas con las que se acompañaba a Clapton mientras cambiaba las cuerdas de su guitarra en pleno concierto, algo común ya que solía romperlas debido a la furia de sus interpretaciones.


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Escuchar ragtime,ESCUCHAR







Este ragtime se oye en la pelicula EL GOLPE.

La mano izquierda va saltando , hace el bajo y una triada , usa casi siempre una triada , acordes diatónicos. La mano derecha va llevando una melodía con bastantes síncopas y algun contratiempo.

Ver estos artículos:
Síncopas.
Contratiempos.
Pinchar en teoría musical .(categorías).
El rítmo es siempre igual, Bastante rápido.
Las figuras que usan son corcheas y semicorcheas.
Primero hay que hacerlo muy lento para ir luego más rápido.


La música que llamamos jazz, surgió bastante antes que el disco; sin embargo, desde el ultimo cuarto del siglo XIX, el jazz estaba incubándose en el estado sureño de Louisiana (EE.UU.) en torno a un proceso largo y complejo que intentaba superar la rigidez rítmica y adquirir el sello del swing. Uno de los elementos genealógicos mas decisivos junto al blues, que no ha dejado de estar presente a lo largo del jazz, fue el ragtime. Los rags, aunque se tocaban sobre toda clase de instrumentos, fueron esencialmente una especialidad de pianistas. Su apogeo se sitúa entre finales del siglo XIX y las dos primeras décadas del XX. Los rags era una música de procedencia europea con un estrecho parentesco con los bailes y marchas entonces en boga. En una época en la que aun no se había expandido el fonógrafo, los rollos de pianola sirvieron para difundirlo.

En realidad el ragtime no puede ser considerado como jazz. Los rags estaban totalmente escritos y excluían la improvisación, pero constituyeron un punto de partida clave para la aparición de los primeros estilos pianísticos de jazz, en particular el estilo stride. Los pianistas criollos y negros de aquella zona, cuyo eje geográfico era New Orleáns como consecuencia del cruce de culturas (española, francesa, anglosajona y africana) desarrollaron sus acentuaciones rítmicas y la independencia entre ambas manos sobre el teclado sirvió para comenzar a introducir variaciones. La incorporación de la tradición del blues y el hecho de tener que tocar para el baile favorecieron paulatinamente el desarrollo del piano-jazz, inequívocamente orquestal.

Corresponde a James Price Johnson (1881-1955) el merito de haber sido el máximo artífice entre la evolución del ragtime al jazz. Sus primeras composiciones de 1917 todavía se situaban en la orbita del ragtime, pero fue a partir de la grabación del celebre "Carolina Shout" -pieza que determinó la vocación pianista de Duke Ellington- cuando se distancia con sensibles diferencias de sus precedentes versiones en rollos de pianola. El jazz estaba ya preparado para experimentar el gran salto de una música bailable y entretenida a una manifestación musical de enorme potencial, y James P. Johnson sintió ya en los años treinta, que la música que hacia pertenecía al pasado, pero sus manos inspiraron, décadas mas tardes, a figuras del jazz de la talla de Fats Waller, Willie "The Lion" Smith, Count Basie, Duke Ellington, Art Tatum e incluso a Thelonious Monk.



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La rama más importante del árbol genealógico nace del segundo hijo de Hans (8), Christoph (26), abuelo de Joh. Sebastian. Se han podido reunir sólo muy escasos datos referentes a él. Fué lacayo del duke de Weimar, cargo que implicaba el de músico en la corte ducal. Más tarde se trasladó a Erfurt donde junto con su hermano Johann (9) fué miembro de la "compañía de los músicos ".
Finalmente lo encontramos en Arnstadtdonde vivía su hermano Heinrich (17); allí murió como músico de la corte condal y del municipio.

Sus tres hijos que le sobrvivieron, fueron todos músicos - El mayor, Georg Christoph (27) , nacido en Erfurt, fué chantre en varias ciudades , en último término en Schweinfurt donde murió. uno de sus hijos, Johann Valentin (28) , ocupó el mismo puesto (según nota de Philipp Emanuel ). Más importantes fueron sus dos hijos , Johann Lorenz (29) y Johann Elias (30) . Joh. Lorenz fué organista en Lah,, en Franconia;
Joh. Elias estudió en Leipzig donde vivía en casa de su primo Joh Sebastian a quien ayudó como secretario en su correspondencia y otros quehaceres. Más tarde fué, como su padre y su hermano, chantre en la ciudad de Schweinfurt. Entre sus tres hijos se destacó el segundo, Johann Michael (31); siguiendo la tradición de la familia fué en un principio chantre pero luego viajó por el mundo visitando Holanda, Inglaterra y América. Finalmente se estableció como abogado en una ciudad de Meklemburgo. Escribió varios conciertos para uno y dos claves y orquesta, cantatas, un melodrama y tratado de bajo general.


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Las fiestas de San Juan Lorenzo de Cetina viviran hoy su día grande con la celebración, por la noche, de la Contradanza.

Viernes 19 de mayo 2006.

Contradanza de Cetina.
Imagen

Contradanza de Cetina: orígenes y descripción:

Los primeros datos sobre la Contradanza, aunque algo inciertos, ya que aparece con el nombre de "mojiganga" son de un cronista que relató las fiestas de Cetina en 1751.

Y el cambio de "mojiganga" a su actual nombre de Contradanza pudo ser en el mismo siglo XVIII, ya que estaba de moda un baile de salón con este nombre, procedente de Francia, aunque su origen etimológico debe originarse en el vocablo Inglés "country dance" (baile del campo), posiblemente introducido en España por la dinastía borbónica.

En la actualidad la Contradanza es un espectáculo realizado por nueve hombres jóvenes, cuatro de ellos vestidos con trajes negros y adornos sobrepuestos en blanco, los otros cuatro llevan trajes blancos con los adornos en negro, los ocho cubren su rostro con caretas y el noveno lleva un traje rojo con flores y puntillas blancas, la cara la lleva tiznada haciendo el símil de patillas, bigote y perilla, también lleva una gran boina roja con una borla colgante. Este personaje por nombre "el diablo" es el que dirige el baile, y completa todas las mudanzas o cuadros plásticos realizados en la oscuridad, ya que se elimina la iluminación eléctrica, y solamente acompañados por diez "hachas" o antorchas encendidas, fabricadas para el efecto con cuerdas trenzadas y embadurnadas con "pez".


La duración del espectáculo es variable dependiendo del número de mudanzas y "escuches" realizados, en la actualidad una treintena de mudanzas y un "escuche" cada cuatro de ellas, por lo que el tiempo empleado en la representación es ahora de una hora y media aproximadamente.

Las mudanzas que componen el espectáculo imitan formas plásticas y llevan los nombres que representan como: "El dios de las aguas" (Neptuno), "Los arcos", "El retablo", "La silla", "Las tijeras","La cama","La peana","San Pascual Bailón", "San Juan Lorenzo", "San Miguel", "Batán por alto", "El castillo", "La vuelta de la campana", etc. Después de la representación de esta última mudanza nombrada, comienza una pantomima denominada "el afeitado y la muerte del diablo", en la que el diablo sentado en una silla, y los contradanceros bailando se acercan uno tras de otro, portando sucesivamente una toalla, una vacía, una jarra, y jabón; luego los siguientes lo preparan para el afeitado, le retiran los utensilios y el último le pide la bolsa del dinero, a lo que este se niega, le amenaza mostrandole una navaja de barbero, que luego "afilará" en las posaderas de otro contradancero y tambaleandolo, le vuelve a solicitar la bolsa que le da posteriormente, y este la esconde entre el público.


Aparenta matar al diablo, que cae al suelo y después de hacer ver que está bien muerto, le llora llamando al resto de contradanceros, con los que pasea al diablo levantado por encima de los hombros de los demás, con las hachas levantadas. Lo dejan en el suelo y este "resucita", finalizando la contradanza con un baile más rápido como de apoteosis final.

La música de la Contradanza, es de aspecto repetitivo, con una mínima variación en los momentos de los "escuches" y es acompañada por clarinete y tamboril, en otros momentos ha sido interpretada con más instrumentos de viento, y en 1981 se recogió fonográficamente en disco en la Segunda Muestra de Folklore Aragonés, por Guimbarda.


Acercaros a la VILLA DE CETINA


Publicado por bach24111 @ 14:21  | Bailes Tipicos
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Estudiantina

Grupo de estudiantes que sale tocando diferentes instrumentos por las calles de la población en que estudian, o de lugar en lugar , para divertirse, para dar audiciones artísticas, o simplemente para recoger dinero.

Composición propia para ser interpretada por estos grupos de estudiantes.


Comparsa carnavalesca que imita en sus trajes los que usaban los estudiantes antiguos.

Sitio de una estudiantina: "Queretaro"
ESTUDIANTINA

Introducción:



Por las calles de Madrid
Bajo la luz de la luna
De Cascorro a Chamberí
Pasa rondando la Tuna
Su alegría y buen humor
Son en la noche abrileña
Como un requiebro de amor
A la mujer madrileña
Asómate, asómate al balcón
carita de azucena
Y así verás que pongo en mi canción
Suspiros de verbena
Adórnate ciñendote un mantón de la china, la china
Asómate, asómte al balcón a ver la estudiantina

Clavelitos rebonitos del jardín de mi Madrid
Madrileña no nos plantes
Porque somos estudiantes
Y cantamos para tí

Asómate, asómate al balcón carita de azucena
Y así verás que pongo en mi canción
Suspiros de verbena
Adórnate ciñendote un mantón de la china, la china
Asómate, asómte al balcón a ver la estudiantina


Publicado por bach24111 @ 9:50  | Grupos musicales
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Jueves, 18 de mayo de 2006

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Añafil
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Instrumentos de viento, de origen árabe, que tenia la forma de una trompeta recta. En algunos documentos antiguos se citan los naffils o nefir árabe se diferenciaba de la trompeta que pudieramos llamar cristiana es que el tubo de ésta era vuelto o redoblado , y la del añafil era recto. Este instrumento es citado por Alfonso el Sabio en el siglo XIII.... e venian tañendo trompas e añafiles.


Publicado por bach24111 @ 8:26  | Instrumentos musicales
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Mi?rcoles, 17 de mayo de 2006

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errores: el re del piano es un mi pues es triada. Esta bien poner el re que es la séptima del mi, pero como son triadas será: sol si mi y si mi sol


Publicado por bach24111 @ 22:20  | Acordes--cuatriadas
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Triadas de la tonalidad de mi mayor son : Mi Fa#m Sol#m La Si7 Do#m Re#dim


La armadura lleva 4 sostenidoa FA# DO# SOL# RE#
La triada Mi y la triada La son mayores. Las notas son: Mi Sol# Si (mi mayor); La Do# Mi ( la mayor ).

ALTERACIONES DE LAS TONALIDADES
DO MAYOR : NO TIENE ALTERACIONES
SOL MAYOR : FA SOSTENIDO
RE MAYOR : FA Y DO SOSTENIDO
LA MAYOR : FA, DO Y SOL SOSTENIDO
MI MAYOR : FA, DO SOL Y RE SOSTENIDO
SI MAYOR : FA, DO, SOL, RE Y LA SOSTENIDO
FA SOSTENIDO MAYOR : FA, DO, SOL RE LA Y MI SOSTENIDO
DO SOSTENIDO MAYOR : FA, DO, SOL RE, LA, MI Y SI SOSTENIDO


Tipos de triadas
Triada mayor: Formada por la tónica, su tercera mayor y su quinta justa.
Ejemplo: do, mi y sol.
Triada menor: Formada por la tónica, su tercera menor y su quinta justa.
Ejemplo: do, mib y sol; o la, do y mi.
Triada con quinta disminuida: Formada por la tónica, su tercera menor y su quinta disminuida.
Ejemplo: do, mib y solb; o si, re y fa.
Triada con quinta aumentada: Formada por la tónica, su tercera mayor y su quinta aumentada.
Ejemplo: do, mi y sol#.


Publicado por bach24111 @ 17:31  | Acordes--cuatriadas
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musicaBACH Y LA ENSEÑANZA DE LA COMPOSICION

( Joh. Ph. Kirnberger en Reflexiones sobre los diferentes métodos de la composición : "Gedanken über die verschiedenen lehrarten in der komposition" 1782.

JUAN SEBASTIAN BACH siempre compone en un estilo totalmente puro y cada pieza suya tiene una completa unidad de carácter. Ritmo , melodía, armonía, es decir, todo cuanto hace a una composición hermosa, lo posee él plenamente, como lo atestiguan sus obras. Su método es el mejor porque procede progresivamente , paso a paso, de los más fácil a lo más dificil y, como resultado, aun el paso a la fuga no tiene más dificultad que la que hay que pasar de un paso al próximo. Por esta razón yo considero el método de Johann Sebastian Bach como el mejor y el único. Es de lamentar que este gran hombre nunca escribiera nada teórico sobre músicay que su enseñanza sólo haya llegado a la posteridad a través de sus discípulos. Yo he pensado en reducir a principios el método de Joh. Seb. Bach y en exponer sus enseñanzas ante el mundo, lo mejor que me sea posible en mi Arte de la composición pura . ( Kunst des reinen Satzes).


Publicado por bach24111 @ 15:48  | Noticias musicales
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Las estrellas se compran la casa del famoso que admiran.

La nueva moda entre los famosos estadounidenses es conseguir casa nueva cumpliendo a su vez un sueño de infancia. El último en ponerlo en práctica ha sido el mago Uri Geller, que ha adquirido en una subasta de eBay la casa en la que vivió Elvis antes de trasladarse a Graceland. El ilusionista, famoso por doblar cucharas con la mente, ganó la puja con una oferta final de 705.000 euros. El Rey, compró esta casa en 1956 y vivió allí un año con sus padres y su abuela. Tiene cuatro habitaciones y, en los 50, era famosa en Nashville por ser la propiedad con la piscina más grande de la ciudad. Ahora Geller quiere restaurarla y convertila en museo.
Sintió que Elvis le decía que la casa era para él. Al acabar la puja empezó a sonar en la radio una canción de Elvis. Era él diciéndome que había conseguido la casa.


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Martes, 16 de mayo de 2006

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Georg Friedrich Händel
.fotos.miarroba.comGeorg Friedrich HändelGeorge Frideric Handel (Georg Friedrich Händel en alemán) (23 de febrero de 1685 - 14 de abril de 1759) fue un compositor inglés/alemán de música docta barroca. La mayor parte de su vida vivió en Gran Bretaña.


Biografía
Nació en la ciudad de Halle, al norte de Alemania, como hijo de un barbero y cirujano. Su padre había decidido que su hijo sería un abogado, pero cuando observó el interés de Händel por la música, la cual estudiaba y practicaba en secreto, su padre cambió de idea y se mostró dispuesto a pagarle los estudios de música. De esta forma Händel se convirtió en alumno del principal organista de Halle. A la edad de 17 años ya fue nombrado organista de la catedral calvinista de Halle.

Al cabo de un año Händel se marchó a Hamburgo, donde fue admitido como intérprete del violín y del clavicordio en la orquesta de la ópera. Al poco tiempo, en 1705 se representó en ese mismo lugar su obra Almira, y pronto después Nero. Al año siguiente aceptó una invitación de viajar a Italia, donde pasó más de tres años. Se representaron obras suyas en Florencia, Roma, Nápoles y Venecia, y al mismo tiempo Händel escribió música nueva, inspirado por la música de aquel país. Sobre todo estudió y perfeccionó la forma de combinar su música con textos en italiano. Merced a la elevada calidad de sus interpretaciones, conoció a importantes músicos y compositores italianos de la época, como Scarlatti, Corelli y Marcello.
En 1710 Händel regresa de Italia y se convierte en el director de orquesta de la corte de Hannover. Un año más tarde se representa su obra Rinaldo en Londres con un considerable éxito. En vista de ello, en 1712 Händel decide establecerse en Inglaterra. Allí recibe el encargo de crear un teatro real de la ópera, que sería conocido también como Royal Academy of Music. Händel escribió 14 óperas para esa institución entre 1720 y 1728, que dieron fama a Händel en todo Europa.

En 1727, Handel se convirtió en ciudadano britanico, cambiando la forma como escribia su nombre a "George Frideric Handel".

A partir de 1740 Händel se dedicó a la composición de oratorios, entre ellos El Mesías, que en el siglo XIX se convertiría en la obra coral por excelencia. En 1751 Händel quedó ciego, mientras estaba componiendo el oratorio Jefta. Murió en Londres a los 74 años.

Händel compuso 32 oratorios, 40 óperas, numerosas piezas musicales para misas, 110 cantatas, 20 conciertos, 39 sonatas, fugas y suites, y otras obras orquestales.

Sus profesores en la infancia era Wilhelm Zachov y posteriormente fue un español el que le impulsó a crear sus primeras obras, Javier Recacha.

Catálogo de obras
Operas
HWV Título Estreno Lugar Notas
1 Almira 8 de enero de 1705 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo
2 Nero 25 de febrero de 1705 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo Música perdida
3 Florindo 1708 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo Música perdida
4 Daphne 1708 Theater am Gänsemarkt, Hamburgo Música perdida
5 Rodrigo 1707 Florencia
6 Agrippina finales 1709/principios 1710 Teatro San Giovanni Grisostomo, Venecia
7a/b Rinaldo 24 de febrero de 1711 Queen's Theatre, Londres
8a/b/c Il pastor fido 22 de noviembre de 1712 Queen's Theatre, Londres
9 Teseo 10 de enero de 1713 Queen's Theatre, Londres
10 Lucio Cornelio Silla Junio de 1713? Londres? Musica reutilizada en Amadigi
11 Amadigi 25 de mayo de 1715 King's Theatre, Londres
12a/b Radamisto 27 de abril de 1720 King's Theatre, Londres
13 Muzio Scevola 15 de abril de 1721 King's Theatre, Londres sólo el acto 3 es de Handel
14 Floridante 9 de diciembre de 1721 King's Theatre, Londres
15 Ottone 12 de enero de 1723 King's Theatre, Londres
16 Flavio 14 de mayo de 1723 King's Theatre, Londres
17 Giulio Cesare 20 de febrero de 1724 King's Theatre, Londres
18 Tamerlano 31 de octubre de 1724 King's Theatre, Londres
19 Rodelinda 13 de febrero de 1725 King's Theatre, Londres
20 Scipione 12 de marzo de 1726 King's Theatre, Londres
21 Alessandro 5 de mayo de 1726 King's Theatre, Londres
22 Admeto 31 de enero de 1727 King's Theatre, Londres
23 Riccardo Primo 11 de noviembre de 1727 King's Theatre, Londres
24 Siroe 17 de febrero de 1728 King's Theatre, Londres
25 Tolomeo 30 de abril de 1728 King's Theatre, Londres
26 Lotario 2 de diciembre de 1729 King's Theatre, Londres
27 Partenope 24 de febrero de 1730 King's Theatre, Londres
28 Poro 2 de febrero de 1731 King's Theatre, Londres
29 Ezio 15 de enero de 1732 King's Theatre, Londres
30 Sosarme 15 de febrero de 1732 King's Theatre, Londres
31 Orlando 27 de enero de 1733 King's Theatre, Londres
32 Arianna 26 de enero de 1734 King's Theatre, Londres
33 Ariodante 8 de enero de 1735 Covent Garden Theatre, Londres
34 Alcina 16 de abril de 1735 Covent Garden Theatre, Londres
35 Atalanta 12 de mayo de 1736 Covent Garden Theatre, Londres
36 Arminio 12 de enero de 1737 Covent Garden Theatre, Londres
37 Giustino 16 de febrero de 1737 Covent Garden Theatre, Londres
38 Berenice 18 de mayo de 1737 Covent Garden Theatre, Londres
39 Faramondo 3 de enero de 1738 King's Theatre, Londres
40 Serse 15 de abril de 1738 King's Theatre, Londres
A 14 Giove in Argo (Pasticcio) 1 de mayo de 1739 King's Theatre, Londres
41 Imeneo 22 de noviembre de 1740 Theatre in Lincoln's Inn Fields, Londres
42 Deidamia 10 de enero de 1741 Theatre in Lincoln's Inn Fields, Londres
Odas y Masques
HWV Title Premiere Venue
49a/b Acis and Galatea probably 1718 London
74 Ode for the Birthday of Queen Anne 6 February 1713 Royal Palace in London
75 Alexander's Feast 19 February 1736 King's Theatre, London
76 Ode for St. Cecilia's Day 22 November 1739 Theatre in Lincoln's Inn Fields, London
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Oratorios
HWV Title Premiere Venue
46a/b Il trionfo del Tempo e del Disinganno/
Il trionfo del Tempo e della Verità June 1707 Rome
47 La Resurrezione 8 April 1708 Rome
48 Brockes-Passion 1709? Hamburg
50a/b Esther probably 1718 London
51 Deborah 21 February 1733 King's Theatre, London
52 Athalia 10 July 1733 Sheldonian Theatre, Oxford
53 Saul 16 January 1739 King's Theatre, London
54 Israel in Egypt 4 April 1739 King's Theatre, London
55 L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato 27 February 1740 Theatre in Lincoln's Inn Fields, London
56 Messiah 13 April 1742 New Music Hall, Dublin
57 Samson 18 February 1743 Covent Garden Theatre, London
58 Semele 10 February 1744 Covent Garden Theatre, London
59 Joseph and his Brethren 2 March 1744 Covent Garden Theatre, London
60 Hercules 5 January 1745 King's Theatre, London
61 Belshazzar 27 March 1745 King's Theatre, London
62 Occasional Oratorio 14 February 1746 Covent Garden Theatre, London
63 Judas Maccabaeus 1 April 1747 Covent Garden Theatre, London
64 Joshua 9 March 1748 Covent Garden Theatre, London
65 Alexander Balus 23 March 1748 Covent Garden Theatre, London
66 Susanna 10 February 1749 Covent Garden Theatre, London
67 Solomon 17 March 1749 Covent Garden Theatre, London
68 Theodora 16 March 1750 Covent Garden Theatre, London
69 The Choice of Hercules 1 March 1751 Covent Garden Theatre, London
70 Jephtha 26 February 1752 Covent Garden Theatre, London
71 The Triumph of Time and Truth 11 March 1757 Covent Garden Theatre, London
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Música Instrumental
6 Organ Concertos op. 4 (HWV 289 – 294)
6 Organ Concertos op. 7 (HWV 306 – 311)
6 Concerti grossi op. 3 (HWV 312 – 317)
Concerto grosso in C major "Alexander's Feast" (HWV 318)
12 Concerti grosso op. 6 (HWV 319 – 330)
3 Concerti a due cori (HWV 332 – 334)
Water Music (HWV 348 – 350)
Music for the Royal Fireworks (HWV 351)


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Castrati

Voz aguda de un hombre castrado. En el siglo XVi se inció la costumbre, en el sur de europa, de castrar a los niños que poseían dotes para la música y particularmente voces finas, para evitar la posterior transformación de sus voces. La Iglesia italiana comenzó a utilizar estas voces de caastrati, y en los siglos XVII y XVII los cantantes castrados dominaban la`´opera seria . La combinación de la calidad vocal de un muchacho y los pulmones de un hombre, producian un sonido de extraordinaria belleza, poder y flexibilidad : Los castrati representaron los papeles de héroes, guerreros y amantes durante dos centurias ( por ejemplo el Julio César de HAENDEL y el Orfeo de Gluck). La malloria de ellos tenía aproximadamente la misma textura que un mezzo-soprano; los papeles que representaban estan hoy en día mejor representados por mujeres. La práctica de la castración comenzo a ser considerada como una aberración en el siglo XVIII, y se abandonó en el siglo XIX.


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Breve oración cantada derivada de las costumbres civiles de la antigüedad y que se introdujo en las iglesias cristianas en los primeros siglos del Cristianismo. Consistía en una sucinta fórmula de voto de alabanza, que ordinariamente se r`petía tres veces. La más célebre es la aclamación sobre las palabras : Christus vincit, Christus regnat, Christus imperat, que se encuentra junto a diversos textos en un gran número de manuscritos litúrgicos de la Edad Media.


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Lunes, 15 de mayo de 2006




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La escala dórica 2º grado de do mayor: re-mi-fa-sol-la-si.
No tiene ninguna alteración.


D-7 re-fa-la-do

Si haces el bajo re y la mano derecha fa-la-do-mi  ( la mano derecha hace un acorde de fa mayor séptima. El bajo nos marca el primer grado re.

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PROXIMA ACTUACION

Honey Don't Cry, American Bar & Grill
Avda. del Rosario 9, Cuarte de Huerva
Sabado 27 de mayo a las 22:30 h. y 00:00 h.

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Actuación en Playa de Aro, en la carpa del
Festival de Vehículos Históricos
Sábado 10 de junio de 2006 a las 22 h.

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El "boom" musical que El Bis y Los Ibéricos representan en escena, se empezó a fraguar en los míticos 60's, con la fundación de Los Ibéricos y sus cuidadas versiones de la mejor música instrumental de la época (The Shadows, Ventures, Spotnicks, etc.)
De los antiguos Ibéricos, que prestan su nombre al grupo actual, siguen resistiendo dos de los fundadores, Jesús Lacoma (guitarra solista) y José Francisco Orna (guitarra bajo). Completan la formación, la batería de José Antonio Ruizalejos y los teclados de José Luis Catalán.


En el año 2001 se incorpora Carlos Gargallo, auténtico "showman", fiel réplica y seguidor incondicional de ELVIS PRESLEY. Carlos adopta el nombre artístico de EL BIS y, desde ese momento, pasa a encabezar los carteles cual reencarnado Rey del Rock.

Una cuidadosa puesta en escena y un correcto montaje musical y el impresionante derroche de facultades que EL BIS prodiga en sus actuaciones, mantienen un altísimo nivel en el escenario. En algún paréntesis aparece la magia instrumental de LOS IBERICOS para, seguidamente, recuperar el alto voltaje y explotar con fuerza ante el espectador.

Los asistentes disfrutan la diferencia entre la música en lata y la música en vivo. Diferente. De muchos octanos. Algo que no te debes perder.


Publicado por bach24111 @ 15:58  | Grupos musicales
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el trino:

Para la terminación del trino hay que tener en cuenta que su duración total ha de ser la misma que la nota trianada, salvo que ésta sea una nota con puntillo en cuyo caso el trino debe terminar sobre el valor del puntillo; pero de todas formas, el trino debe finalizar siempre con la nota principal.





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Adorno melódico sin forma rigurosamente determinada y sin signo especial de notación J.J. Roussau (1753) le considera sinónimo de roulade (trino) . Pero el sentido del vocablo es más general y se aplica aincluso a motivos de aspecto adornado y ligero. Asimismo esta palabra designaba antiguamente una especie de temblor desagradable de la voz, y por derivación se decía fredonnner al canturrear por lo bajo o interiormente algún tema melódico.


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Domingo, 14 de mayo de 2006

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La escala de Re7 --es el quinto grado de la tonalidad de sol mayor ,se le llama tambien escala mixolidia (en la música moderna)

Sol mayor tiene las siguientes escalas



    • Gmaj G A B C D E F#

    • A- A B C D E F# G

    • B- B C D E F# G A

    • Cmaj C D E F# G A B

    • D7 D E F# G A B C

    • E- E F# G A B C D

    • F#dim F# G A B C D E



Se llaman: jónica-dórica-frigia-lidia-mixolidia-eolia-locria


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do mayor séptima : Cmaj7 C E G B do mi sol si de do a si hay una extensión de séptima mayor.


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PIANO
Imagen

En dicha época, en el mecanismo no figuraba ningún sistema de escape, aunque el principio de éste se cococia desde hacia mucho tiempo. Los martillos estaban guarnecidos de cuero; el fabricante Pape, de origen alemán, pero establecido en París, fue quien revistió por primera vez los martillos de fieltro, hacia la misma época. En un piano de Taskin conservado en el museo de Belin, cada sonido lo da una sola cuerda doblada en una de sus extremidades, en lugar de darlo dos cuerdas vecinas y separadas; esta cuerda única está retenida en su doblez por un gancho con rosca, que regula sus tensión. Fue este un invento de Taskin que fue reproducido después , pero que no se extendió mucho. En 1789, Southwell, de Dublin, que habia sucedido a Weber, inventó en piano vertical, y lo amplió a seis octavas, de fa a fa,, extendiendo su parte aguda; presentó su instrumento en Londres en 1793, y pronto se atrajo las felicitaciones de HAYDN;
400x348px - 19.9 KbytesPiano de la fábrica de Broadwood en el que compuso Beethoven sus últimas sonatas. Backer y Broadwood, importantes fabricantes londinenses de instrumentos de música, rivalizaron con sus colegas de Irlanda; este último que perfeccionó el sistema de mecanismo seguido por Cristofori y SILBERMANN ( origen del mecanismo llamado inglés), presentó a su vez un piano de seis octavas, pero de do a do. A partir de 1795 o 1976, el ilustre pianista CLEMENTI emprendió la tarea de perfeccionar el instrumento, y por espacio de seis años se dedicó exclusivamente a la construcción de pianos; existen todavia pianos de su marca, cuya firma continuó por espacio de mucho tiempo su explotación, y se alaba la elegancia discreta de su forma y la admirable nitidez de sus sonidos, por los que algunas muestras supervivientes aún son todavía un motivo de orgullo. En la misma época , el excelente maestro de capilla de la catedral de Estrasburgo Ignacio Pleyel, cuyo cargo fue suprimido por la revolución, marchó a París , atraido quizá por S, Érard (1795)y, después de fundar un almacén de música, a partir de 1805-1807, púsose a fabricante de pianos. I. Pleyel introduce en la construcción de este instrumento perfeccionamientos en parte personales y en parte tomados del inglés Broadwood. En 1810 anunció su piano con tamboril, en el que un pedal golpea una membrana provista o no de cascabeles; entonces se aseguraba que no es posible imaginar el atractivo que esta adicción da al piano.
Imagen Pero fue Érard , en 1822, quien alcanzó el punto de perfeccionamiento de la fabricación mediante el invento de su mecanismo de doble escape, que estuvo buscando por espacio de cuarenta años. A partir de aquel momento rivalizaron las manufacturas de Pleyel y de Érard, y las casas de eston nombres figuran aún , en la actualidad, entre las primeras marcas del mundo.
277x400px - 18.5 Kbytes Imagen romántica de Beethoven componiendo su sonata Claro de Luna.


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Perlindango:Baile típico de CudilleroImagen
Es un baile local antiquísimo en Cudillero, localidad asturiana cuyo nombre según manifiesta C. Torner, Cancionero (1920), deriva de una clase de delantales que antaño formaba parte de la indumentaria de lujo de las aldeanas de sus contornos. El perlindango es una especie de giraldilla lenta y bailaban casi siempre las mujeres viejas y sus coplas suelen ser un tanto atrevidas. Bailan agarrados por las manos mientras dura la estrofa, formando rueda que gira hacia la derecha, soltándose al cantar el estribillo para coger el delantal y moverlo hacia los lados alternativamente.


CUDILLERO


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S?bado, 13 de mayo de 2006
PROXIMA ACTUACION

Honey Don't Cry, American Bar & Grill
Avda. del Rosario 9, Cuarte de Huerva
Sabado 27 de mayo a las 22:30 h. y 00:00 h.


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Su hermano, Johann Michael (19), fu? organista en Gehren, cerca de Arnstadt.Como compositor limit? su actividad, lo mismo que su hermano, al repertorio de iglesia; escribi? cantatas, motetes, y preludios para ?rgano. Entre sus hijos mencionemos s?lo a Mar?a B?rbara (25) que fu? la primera mujer de Joh. Sebastian.
En los cuatro hijos de Joh, Christoph (18) la rama descendiente de Heinrich (17) alcanza su mayor expansi?n.Todos fueron m?sicos: el mayor , Johann Nicolaus (21) fu? organista del municipio y de la Universidad de Jena. Fu? muy apreciado como constructor de ?rganos y claves y compuso obras de toda ?ndole, entre ella una opereta. Su hermano Johann Chistoph (22) nunca se avino a buscar empleo fijo sino que encontr? su mayor placer en viajar. Fu? maestro de clave en Erfurt, en Rotterdam y en Inglaterra. Tuvo un hijo, clavecenista. El tercer hermano , Johann Friedrich (23) fu? organista; en 1708 sucedi? en esta calidad a Joh. Sebastian en la iglesia de S. Blas en M?hlhausen. Del cuarto, Johann Michael (24) se sabe solamente que aprendi? el oficio de constructor de ?rganos, pero m?s tarde parti? para los pa?ses n?rdicos sin volver nunca m?s; as? que no se tienen noticias de ?l.

IR A BACH


SOLO PARA DESCARGAR
CONCIERTO BRANDERBURGO N?3



BACH MID.


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El fandango


FANDANGO MID.


Danza cantada española. A tres tiempos y en un movimiento bastante rápido. Entre los tipos de danza castizamente españoles es uno de los más antiguos, de los más usados y más celosamente conservados. Con la rondeña, la malagueña,las murcianas, y las granadinas, forma un grupo que se confunde bajo la única denominación de fandango, no diferenciándose entre si más que en alguna variante en la armonía del acompañamiento y en la tonalidad. Se acompaña con guitarra y castañuelas. Entre copla y copla, la guitarra acompañante acostumbra ejecutar, a veces improvisándolos, pequeños y oportunos interludios. En Cataluña , durante la primera mitad del siglo XIX, el fandango adquirió cierta popularidad en algunos pueblosnde la región norte de la provincia de Lérida , acompañandose los bailadores con castañuelas de boj hechas por ellos mismos. Igual puede decirse de las provincias de Castellon de la Plana y de Alicante, donde era bailado en esta última al son de la guitarra, del guitarro y de las imprencindibles <Imagen
i>castañuelas. Según Gevaert, su ritmo tradicional es el mismo que el de la rondeña y de la malagueña
, esto es ternario, con movimiento rápido; marcado por dos tocadores de castañuelas que repiten dos veces los cuatro compases de la partitura, entre cada copla cantada. Sin embargo otros cantores emparentan el fandango con las seguidillas y le atribuyeron otra fórmulas rítmicas: Hawkins (1776) , que lo declara una danza favorita de los españoles, presenta un modelo de 6/8. Hacia el mismo tiempo, GLUCKen su ballet Don Juan (1761) y Mozart en Las bodas de Figaro (1786) emplearon modificándola más o menos , una melodía conocida en Viena bajo el título de fandango.

A. Adam incluyó en su ópera bufa Le toreador (1849) un fandango de fantasia. El Capricho español de Rimsky-Korsakov, termina con un fandango asturiano (1887). El número tres de la encantadora suite de Enrique Granados, Goyescas, de la que nació la ópera del mismo nombre, lleva el título del fandango del candil y la advertencia o leyenda escena cantada y danzada lentamente con mucho ritmo. el dibujo inicial el cual se basa todo el fragmento corresponde al ritmo designado por Gevaert como propio de las seguidillas.


Cante
Aunque en el principio fue cante para bailar, en la actualidad muchas de sus variantes son cantes para escuchar. Los temas suelen ser de carácter sentencioso, algunos con importante carga político-social o de tema amoroso. Se puede cantar acompañado con instrumentos o “a palo seco”, es decir, golpeando en una mesa con el puño cerrado para el primer tiempo y abriendo los dedos progresiva y rítmicamente para los otros dos.
La pluralidad de fandangos es inmensa aunque podrían sintetizarse en tres grupos:

a) Fandangos regionales (de Huelva, de Lucena, de Málaga...).

b) Fandangos personales o de creación propia (de El Gloria, de Pérez de Guzmán, de Vallejo, de Cepero...).

c) Por derivación nacen las malagueñas, rondeñas, granaínas y murcianas.
Algunos de los primeros intérpretes fueron El Niño de Cabra, Rafael Pareja, Pérez de Guzmán, El Gloria, etc., pero es Pepe Marchena quien aleja el fandango de los moldes clásicos regionales y lo populariza por completo. Manolo Caracol sigue otra línea, también personalista, pero llena de sentimiento y de jondura gitana. Las coplas son de cuatro o cinco versos octosílabos, que en ocasiones se convierten en seis por repetición de alguno de ellos.




FLAMENCOTIENDA DE ARTÍCULOS PARA FLAMENCO:
FANDANGO
BAILE


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PUNTILLO.mid


Si os fijais en el midi suena igual el do y el sol con puntillo, que el do y el sol ,notas blancas con la negra que lleva una ligadura.
Una redonda con puntillo = una redonda+una blanca.
Una negra con puntillo = una negra+una corchea.
Una corchea con puntillo = una corchea+una semicorchea.

O sea que el puntillo aumenta medio valor de la nota que esta colocado el puntillo


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Ramirez de Arellano, Alonso

Compositor espa?ol del siglo XVIII, autor de un canon Recte et Retro para 48 voces, impreso en Londres (1765).

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Viernes, 12 de mayo de 2006

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Jean Philippe Rameau Compositor, clavecinista y teórico francés.Consagróse a la música desde muy joven, después de renunciar a la carrera de la magistratura. Fue casi totalmente autodidacta, en especial respecto a la armonía y composición. Tras un breve viaje a Italia (1701), se le nombró organista en las catedrales de Aviñón y Clermont-Ferrand;.
Después estuvo en París (1706), donde publicó su primera serie de composiciones para clavecín, y actuó tambien de organista. Lo fue asimismo en Dijón (1709-1714), Lyón (1714-1715) y Clemont -Ferrand otra vez. A la edad de 40 años era conocido tan sólo por un reducido número de personas; dedicábase con preferencia a meditaciones filosóficas sobre la música, de donde nacieron una serie de obras teóricas que luego tenían que ser célebres, como su Traitè d`harmonie que causó verdadera sensación en los ambientes musicales. Rameau pasó entonces (1723) a París,donde se instaló definitivamente como organista, y a partir de entonces fue publicando con gran frecuencia obras teóricas y composiciones que tuvieron gran éxito; hicieron célebre rápidamente su nombre y le procuraron multitud de discípulos de tal modo que al cabo de pocos años quedó convertido en la primera figura del mundo musical parisiense. En esta época empezó a componer breves obras escénicas , que iniciaron la brillante carrera de compositor deóperas y ballets que tenía que hacerle famoso después.

El fermier géneral La Pouplinière le protegió generosamente y le nombró director de su orquesta particular y de sus conciertos, y gracias a él pudo presentar sus obras en la öpera, que se manifestaba reacia ante los autores nuevos. Sus composiciones dieron lugar a vivas discusiones y controversias. Entre tanto, él actuaba tambien en la corte, donde el Rey le nombró compositor de cámara. Rameau es considerado uno de los mayores compositores de la escuela francesa, cuyas óperas tienen una enorme importancia histórica, y uno de los más grandes doctrinarios de la ciencia musical; en este aspecto se le considera fundador de la teoría armónica propiamente dicha teoría del encadenamiento natural de los acordes. Rameau fue un innovador y no solo en la teoría, sino también en la práctica de la armonía; sus atrevidas modulaciones y sus composiciones a varias partes señalan un notable progreso respecto a sus predecesores. Fue uno de los primeros en utilizar los recursos de los matices de la orquesta, y ampliando la estructura de la obertura inició el camino que luego habían de seguir las sinfonías de Haynd y Mozart A pesar de que sus óperas no se representaban mucho tiempo, debido en gran parte a que los libretos eran muy flojos, y en parte para su debilidad en escribir para la voz. Rameau es uno de los grandes maestros de la música francesa. Nació en Dijón el 25 de septiembre de 1683, y murió en París, el 12 de septiembre de 1764.

OBRAS DE JEAN- PHILIPPE RAMEAU

OPERAS

Hippolyte et Aricie (1733)

Castor et Pollux (1737)

Dardanus (1739).

Le temple de la Gloire (1745).

Zaïs (1748).

Zoroastre (1749).

Acante et Céphise (1751).

Lysis et Delia (1754).

Daphné et Eglé (1753).

La naissance dÓssiris (1754).

Zephire (1757).

Nelée et Mithis (1757).

Le retour d´Astrée (1757)

Les surprises de l´amour (1759).

Les sybarites (1760)

Les paladins (1760)

BALLETS

Les indes galantes (1735)

Les fêtes d´Hebé (1739)

Les fêtes de Polymnie (1745)

La princesa de Navarre (1747)

Les fêtes de l´Hymen et de l´amour (1747)

Zaïs (1748)

Pygnalion (1748).

Platée (1749).

La Guilande (1751).

Anacréon (1757).

OBRAS PARA CLAVECIN

Premier livre des piéces de clavecin

Pièces de clavecin avec una méthode pour la mécanique des doigts.

Pièces de clavecin avec des remarques sous les differentes genres de pièces de musique.

Nouvelles suites de pièces de clavecin.

Pièces de clavecin en concert

pièces de clavecin avec une table pour les a´gréments.

  • Cantatas
  • Motetes
  • obras teoricas
  • Traité d´harmonie rèduite à ses principes naturels.
  • Plan abrégé d´une méthode nouvelle d´accompagnement.
  • Génération harminique.
  • Code de musique pratique.
  • Demonstration du principe de l´harmonie.


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Organos de Silbermann : 4 sellos preciosos de la extinguida república democrática alemana, hoy Alemania.
ORGANO

SILBERMANN


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Mozart y su familia en un sello triptico de M?naco, del a?o 1981



Sello de Mozart de M?naco: 3 sellos en uno

MOZART

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ObraLändler

Danza popular en Austria y en Alemania del sur, de ritmo ternario, como el vals, pero de movimiento menos rápido, compuesta ordinariamente de dos repeticiones, cada una de las cuales tiene ocho compases, repitiendo ambas varias veces, Mozart, Beethoven, y sobre todo Franz Schubert, , escribieron algunas suites de (LÄNDLER)
Un número de compositores clásicos escribieron el ländler incluyendo Ludwig van Beethoven y Franz Schubert. En varias de sus sinfonías Gustav Mahler substituyó el scherzo por un ländler. La gente carinthian que la consonancia cotizó en concerto del violín de Alban Berg es un ländler, y otras características en el acto II de su ópera Wozzeck.El "alemán baila" de Wolfgang Amadeus Mozart y José Haydn también se asemeja al ländler.


Publicado por bach24111 @ 8:55  | Bailes Tipicos
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Tomaso Albinoni
Tomaso Albinoni (14 de junio, 1671, Venecia, Italia - 17 de enero, 1751, Venecia) fue un compositor italiano de música barroca. Escribió alrededor de cincuenta óperas, pero es mayormente conocido por su música instrumental, especialmente sus conciertos para oboe.
Discipulo de Legrenzi.Su música instrumental atrajo la atención de Johann Sebastian Bach el cual escribió al menos dos fugas sobre temas de Albinoni y utilizó constantemente sus bajos como ejercicios de armonía para sus alumnos.

El Adagio de Albinoni es una reconstrucción de 1945 debida a Remo Giazotti sobre un fragmento de un movimiento lento de una sonata para trio.

Obras
Concierto para violín y orquesta (1710)
Concierto para oboe, opus 9 nº 2 (1722)
Concierto para oboe, opus 9 nº 8 (1722)
Sonata en Sol Menor (1740)

Escuchar (ADAGIO)

(ADAGIO)


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Jueves, 11 de mayo de 2006

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BACH Y HAENDEL
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Que parecido físico tenian ambos, aunque en música se distanciaban tanto. Bach lo complicaba todo, Haendel lo hacia fácil y alegre.
(Charles Burney en A General History of Music, 1789)

Los términos mismos de canon y fuga, implican sujeción y laboriosidad. Haendel fué, tal vez, el único gran autor de fugas sin pedantería. Rara vez trató motivos áridos o vulgares; sus temas eran casi siempre fáciles y agradables.
Sebastian Bach, al contrario, como Miguel Angel en la pintura, desdeñaba tanto la facilidad, que su genio nunca se inclinó hacia lo fácil y gracioso. Yo no he visto nunca una fuga de este sabio e importante autor sobre un motivo que fuese sencillo y Chantant; o aun un pasaje fácil y obvio que no estuviese recargado por acompañamientos rudos y dificiles


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Juan de Grocheo (Jean de Grouchy)

Teórico musica francés autor de un tratado de especial importancia para la historia de la música medieval; en él dedica una parte importante a la música profana, dando la definición de una serie de formas de la misma y formulando normas de escritura. Vivia hacia 1300.


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Rondo (Rondeau).


Pieza musical que se repite a intervalos regulados la primera frase o estribillo; las demás frases se llaman estrofas, coplas o, en Francia couplets. Procede de la forma poetica rondel o RONDELLUS, popular en la Edad Media, y a menudo cantada y formada con intercalaiones, es decir, que en ella un verso o un motivo oidos ya al principio son reiterados en estribillo con o sin variantes y adornos,entre las estrofas o episodios sucesivos. Se pueden comprobar que, a partir del siglo XIV, la ESTAMPIDA,, danza instrumental, presenta la forma instrumental de rondeau; esta forma estuvo en uso hasta fines del siglo XVIII aproximadamente, en que se fundió con el rondó. Las suites y las sonatas primitivas presenta a veces un rondeau I y un rondeau II: ésta está en menor, y le sigue una repetición del I o bien un rondeau con variaciones.
Consiste en un tema principal muy contagioso (A) y varios laterales (B,C,D, etc) que se agrupan del modo A-B-A-C-A-D-A o parecido.
El constante retorno al tema A es la característica esencial del rondó. Su carácter es siempre ligero y alegre.
(Ejs.: últimos movimientos de conciertos para piano de Mozart o para violín de Paganini)


Forma instrumental primitivamente análoga al rondeau francés, pero combinada por Haydn, MOZART y Clementi con la del movimiento de forma sonata. Mozart
adoptó , en la segunda mitad de su carrera, la forma del rondó para terminar sus concertos, pero en dos acepciones; en primer lugar, como una serie de pequeñas divisiones melódicas, siempre renovadas y más tarde, como una pieza con repeticiones e intermedios, uno de los cuales estaba en tono menor.


(RONDO)


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Mi?rcoles, 10 de mayo de 2006

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Mandolina (instrumento de cuerdas) musica La mandolina MANDOLINA Mandolin , MandolinaMandolina Instrumento parecido al laúd pero de valor artístico mucho menor , usado actualmente sobre todo por los que desean tocar música sencilla sin mayor molestia. El tipo conocido como "napolitano" tiene ocho cuerdas de alambre, afinadas en pares , sobre las mismas notas que las del violín; el tipo "milanés" tiene diez cuerdas templadas de manera similar. Son puestas en vibración, no por los dedos sino por medio de un plectro; se toca usualmente en trémolo; la prolongación del sonido por este recurso diferencia a la mandolina de otros instrumentos como el laúd y la guitarra, en las que las cuerdas son punteadas y los sonidos se extinguen enseguida. Algunos de los grandes compositores han escrito en ocasiones para mandolina, generalmente como concomitante de algún incidente dramático: Händel en su oratorio Alexander Balus(1748); Grétry en L´Amant jaloux (1778) ; Paesiello en su Barbero de Sevilla(1780); Mozart escribió tambien dos canciones separadas con acompañamiento de mandolina; Beethoven compuso por lo menos cinco piezas para mandolina y piano. La mandolina figuró en un tiempo en algunas orquestas; desapareció de la de Stuugart solo en 1755. Estuvieron en boga durante el siglo XVIII sonatas para mandolina y violín, mandolina y vionlocelo, dos mandolinas y violoncelo, etc. Schönberg yntroduce una mandolina en su serenata. José Luis (Diccionario Oxford de la música). (1964). Una`pequeña reseña de pieza

madolina mid.

De Wi kipendia La mandolina es un instrumento musical de cuerda. El número y tipo de cuerdas de la mandolina ha sido variable según el tiempo y el lugar, pero la configuración predominante hoy en día es la de la mandolina napolitana, con cuatro cuerdas dobles afinadas como el violín (sol-re-la-mi). A diferencia del violín, las cuerdas de la mandolina se pulsan con una púa o plectro. La caja de resonancia puede ser cóncava o plana. Mandolina Historia A finales del siglo XVI, en Italia, aparece el instrumento conocido como mandola, precursor de la mandolina. El término mandolino, nombre italiano del instrumento, se cita por vez primera en 1634, refiriéndose, según parece, a una variante de la mandola, de menor tamaño. Durante el siglo XVII se fabricaron mandolinas en Italia; en el Museo Stradivariano de Cremona se conservan los patrones de construcción de varias mandolinas, con anotaciones a mano del propio Antonio Stradivari, el famoso constructor de violines. A partir de finales del siglo XVII, muchos grandes compositores comienzan a utilizar la mandolina en sus obras: es el caso de Antonio Vivaldi (1678-1741),quien compuso obras para mandolina y orquesta; Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), quien la utilizó en su ópera Don Giovanni, Ludwig van Beethoven(1770-1827) o Nicolo Paganini (1782-1840). Actualmente, la mandolina está muy extendida en la música folk británica e irlandesa, en la música country y bluegrass de Estados Unidos, y en el choro y la samba brasileños. También se encuentra en algunos conjuntos de música tradicional portuguesa, mientras que en España ha sido desplazada por la bandurria y no es frecuente su uso en la música tradicional. Se encuentra también en los conjuntos folclóricos de algunos países latinoamericanos, sobre todo de Chile, Bolivia, Perú, Colombiay Venezuela. la forma de afinar la madolina es la del violín, es decir, la siguiente: Sol, Re, La y Mi, siendo Mi la más aguda y Sol la más grave. La sucesión se da por intervalos de quinta justa entre una cuerda y otra. Por convención, se llama primera cuerda a la más aguda (mi), siguiendo en progresión ascendente hasta la cuarta cuerda (sol). Hay que destacar que se debe afinar cada par de cuerdas al unísono, ya que la mandolina suele contar con órdenes dobles de cuerdas, a fin de hacer posible la ejecución libre del trémolo, efecto necesario a fin de alargar un sonido o a fin de hacerlo más suave. Variantes Existen numerosas variantes del instrumento, pero todos ellos pueden integrarse en tres tipos principales: • Mandolina italiana: es la utilizada en la música clásica. Actualmente en desuso. • Mandolina folk: a diferencia de la italiana, tiene la boca redondeada para aumentar la sonoridad. Variantes de este tipo son los bandolines brasileños y las mandolinas irlandesas. • Mandolina bluegrass: empleada en el estilo musical conocido como bluegrass. Muy utilizada en la actualidad.


Publicado por bach24111 @ 16:48  | Filatelia musical
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LAS ESCALAS DE SI MENOR 3º GRADO DE SOL MAYOR ,Y DO MAYOR 4º DE LA TONALIDAD DE SOL MAYOR.. SUS CUATRIADAS SON : Bm7 y Cmaj7. (triadas Bm y C).

Las escalas son : DORICA,JONICA,FRIGIA,LIDIA,MIXOLIDIA,EOLIA,LOCRIA, primer grado 2º 3º 4º 5º 6º 7º Escalas (frigia-lidia)mid.



En la escala de do hacemos un F# ,pues en la armadura hay un # en la linea 5ª ,la del F. Entonces esta escala de do ya no es el priemer grado de la tonalidad de do sino el cuarto grado de la tonalidad de sol. Esto hay que tenerlo presente cuando improvisemos en cierta tonalidad.


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DE J: G: WALTHER (1732)
Las letras : B A C H
.

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Juan Sebastian Bach
Imagen

CIUDADES DONDE RESIDIO BACH_ Bach (Johann Sebastian)
, hijo de Johann Ambrosius
Bach que fué músico de la corte y del municipio de Eisenach: nació en este lugar el 21 de marzo del año 1685; aprendió los primeros rudimentos en el clave de su hermano mayor , Johann Christoph Bach, antes organista y maestro de la escuela en Ohrdruf; fué nombrado organista, por primera vez, en el año 1703 en Arnstadt, , en la Iglesia Nueva, y en 1707 en Mühlhausen, en la Iglesia de S, Blas; en el año 1708 pasó a Weimar donde fué nombrado müsico de cámara de su Alteza y organista de la corte, y, en 1714, maestro de concierto; en 1717 director de orquesta de la corte de Koethen; y en 1723, después de la muerte de Kuhnau, director de música en Leipzig; también director de orquesta de la corte de Sajonia-Weissenfels. De sus excelentes obras para clave aparecieron, grabadas de cobre: en el año 1726, una Partita en Si bemol mayor, con el título " Clavier Uebung (trozos para ejecutar en el clave) cossistiendo en preludios,alemandas, correntes,sarabandas,gigas, minués etc.". Esta fué seguida por la 2ª, en Do menor; la 3ª en la menor; la 4ª, en Re mayor; la 5ª en Sol mayor; y la 6ª en Mi menor, con la cual concluye, probablemente, el opus. La familia Bach, según parece, es oriunda de Hungria, y todos los que han llevado este apellido, hasta donde se sabe, se han dedicado , preferentyemente, a la música, lo que tal vez viene del hecho que hasta las letras B A
C H son melodicas en su orden ( en su nomenclatura castellana : Si bemol, La , Do, Si, ). ( esta observación es un descubrimiento del Sr. Bach de Leipzig.


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Martes, 09 de mayo de 2006



SaetaDase este nombre a unas singulares y celebérrimas coplas de Pasión que se cantan sobretodo en Andalucía al paso de las procesiones de Semana Santa, cuyas letras hacen referencia, no sólo a la conmemoración del gran drama del Gólgota, sino también a la imagen a que va dedicada la saeta en el momento de su paso por el lugar donde se halla la persona, que con vibrante y emocionada voz entona el canto, exaltado por profunda devoción. Las letras que los cantores aplican a las melodías indican bien claramente el momento del drama o imagen que el cantor, destacándose de la multitud, ha utilizado para dar expresión concreta a su canto: Míralo por ayí viene er mejor de los nasidos. o ésta Caminando el buen Jesús por la calle de la amargura o esta otra: Al pie de la cruz está la Virgen de la Esperanza El elevado sentimiento místico de estas expresiones por la sencilla gente del pueblo, constituye la más conmovedora demostración de la fe cristiana, que puede admirarse al paso de las famosísimas y veneradas imágenes o pasos por las calles andulazas, y otras partes de España,lenta y silenciosamente en las horas vespertinas. Las melodías aplicadas por el pueblo a la saeta son siempre variantes de un tipo, que, a pesar de conservar la estructura fundamental primaria, se deshace en mil giros y adornos, especie de irisaciones altamente interesantes, porque en ellas el cantor popular ha puesto su más alta inspiración lirica y la extraordinaria fuerza emotiva de la imagen evocada por la letra. El texto no tiene forma fija, pues puede ser de dos, tres, cuatro, y hasta más versos, dependiendo todo de la emoción religiosa en el momento de la creación poética y de las facultades del cantor, que procura lucirse, haciendo alarde de ellas, pues sabe que todos los oidos le escuchan ávidamente . Existe la tonada llamada clásica o antigua y la llamada moderna, que no es otra que una variante, algo más diluida, de la tonada clásica.El ejemplo siguiente es una saetacuya linea melódica es obtenida por ligera variación de la melodía clásica: SAETA.mid


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El Seis

Danza popular propiamente portorriqueña. Hay dos formas: el seis , simplemente , que se baila a tiempo regular , y el seis chorreaou, que se baila a tiempo vivo casi vertijinoso y que con frecuencia es interrumpido para canta una copla de estilo picaresco y a veces mordaz que se llama bomba. Lo bailan los campesinos llamados generalmente jíbaros, de Puerto Rico, que nada tienen que ver con los jíbaros de la America del Sur. Su ritmo es una combinación de binario y ternario por cuatro. " Compas binario compuesto que comprende dos blancas puntadas".
Por dieciseis, compás binario de dos tiempos en tres partes.
Por dos , compás compuesto y binario de dos tiempos en tres partes.
Por ocho compás binario de dos tiempos en tres partes.


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    • Parte instrumental que debe ser ejecutada a una octava de la nota escrita que va señalada con la abreviatura 8ª .

    • Juego del órgano de cuatro pies.

    • Intervalo de ocho grados , redoblamiento del unisono, constituido en la proporción de sencillo a boble.

    • La octava contiene cinco tonos y dos semitonos diatónicos,

    • La octava disminuida de do a db , contiene cuatro tonos y tres semitonos diatónicos.

    • La octava aumentada do-do# , cinco tonos, dos semitonos diatónicos y un semitono cromático.



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fotos.miarroba.com


Para ver la partitura más grande pincha aquí


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Silbermann

Organero alemán, el más célebre de toda familia, hermano de Andreas, de quien aprendió el arte de construir órganos. Su primera gran obra fue el órgano de la catedral de Friburgo (45 juegos), y en dicha ciudad estableció sus talleres. Costruyó total 47 órganos.Pero gran parte de su celebridad se basa, además, en el hecho de considerársele, sino el inventor, por lo menos el primero que aplicó en la práctica el principio de percusión por martillos a los clavicémbalos y clavicordios; de este invento se originó el PIANO.. Entre los inventos que se le deben figuran en lugar destacado el cémbalo de amor,m especie de clavicordio cuyas cuerdas, de doble longitud respecto a los instrumentos ordinarios, al dividirse adecuadamente, en dos partes por la tangente, y no teniendo este instrumento parte muerta, dejaban oir la OCTAVA superior del sonido de la cuerda entera.Nació en Klein Bobritzsch (Erzgebirge sajón) en 1683; murió en Dresde en 1753.


Publicado por bach24111 @ 15:12  | El piano
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Britten


Compositor inglés, discípulo de John Ireland, A. Benjamin y Fr. Bridge.Se han dado audiciones de sus obras en Florencia, Barcelona, Londres y Salzburgo. Estudió en el Royal College of music de Londres. Ha compuesto música para peliculas, para la escena y para la radio. De la extensa lista de sus obras publicadas hay que mencionar : Sinfonietta para orquesta de cámara; Phantasy para oboe, violin, viola y violoncelo; A boy was born, variaciones para coro; Soirées musicales para orquesta; Symple Symphony para orquesta de cuerda; Holiday tales, suite para piano; Friday afternoon, canciones escolares; Kermesse canadiense, para instrumentos de viento, percusión y ARPA;Illuminations para canto y orquesta; Our hunting fathers, ciclo sinfónico para soprano y orquesta; Variations on thema of Frank Bridge; On this island, canciones; Te Deum, para coro y órgano; musica incidentalpara The ascent of F-6;Ballad of heroes, para tenor (o soprano) solo, coro y orquesta; Paul Bunyant y the rope of Lucrecia,óperas; Sinfonia da Requiem, Scottish ballads
para piano. Entre sus últimas obras estrenadas la más importante es la ópera Peter Grimes (1945) . Nació en Lowestoft en 1913 (Gran Bretaña) . Murió el 4 diciembre de 1976 en Aldeburgo.


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Lunes, 08 de mayo de 2006

ESCALASSOLMAYOR.mid SOL,Am,SIm,DO,RE7,MIm,F#,Dim


G A- B- C D7 E- F#Dim (TRIADAS)


Gmaj7 A-7 B-7 Cmaj7 D7 E-7 F#-7(b5) (cuatriadas)




IRE PONIENDO LAS DEMAS MA?ANA.

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Hector Berlioz
(La Côte-Saint-André, Francia, 1803-París, 1869) Compositor francés. El Romanticismo tiene en Hector Berlioz una de sus figuras paradigmáticas: su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música osada que no admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre todo, por la importancia concedida al timbre orquestal y a la inspiración extramusical, literaria. No en balde, junto al húngaro Franz Liszt, Berlioz fue uno de los principales impulsores de la llamada música programática.

Hijo de un reputado médico de Grenoble, fue precisamente su padre quien le transmitió su amor a la música. Por su consejo, el joven Hector aprendió a tocar la flauta y la guitarra y a componer pequeñas piezas para diferentes conjuntos. Sin embargo, no era la música la carrera a la que le destinaba su progenitor; y así, en 1821 Berlioz se trasladó a París para seguir los estudios de medicina en la universidad. No los concluyó: fascinado por las óperas y los conciertos que podían escucharse en la capital gala, el futuro músico abandonó pronto la carrera médica para seguir la musical, en contra de la voluntad familiar. Gluck, primero, y Weber y Beethoven, después, se convirtieron en sus modelos musicales más admirados, mientras Shakespeare y Goethe lo eran en el campo literario.


Admitido en el Conservatorio en 1825, fue discípulo de Jean François Lesneur y Anton Reicha y consiguió, tras varias tentativas fracasadas, el prestigioso Premio de Roma que anualmente concedía esa institución. Ello fue en 1830, el año que vio nacer la obra que lo consagró como uno de los compositores más originales de su tiempo: la Sinfonía fantástica, subtitulada Episodios de la vida de un artista. Página de inspiración autobiográfica, fruto de su pasión no correspondida por la actriz británica Harriet Smithson, en ella se encuentran todos los rasgos del estilo de Berlioz, desde su magistral conocimiento de la orquesta a su predilección por los extremos –que en ocasiones deriva en el uso de determinados efectismos–, la superación de la forma sinfónica tradicional y la subordinación a una idea extramusical.

Biografias.com


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Julio Alfredo Jaramillo Laurido, nació el uno de Octubre de 1935, en un pequeño departamento en Gómez Rendon y Villavicencio en la ciudad de Guayaquil.
El dia de su muerte, 9 de Febrero de 1978 la multitud ocupó varias cuadras a la redonda e interrumpió el tráfico. y seguía llegando la gente y muchos grupos comenzaron a cantar Fatalidad y Nuestro Juramento.
Julio Jaramillo caminó por las mismas calles que nosotros, se guarecio bajo los mismos portales y cantó debajo de los mismos balcones, y aun asi tuvimos que esperar el cariño que vimos en su entierro para comprender el significado que tuvo su vida y su trayectoria musical.
Recien nos dimos cuenta que del error que habiamos cometido cuando lo dejamos partir, de la forma que lo hicimos, a buscar en otros paises el reconocimiento que aqui se le negaba. El artista fue velado en el Palacio Municipal de Guayaquil. Una vez en el Salon de la ciudad se organizó un acto sencillo. El Alcalde Raul Baca no estaba, nadie recuerda tampoco a un concejal, a ningun representante del Gobierno militar.


Julio Jaramillo
Jaramillo es una leyenda y a la hora de calificar a los valores que Ecuador ha tenido a lo largo de esta centuria, sin duda alguna sera considerado como el cantante del siglo.
Nuestro JuramentoCancion que lo hizo famoso y su disco rompió records de venta que aun hoy, habiendo transcurrido mas de cuarenta años, cuesta mucho alcanzar.
De pronto, Ecuador fue mas visible que nunca en el mapa. Desde México hasta Buenos Aires, pasando por Lima y Caracas sus discos estaban de moda.
Julio no se dió cuenta de lo que estaba ocurriendo hasta que llegó a Montevideo y una multitud de fanáticos lo fue a recibir para volverlo a bautizar como Mr Juramento

Su Musica y Canciones

Rondando tu esquina
Un disco mas y Niegalo todo
Odiame
Nuestro Juramento
Juramento
Carnaval de la Vida
Fatalidad
Alma Mia




Mas canciones de
Julio Jaramillo

Colección de Oro

Boleros Inmortales

Si quieres escuchar su música: en esta página JULIO JARAMILLO

Si quiere ir de vacaciones a Ecuador ECUADOR


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Compositor español que contribuyó en gran manera a la creación de la zarzuela española, en oposición a la ópera italiana. Estudio en el conservatorio de Madrid con los maestros Pedro Albéniz y Carnicer. Sus primeros años de músico fueron verdaderamente dificiles, pues muerto su padre siendo él muy joven hubo de ingresar en las milicias como clarinetistas y luego se ganó la vida como pianistas en los cafés, como copista de música apuntador en el teatro y corista. Estos dos últimos oficios le permitieron conocer bien el teatro, y entonces fue cuando se le ocurrio escribir para el mismo. Su primera zarzuela estrenada fue Jugar con fuego (1851); obtuvo tan gran éxito que ella le animó a proseguir en el camino emprendido, y sucesivamente compuso multitud de otras zarzuelas, algunas de las cuales se hicieron rápidamente célebres y han sido representadas innumerables veces, aun en nuestra época; entre éstas destacan Pan y toros y el barberillo de Lavapies. Otra obra célebre de este músico en su monumental antología Cancionerio musical de los siglos XV Y XVI, en el que figuran 459 canciones de varios compositores españoles. En 1859 fundó los Conciertos espirituales En el Teatro de la Zarzuela de Madrid, y posteriormente dirigió otra organización de concierto de música clásica, de los cuales se originó la famosa Sociedad de Conciertos. Fue miembro de las Academias de Bellas Artes y de la Lengua. Es conocidó además, como excelente musicólogo. Publicó en revistas y periódicos numerosos trabajos de importancia sobre temas musicales: Reseña histórica de la Zarzuela, Contestación al maestro Hernando
y Últimos amores. Como compositor su actividad fue muy grande, pues es autor de 77 zarzuelas (que son las obras que más fama le dieron) , obras sinfónicas, motetes, canciones... Editó las comedias de Juan del Enzina. Nació y murió en Madrid (1823-1894).

ZARZUELAS PRINCIPALES DE FRANCISCO A. BARBIERI

Tramoya (1850), Escenas de Chamberí (1850), Jugar con fuego (1851), La hechicera (1852), El Manzanares (1852), La espada de Bernardo (1853), El Marqués de Caravaca (1853), Don simplicio Boadilla (1853), Galanteos de Venecia (1853), Aventura de un cantante (1854), Los diamantes de la Corona (1854), Un día de Reinado (1854), El Sargento Federico (1855), Mis dos mujeres (1855), Los dos ciegos (1855), El vizconde (1855), Gato por liebre (1856), El diablo en el poder (1856), Entre dos aguas (1856), El relámpago (1857), Por conquista (1858), Un caballero particular (1858), Un robo de las Sabinas (1859), Un niño (1859), Compromisos de no ver (1859), Entre mi mujer y el negro (1859), Un tesoro escondico (1861), El secreto de una dama (1862), Los herederos (1862), Dos pichones del Turia (1863), Pan y toros (1864), Gibraltar en 1890 (1865), De tejas arriba (1866), El pavo de Navidad(1866), Revista de un muerto (1866), El rábano por las hojas (1866), El pan de bodas (1868), El soprano (1869), Robinson (1870), Don pacífico (1871), Los holgazanes (1871), El hombre es débil (1871), Sueños de oro (1872), El tributo de las cien doncellas (1872), El proceso del cancán (1873), El testamento azul (1874), El domador de fieras (1874), Los comediantes de antaño (1874), El barberillo de Lavapies (1874),La vuelta al mundo (1876), La confitera (1876), Juan de Urbina (1876), Los carboneros (1877), Artistas para la Habana (1877), El loro y la lechera (1877), El diablo cojuelo (1878), El triste Chactas (1878), ¡ojo a la niñera¡ (1879), Los chichones (1879), ¡Anda valiente¡ (1880), A Sevilla por todo (1880), La filoxera (1882), De Jetafe al Paraiso (1883), Novillos en Polvoranca (1882) y algunas más.


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Dulcimer


Antiguo nombre del timpanon, conservado en la lengua inglesa para designar a este instrumento. los textos de la Edad Media lo mencionan bastante oscuramente y con variantes ortograficas tales como dulce melos , doulx de mer. Se compone de una caja de resonancia trapezoidal , sobre la cual está extendida una serie de cuerdas que el músico golpea con dos palillos. Es considerado como uno de los antecesores del clavicordio y del piano..


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Domingo, 07 de mayo de 2006

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MUSIKALISCHER ALMANACH (Almanaque musical) de 1796

Editado por J. F. Reiichard

BACH (Johann Sebastian) , compositor vocal e instrumental , organista y pianista. Nacido en Eisenach, marzo 21 de 1685, muerto en Leipzig, el 28 de julio de 1750.
Jamás ningún compositor, ni aun los mejores y los más profundos entre los italianos, agotó todas las posibilidades de la armonía como lo hizo este gran artista. Bach empleaba todo el arte armónico adecuado y cada artificio armónico inadecuado , en serio y en broma, con tal audacia y personalidad, que los más grandes armonistas, si hubieran sido llamados para suplir un solo compás que faltara en una de sus grandes obras, no hubieran tal vez estado seguros de suplirlo exactamente tal como Bach lo hiciera.
Sus obras para clave y órgano duraran tanto como duren esos espléndidos instrumentos , representando la más alta escuela para organistas y clevecinistas, así como él, en su calidad de artista ejecutante, era el más excelso modelo para organistas y clavecenistas. Invento la digitación adecuada y segura y el estilo significativo de ejecución, con el cual combinó sabiamente la técnica ornamental de los artistas franceses de su tiempo e hizo asi necesario e importante el perfeccionamiento del PIANO, en cuya tarea estuvo Silbermann tan afortunadamente de su parte.
Sus obras vocales, si bien están llenas de inventiva y de la más sabia composición, y llenas tambien de fuertes y genuinos rasgos en lo que atañe a la expresión , revelan sin embargo una carencia excesiva de buen gusto , de conocimiento del lenguage y de la poesía, y por lo tanto tienen completamente la forma convencional de su época , de modo que dificilmente pueden mantener su validez. Sin embargo tambien ellas permanecerán , para todos los tiempos, como verdaderos estudios para artistas atentos y aplicados y excelentes piezas de ejercicio para coros.


Publicado por bach24111 @ 23:12  | Noticias musicales
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CourtaudImagen

Vocablo que fue aplicado en los siglos XVI y XVII a distintos instrumentos de viento. En Inglaterra y Alemania eran conocidos el courtaud sencillo y el courtaud doble. Sin embargo tanto en Alemania como en Francia se daba este nombre generalmente a un instrumento de viento cilíndrico, rec to, de 60 cm. de largo y de doble lengüeta.


Publicado por bach24111 @ 14:32  | Instrumentos musicales
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Letra en inglés

Jingle Bells
Jingle Bells, Jingle Bells
Dashing through the snow,
In a one horse open sleigh
O'er the hills we go,
Laughing all the way.
Bells on bobtail ring
Making spirits bright.
What fun it is to ride and sing
A sleighing song tonight.
Chorus:
Jingle bells, jingle bells,
Jingle all the way!
Oh what fun it is to ride
In a one horse open sleigh







Jingle Bells.mid




TRIADAS
ARMADURAS
CLAVES
INTERVALOS
NOTAS MUSICALES
PENTAGRAMA

Recordar: teoría musical
Pinchar en las partituras para ver mejor.

José Luis


Publicado por bach24111 @ 12:14  | Partituras
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ImagenEl trompetista de jazz, Roy Eldridge, es a menudo considerado como el instrumentista eslabón entre LOUIS ARMSTRONG, el mejor trompetista de la era del SWING y de la historia del jazz, y el genial Dizzy Gillespie, el trompetista mas representativo de todo el jazz moderno. Aunque ésta consideración pueda parecer un desmerecimiento de los propios logros de Roy Eldridge como músico, lo cierto es que estamos ante uno de los grandes maestros del JAZZ Nació en Pittsburgh, aprendió música con su hermano mayor, el saxofonista, Joe Eldridge. Su primer instrumento fue la batería con apenas siete años de edad, pero desde el principio de su carrera profesional en 1927, adoptó la trompeta como su instrumento. Coleman Hawkins, el gran saxofonista tenor fue su primera y gran influencia. En los años veinte estuvo durante un breve periodo de tiempo en la banda de Fletcher Henderson, posteriormente se trasladó a New York para incorporarse a la formación de Teddy Hill en 1933. Un año mas tarde abandonó el grupo de Hill para trabajar con su hermano pero la experiencia fracasó y volvió con el director de orquesta en 1935, fecha en la que grabó sus primeros discos.

Su excitante forma de tocar le valió el reconocimiento de infinidad de músicos que querían a toda costa tenerlo en sus filas. Así, tras la banda de Henderson entre 1936 y 1937, siguió la de Gene Krupa, un batería absolutamente explosivo que le ayudó a consolidarse como la mejor trompeta de jazz en aquellos años. En 1944 firmó con la orquesta de Artie Shaw, un músico que luchó lo indecible por tener en su grupo blanco a músicos negros. Roy Eldridge, fue victima del racismo y tuvo que dejar la banda a pesar de los esfuerzos de su jefe por persuadirle.

En los años cincuenta, fue fichado por la organización de Norman Granz, y como tantos otros músicos formó parte de numerosos proyectos, giras, conciertos y grabaciones en el entorno del JATP. Allí permaneció hasta el final de su carrera siendo el sello Pablo, propiedad de Norman Granz, testigo de su éxito
De Jazz,vino, y literatura
Roy Eldridge dejó una huella imperecedera en otro trompetistas más jovenes, como Dizzy Gillespie
o Miles Davis, que hallaron en este músico que derrochaba energía y talento una herencia a la que aferrarse y un referente más próximo a la modernidad que el que les ofrecía la casi paternal figura de Armstrong.


Discografía


After You¨ve Gone (un expléndido recorrido a través de la carrera de este mçitico trompetista).

Live in 1955 (con Coleman Hawkins).

Montreux ´77 (con Oscar Peterson)

One Is Never to Old to Swingdddd


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S?bado, 06 de mayo de 2006

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El cuatro

Instrumento de cuerdas punteadas , que se usa principalmente en Venezuela y tambien esn Puerto Rico, parecido a la bandurria.

EL CUATRO



El Cuatro es un instrumento musical típicamente venezolano, de origen llanero, que consta como lo indica su nombre de cuatro cuerdas, las cuales pueden ser de tripa o de nylon, y que se denominan de izquierda a derecha: cuarta, segunda, primera y tercera, pero que musicalmente le corresponde, los nombres de: LA, RE, FA# y SI.

Tiene sus orígenes muy remotos. Aparece en grabados Iraníes y Cretenses en forma ovoidal y cuadrado. Hay quienes afirman que existía para el año tres mil a. J.C., porque se han encontrado instrumentos similares en Egipto los que a su vez son derivados de instrumentos caldeo-asirios. Se le ve aparecer en España a comienzos del siglo XVI con cuatro órdenes. Posteriormente el Maestro Salinas -Maestro de capilla de los Reyes Católicos - le añade la quinta cuerda y, Vicente Espinel -quien estableció la forma estrófica actual de la décima- le agrega la sexta cuerda a comienzos del siglo XVII (conocida como bordon o espinela) dando origen a la guitarra de hoy.

La música de la época era contrapuntística por lo tanto se desdenaba la forma de tocar rasgueado. Fue Carlos Amat, a fines del siglo XVI quien enseñba tañer el cuatro de la manera típica entre nosotros. EI cuatro Ilega a Venezuela con la conquista y entra por la ciudad de Coro, ya que en el siglo XVI era la ciudad más desarrollada del país, donde existía la primera diócesis, arzobispado y música en la Catedral. De Coro pasa a EI Tocuyo, Carora, Barquisimeto, Portuguesa y Barinas. En crónicas de El Tocuyo y Carora se citan tocadores de guitarra o cuatro. Cumaná era la segunda ciudad en importancia y es probable que por vía maritimo-fluvial se expandiera desde allí por toda la Orinoquia. El misionero Jesuíta Miguel Alejo Shabel llegó a Barinas entrando por Borburata y el 9 de abril de 1705 escribe a Miguel Angel Tamborino sus observaciones de 15 días de fiestas en homenaje a Santa Lucía e Inmaculada Concepción. Los cantos se acompañaban con cajas, tamborines, arpas y guitarras.

Algunas de las afinaciones normales antiguas del cuatro son La, Re, Fa#, Si, y Sol, Do, Mi, La en formas ascendentes. Las cuerdas que usaba el cuatrista popular venezolano eran de dudosa calidad, construidas de tripas de animales. Por un motivo mecánico-económico el venezolano cambia la afinación para cuatro rasgueado.


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Jean-Baptiste Lully


Jean-Baptiste LullyJean Baptiste Lully (nacido Giovanni Battista Lulli) (Florencia, 28 de noviembre de 1632 - París, 22 de marzo de 1687), compositor francés de origen italiano, Superintendente Real de la Música de Luis XIV.

Por su talento musical y de organizador, así como de cortesano intrigante, Lully dominó toda la vida musical en Francia en la época del Rey Sol. Fue creador de diversas formas musicales, que organizó o ideó, como la tragedia lírica, el gran motete y la obertura a la francesa. Su influencia sobre el conjunto de la música europea de su tiempo fue grande.


Biografía
Tras su llegada a Francia en 1643, entró como ayuda de cámara al servicio de Mademoiselle de Montpensier, que deseaba perfeccionar sus conocimientos de la lengua italiana.


A la edad de trece años ya manifestó serias dotes para la música, y así aprendió a tocar el violín. Luego se reveló como un excelente bailarín y entró a formar parte de la Grande Bande des Violons du Roi, que se componía de 24 instrumentos. En 1653, Lully bailó con el rey: el Ballet de la Nuit.

Obtiene rápidamente la dirección de una nueva formación: La Bande des Petits Violons. Perfecto cortesano y hábil hombre de negocios, muy pronto se convirtió en el primer compositor de la corte, y sus aires y bailes consagraron su reputación. Apoyado por Luis XIV, llegó a ser compositor de cámara, y finalmente Superintendente Real de la Música.

Naturalizado francés en 1661, se casó algunos meses después con Madeleine Lambert, cuyo padre era el director musical de Mademoiselle de Montpensier.

A partir de 1664, trabajó regularmente con Molière, creando el género de la comedia ballet, sin renunciar por ello a los bailes de cortesanos.

Compró a Perrin en 1672 el privilegio de la Academia Real de Música. Colmado de honores y riquezas, compuso entonces una ópera al año más o menos, sometiendo con su autoridad a todos los compositores dramáticos de su época: Marc-Antoine Charpentier, André Campra, Clérambault.

En 1681, Lully alcanzó el cenit de su carrera, al convertirse en secretario del rey. Murió por una gangrena en París, en 1687, a consecuencia de una herida que se hizo en el pie con su bastón de director de orquesta, una pesada barra de hierro que servía para llevar el compás golpeando el suelo con ella. La fama de Lully se debe principalmente a su contribución a la música religiosa y escénica.

Algunas de sus obras
Algunas de sus primeras obras, de la época en que era sobre todo violinista, y posteriormente compositor de bailes y de aires en estilo italiano son:

Les Amours Déguisés, 1664
La Naissance de Vénus, 1665
Les Muses, 1666
Vienen después las comédies ballets, realizadas en colaboración con Molière:

Le Mariage forcé, 1664
L'Amour Médecin, 1665
Georges Dandin, 1668
M. de Pourceaugnac, 1669
Le Bourgeois gentilhomme, 1670
En la última etapa de su vida, compuso trece tragedias líricas, la mayoría sobre textos de Quinault:

Cadmus et Hermione, 1673
Alceste, 1674
Thésée, 1675
Atys, 1676
Isis, 1677
Psyché, 1678
Bellérophon, 1679
Proserpine, 1680
Persée, 1682
Phaëton, 1683
Amadis, 1684
Roland, 1685
Armide, 1686
Achille y Polyxène, 1687 - incompleta
así como una pastoral heroica

Acis et Galatée 1686


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Viernes, 05 de mayo de 2006
Donde mejor se practica la m?sica. Todo es paz y tranquilidad.
LA SIERRA

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Cuatriapartiturada de do : Escala jónica

error::En la partitura donde pone escala dórica es escala jónica, (escala de do jónica, mayor)(do,re,mi,fa,sol,la,si.)
NOTA:
No sé como va todo esto para que se vean las imagenes bien, llevo solo 4 meses en internet y me cae todo esto muy nuevo.
Procuraré aprender pues hay en música miles de artículos que poner. Soy novato y claro no sé ni bajar mis composiciones sencillas por ahora pero irñe aprendiendo, sobre la marcha.
Perdonar por lo mal que se ven mis partituras.No sé como se pones los midis que hago yo. Ni los mp3. No sé si es que el blog no lo permite. Pero iré indagando poco a poco.Me imagino que todos los que empiezan les pasa lo mismo que a mi.

Pinchar aqui JONICA

DEDOS


Publicado por bach24111 @ 11:46  | Aprendo piano
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Jueves, 04 de mayo de 2006

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Adagio
Ad agio, cómodamente con descanso, lentamente.
Indica el movimeinto de una fragmento musical, sirviéndole a menudo de título. Los clásicos no estan de acuerdo respecto al grado de velocidad que debe tener la ejecución de un adagio .Clementi , contra la opinión general , hace del adagio el más lento de los movimientos , y le sitúa en este órden antes que el largo. Con frecuencia se añade al adagio un calificativo que precisa su sentido ocasional, adagio cantabile, adagio sostenuto (claro de luna de Beethoven) adagio ma non tropo e molto cantabile (<BEETHOVEN: sonata patética, cuarteto op. 127)
. BACHemplea tambien el superlativo adgissimo como por ejemplo en el emocionante coral de órgano : Jesu Leiden, Peine und tod.

Tambien título o denominación que se da a una composición concebida en movimiento lento o adagio, y que en ocasiones es colocada como tiempo lento en las formas sinfónicas., sinfonía, concierto, sonata, cuarteto,constituyendo una de las partes importantes de la obra, que en otras ocasiones, en lugar de adagio se denominan: andante, lento, largo o larghetto. Se da acepción de substantivo a la indicación del movimeinto en que debe ejecutarse la composición.

El término adagio (de origen italiano) es una indicación de tempo, que generalmente va acompañada de una indicación metronómica:

en partituras antiguas: 54 negras por minuto,
en los metrónomos electrónicos: 48 a 66 negras por minuto, y
en partituras actuales: 50 negras por minuto.
El tempo adagio es más lento que el andante (60 negras por minuto) y más rápido que el largo (40 negras por minuto), el grave y el larghetto.

Por extensión, un adagio es una pieza musical cuyo tempo es lento. Generalmente se llama así al segundo o tercer movimiento de una sinfonía o un concierto.


Publicado por bach24111 @ 23:14  | Teoria musical
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Rabel

Instrumento de arco, usado a fines de la Edad Media. A través de la obscuridad y la confusión de los documentos, más bien literarios que musicales, que los mencionan, se le puede creer idéntico a la rubeba, y una de las mejores razones para creer en esta sinonimia es que los poetas aficionados a hacer listas de instrunmentos no nombran a la vez el rabel y la rubeba. Bajo una y otra denominación, el instrumento era una reducción de la antigua viola de arco, pero en él el mástil era la prolongación de la tabla. El dorso era combado, y se aplanaba hasta el clavijero. Para tocar, se sostenia el instrumento como el violín. Llevaba dos o tres cuerdas y, según el texto de Aymeric de Peirac (s. XIX), citado por Du Cange, daba sonidos agudos que imitaban la voz femenina. Una particularidad del rabel, revelada por sus representaciones figuradas del siglo XV, es que el batidor, que era tan ancho como la caja, se avanzaba lo bastante para formar casi una doble tabla. El rabel gozó de gran favor hasta el siglo XVI. Lo tocaban los músicos de aldea en las fiestas populares, y en los bailes y conciertos de corte, los músicos ordinarios del Rey. El invento y adopción del violin(s.XVI) le hicieron caer en completo descrédito. Los tocadores de rabel fueron numerosos en las orquestas de los príncipes, a partir del siglo XV. Lancelot Levasseur era " rabel ordinario del rey" Francisco I en 1523-1535.


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Pulsación

Fenómeno físico descubierto por Sauvier (1700) y estudiado por Helmholtz (1868) cuando se simultanean dos sonidos cuya altura ofrece poca diferencia. Consiste en la producción y regular alternancia de refuerzos y debilitamientos del sonido. Los refuerzos se producen cada vez que las vibraciones de ambos sonidos coinciden a un mismo momento y los debilitamientos cuando los movimientos vibratorios se hallan en su máxima separación. Llámese en frances battement .

En el tocar y tañer instrumentos, la pulsación tiene bastante importancia; tanto es asi que en el piano y en los instrumentos de cuerdas pulsadas, según como son atacadas las teclas o pulsadas las cuerdas, la calidad del sonido ofrece diferencias bastante apreciables.


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El pulso musical:


fotos.miarroba.com


Pulsar: Tocar, golpear



Puntear Tocar la guitarra u otro instrumento semejante hiriendo cada cuerda con un solo dedo.


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Mi?rcoles, 03 de mayo de 2006


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Guitarrón.fotos.miarroba.com


Tiene la misma forma que la GUITARRAsi bien es de mayor tamaño: consta de seis cuerdas , siendo el principal objeto de este instrumento marcar los bajos. Hasta hace poco tiempo era usado en la provincia de Badajoz


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Sarao
Reunión nocturna de personas para divertirse con baile o música.
Notable fue el que tuvo lugar en Valladolid el 16 de junio de 1605 , en el que tomaron parte el Rey y la Reina, danzando pavanas y gallardas, poniendo fin a la fiesta la danza llamada hacha, habiendo merecido el Rey repetidos elogios como perfecto danzarín por su buen aire, compás y destreza, que no tenian igual en su tiempo.


Publicado por bach24111 @ 22:20  | Noticias musicales
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Asi como un concierto no es igual en la ?poca cl?sica que en la rom?ntica, el jazz ha ido reflejando los distintos estados de ?nimo de cada ?poca: La alegr?a del ragtime corresponde a los a?os anteriores a la primera guerra mundial ; el estilo Chicago expresa la intranquilidad de los a?os 20; el swingmaterializa , con sus grandes orquestas, una estandarizaci?n de la vida de los a?os de la depresi?n; el be-bop capta la tensi?n de los a?os 40; el cool expresa la resignaci?n de unos hombres que saben que les amenaza la bomba H; el hard-bop, de finales de los 50 y comienzos de los 60, acusa la protesta, la dureza y la insatisfaci?n contra la discriminaci?n racial. Los 60 traen el free. Naturalmente esta clasificaci?n no suele complacer a los m?sicos del jazz, quienes afirman que elaborar una historia del jazz es matar su propio esp?ritu. El jazz aseguran, vive y muere con su vitalidad, y todo lo que esta vivo, cambia.

EVOLUCI?N DEL JAZZ

1. Variantes corales de signo religioso durante la guerra de secesi?n (1863) Blues y spirituals, canciones de trabajo.

2. Primeros conjuntos instrumentales: Nueva Orle?ns (1900-1920).
Empleo de f?rmulas sincopadas y arm?nicas elementales.
Ragtime, Original Dixieland jazz Band y King Oliver.
3. Aparecen Louis Armstrong y Duke Ellingtong (1920-1930)
Se enriquecen las posibilidades de los instrumentos.
Secci?n r?nmica-percusi?n mucho m?s imaginativa.

4. Gran depresi?n (1930-1940)
Los blancos explotan. comercialmente , los hallazgos del jazz
Chicago Style.

5. Aparece el be-bop (1940-1950)
Charlie Parker

6. Jazz moderno a partir de 1950
Cool-jaz : Lee Kontiz, Lennie Tristano y Gerry Mulligan(blancos).
Miles Davis, Sonny Rollins, John Coltrane (negros).
Free-jazz: Ornette Coleman, Cecil Taylor,
Charlie Mingus
.


Jos? Luis

The jazz master
100 a?os de Swing

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Un paseo por las triadas de dofotos.miarroba.com



Ir a TRIADAS

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Modelo partitura para los ejercicios de piano.
36 compases, primero en la tonalidad DO, sin ninguna alteraci?n.

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Búsqueda MIDI Ingrese nombre del artista o nombre de la canción:
 

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Liszt
.fotos.miarroba.com


Franz Liszt

(Raiding, actual Hungría, 1811-Bayreuth, Alemania, 1886) Compositor y pianista húngaro. Su vida constituye una de las novelas más apasionantes de la historia de la música. Virtuoso sin par, durante toda su trayectoria vital, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista genial, violentamente escindido entre el arrebato místico y el éxtasis demoníaco.

Paradigma del artista romántico, fue un niño prodigio que llegó a provocar el entusiasmo del mismo Beethoven, músico poco dado por naturaleza al elogio. Alumno en Viena de Carl Czerny y Antonio Salieri, sus recitales causaron sensación y motivaron que se trasladara con su padre a París, donde en 1825 dio a conocer la única ópera de su catálogo, Don Sanche, ou Le Château d’amour, fríamente acogida por un público que veía en el pequeño más un prodigioso pianista que un compositor.

En la capital gala conoció a dos de los músicos que habían de ejercer mayor influencia en su formación: el compositor Hector Berlioz con su Sinfonía fantástica y, en mayor medida aún, el violinista Niccolò Paganini. La audición de un recital de este último en 1831 constituyó una revelación que incidió de modo decisivo en la forma de tocar del joven virtuoso: desde aquel momento, el objetivo de Liszt fue lograr al piano los asombrosos efectos que Paganini conseguía extraer de su violín. Y lo consiguió, en especial en sus Estudios de ejecución trascendente.

Ídolo de los salones parisinos, del año 1834 data su relación con Marie d’Agoult, condesa de Flavigny, de la cual nació su hija Cosima, futura esposa del director de orquesta Hans von Bülow primero, y de Richard Wagner después. Su carrera musical, mientras tanto, proseguía imparable, y en 1848 obtuvo el puesto de maestro de capilla de Weimar, ciudad que convirtió en un foco de difusión de la música más avanzada de su tiempo, en especial la de Wagner, de quien estrenó Lohengrin, y la de Berlioz, del que representó Benvenuto Cellini.
La producción de Liszt es muy considerable, y se da el caso de que, mientras como virtuoso desperto la admiración general, como compositor sus obras han dado lugar a discusiones, especialmente sobre sus transcripciones de óperas.
Varias obras de Liszt


Sinfonia del Fausto
Sinfonia del Dante
Varios poemas sinfónicos (Hungría- Hamlet- Die Ideale- Orpheus )
Arreglos para orquesta (4 marchas Schubert- 4 caciones Schebert)
Conciertos (1 en Eb, 2en LA Fantasia húngara, Malédiction..)
Varias obras para piano
Estudios
Rapsodias y melodias nacionales (napolitana- La Marseillaise-)
Liebesträume, 3 nocturnos.
Mazurka brillante
2 polonesas.
Valse impromtu
Via crucis
Gran solo de concert
Romance oubliée
Grande valse de bravura
Transcripciones de obras instrumentales (variaciones sobre un vals de Diabelli- Tarantella de César Cui- seis preludios y fugas de Bach- Obertura para Guillermo Tell de Rossini, primer arreglo- Melodías húngaras dos libros de Schubert-) y muchas más trascripciones.

Transcripciones para óperas
Transcripciones de canciones
Oratorios y otras obras religiosas (La leyenda de Santa Isabel- Chistus, oratorio, Misa de la coronación hungara- 12 motetes o corales- )
Música coral profana
Canciones (55 canciones reeditadas repetidamente en nuevas versiones).
Obras para órgano

Tiene tambien numerosos artículos y ensayos peblicados en periodicos musicales


Publicado por bach24111 @ 9:43  | Autores cl?sicos
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Martes, 02 de mayo de 2006

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Grito

Sonido inarticulado arrancado al hombre por el dolor o las pasiones. El esfuerzo vocal necesario para la produción del grito supera las condiciones normales de la emisión de la voz cantada. Los compositores que lo han introducido en escenas particularmente patéticas lo han indicado, en ocasiones, sin notarlo; así lo hizo Wagner en Tristan e Iseo, acto segundo, escena tercera, en que escribió sobre el pentagrama que contiene la parte de Bargaine: "da un grito agudo"; pero por lo común, el grado en que debe ser proferido el grito fijado por la notación. En algunas obras contemporáneas se observa el empleo de una forma de nota. Debussy figuró con una nota losanjeada el sol sobre el cual Melisande da un grito de espanto al ver a los tres pobres sentados en la gruta ( Pelléas et Mélisande, acto II, escena III). Dukas se sirvió del mismo signo para indicar el grito que dan las seis mujkeres, cuando Ariana rompe la ventana del subterráneo (Ariana y Barba Azul, acto II).

Se da el nombre de gritos a los sonidos vocales en que se diferencian musicalmente las inflexiones de la voz, sin que haya canto propiamente dicho.Tales son los gritos de los mercaderes y de los trabajadores de ciertos oficios, de los cuales han sacado magnífico partido descriptivo los autores de diferente épocas. Ya lo intentaron los contrapuntistas italianosdel siglo XV; en el siglo XVI, Clément Janequin hizo de los "gritos de París" el tejido musical de una de sus más célebres canciones a cuatro voces. Algunos motivos parecidos fueron lo que dió gran éxito a una escena de La Fanchonnette, de Clapisson (1856), antes de que fuesen encuadrados, con un arte maravilloso, en una escena de Louise, de G. Charpentier (1900).

El grito es emisión tambien de cada especie animal. El grito trasmitido por herencia, constituye un lenguage para los individuos de una misma especie. Su elemento primordial inmediatamente reconocible reside en el timbre, pero existe en las especies superiores una construcción melódica y rítmica. Aunque sea difícil reproducirlos musicalmente, los gritos de los animales han sido notados más o menos aproximadamente por numerosos compositores, que los han introducido en sus obras.

José Luis
Diccionario de la música : Michel Brenet edición 1946.


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Falsete

Voz artificial que corresponde en el hombre a la voz de cabeza de la mujer, que aquélla imita. Este timbre especial se produce por una disposición particular de la hendidura glótica, que durante el acto de cantar en falsete, se halla estrechamente cerrada en su parte posterior. Los limites de la voz falsete cambian según los individuos. En las antiguas composiciones religiosas, casi toda la parte del soprano o de contralto era interrumpida por voces masculinas en falsete.



José Luis

Ampliar de Wikipendia

Falsete
El falsetto, o falsete en castellano, es una técnica vocal que se utiliza para alcanzar notas agudas más allá del registro normal del cantante, y también para dar registros agudos dentro del normal, pero con un volumen bajo.

Suele ser una voz menos potente, pero con un efecto sonoro impactante. No sólo se utiliza en el canto clásico, sino también en el "pop" y el "rock".En los graves el falsete recuerda un "hilo de voz", en los agudos (que suenan con más potencia) es una mezcla entre cantante de ópera y cantante de "rock" en un momento álgido de su actuación.

Un ejemplo claro de cantante en España que utiliza el falsete es Camilo Sesto en "Getsemaní"; si se escucha atentamente, en la canción hay tres momentos claros donde hace uso de esta técnica. Otro ejemplo significativo de un cantante que emplea y posee una increíble ejecución de esta técnica es Eric Martin, del grupo de Hard rock Mr.Big

También se refiere al miembro honorifico del llamado "Team Vodka" Raul Povedano por sus historias fantasiosas sobre mujeres agraciadas con el don de la simpatía que no con el de la belleza.



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Equivoco
Facultad de un acorde de pertenecer, sin cambio, a más de una tonalidad. El acorde de do,mi,sol, colocado en el primer grado, es el acorde perfecto de tónica en el tono de do mayor; mas puede ser considerado como acorde de cuarto grado en el tono de sol mayor , de quinto grado en el tono de fa mayor y fa menor, y de sexto grado en el tono de mi menor. Este sentido múltiple , de un mismo acorde , o antifonía , permite la modulación llamada por el equivoco, que
Do,mi,sol : este acorde no tiene ninguna alteración. La tonalidad de sol mayor tiene en la armadura un F#, luego no varía el acorde do,mi,sol, que es el cuarto grado de sol. Fa myor tiene un bemol en la armadura el Bb, tampoco varía el acorde do,mi,sol, y así sucesivamente. Lo que pasa que en según que tonalidad representa diferente grado.IR A.....

TONALIDAD


ARMADURA


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Imagen

ESCALAS
cuatriadasspan>

Rectificar error:

Donde pone subir una nota hacia arriba para completar la cuatriada, son dos notas, (una tercera). Ejemplo: Una triada do,mi,sol ---una tercera será el si. Tercera mayor el si, tercera menor el sib.


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Tenor

En las primeras composiciones armónicas o contrapuntísticas, el tenor era la parte más grave, el bajo de la armonía y del ritmo sobre la cual se disponían las demás voces, motete, triple, cuádruple. Los tenores eran, pues, independientemente de las naturaleza de las voces, melodías o fragmentos para desempeñar el papel de bajo o de parte fundamental. Tal era su signuficado en los siglos XIII y XIV, En aquella época, los músicos obtienen los tenores de dos fuentes: el canto liturgico y la canción profana. Cuando se escogía un tenor profano, en lengua vulgar,se le consevaba el ritmo. Cuando se sacaba del canto litúrgico, el discantor,, como no tenía que preocuparse de un ritmo inexistente, no pensaba más que en la sucesión melódica, cuya simetría rítmica él arreglaba a su manera e imponía al tema una forma modal (rítmica)que antes no tenía. Asi fue cómo los contrapuntístas se acostumbraron poco a poco al trabajo temático. El cantus firmus era trabajado como una materia inerte a la que el obrero da la forma y la vida. A partir de la Edad Media, puede verse que los contrapuntístas se copian mutuamente un mismo tema para tratarlo diferente. Hasta ahora se han encontrado seis formas diferentes del tenor Eius, fragmento del responsorio Stirps Jesse
(atribuido al Rey Roberto)en el manuscrito de Montpellier. Esta costumbre, convertida en ligaduras, ha hecho suponer una ejecución de formas que dan a unos mismos temas los compositores de los siglos XV-XVI.Por lo común los manuscritos sólo llevan la primera palabra del texto del tenor escogido: Aptatur o Haec diesetc. Esta ausencia de palabras, junto con la notación de ligaduras, ha hecho suponer una ejecución instrumental. Es una hipótesis discutible.


Otro significado más moderno de tenor:
Voz masculina elevada, situada sobre el barítono, y que corresponde aproximadamente a la de soprano en las mujeres y niños. Sin embargo, la voz de tenor con relación a las demás voces del hombre, es más elevada que el soprano en relación al agudo. La voz de tenor agudo era calificada antiguamente de contralto.
En el canto eclesiástico , se da el nombre tenor a la dominante del modo, o nota principal, sobre la que reposa o se sostiene la salmodia que se ejecuta.

José Luis.
Diccionario de la Música : Michel Brenet. Primera edición 1946.


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El guitarrista y bajista, John Abercrombie, inició sus estudios musicales a los catorce años, si bien su autentico aprendizaje no comenzó hasta 1962, cuando entró en la Berklee School of Music. Estudió allí hasta 1966, bajo la dirección de Jack Peterson iniciando así una afortunada carrera como sideman y como solista. Después de tocar con el organista Johny Hammond, entró a formar parte de los "Dreams" un grupo de jazz-rock al que pertenecían también el batería Billy Cobham y el trompetista Randy Brecker; mas tarde se unió al batería Chico Hamilton, y al saxofonista Gato Barbieri para actuar en una edición del Festival de Jazz de Montreux.

En 1975 se incorpora al grupo New Directions del batería Jack DeJohnette con quien posteriormente y junto al contrabajista, Dave Holland, funda el grupo "Gateway". Abercrombie colabora también con el trompetista italiano, Enrico Rava, en cuyo grupo actuaría durante un largo periodo de tiempo. Instrumentista virtuoso y creativo, Abercrombie toca también además de la guitarra, el bajo eléctrico y un raro instrumento escasamente utilizado en jazz: la mandolina eléctrica. En mayo de 2003 participó en España en la 22 edición del Festival de Jazz del San Juan Evangelista, junto al organista Dan Wall y al batería Adam Nussbaum.


JOHN ABERCROMBIE


Disco

SOLAR "THE BEBOP ÁLBUM"

Jazz


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Guitarristas de jazz

Jhon Abercombrie

WilliamAckerman
JanAckerman
Laurindo Almeida
Irving Ashby
Roberto Baden Powell
Spencer Barefield
Danny Barker
Everett Barksdale
George Barnes
Robbie Basho
Billy Bauer
Joe Beck
George Benson
Ed Bickert
Toto Blanke
Teddy Bunn
Kenny Burrell
Larry Carlton
Al Casey
Ed Cherry
Don Cherry
Charlie Christian
Cal Collins
Eddie Condon
Ry Cooder
Larry Coryell
Philip Catherine
Bill de Arango
Alex de Grassi
Al DiMeola
Joe Dorio
Ted Dumbar
Cornell Dupree
Eddie Durham
Herb Ellis
James Emery
Ron Eschete
Christian Escoudé
John Fahey
Tal Farlow
Boulou Ferré
Eric Gale
Egberto Gismonti
Freddie Green
Grant Green
Tiny Grimes
Jim Hall
Baird Hersey
Allan Holdsworth
Michael Gregory Jackson
Lonnie Johnson
Rodney Jones
Vic Juris
Barney Kessek
Steve Khan
Earl Klugh
LeoKottke
Vorkel Kriegel
Eddie Lang
Pat Martino
John McLaughlin
Pat Metheny
Wes Montgomery
Oscar Moore
Joe Pass
Les Paul
Bucky Pizzarelli
Roland Prince
Jimmy Raney
Doug Raney
Django Reinhardt
Lee Ritenour
Howard Roderts
Terje Rypdal
Michael Sagmeister
Michael Santiago
John Scofield
Bud Scott
Bola Sete
Jane Shaffer
Sonny Sharrock
Johnny Smith
Les Spann
Johnny St. Cyr
Monette Sudler
Gabor Szabo
Jukka Tolnen
Ralph Towner
James Blood Ulmer
Chuck Wayne
Jack Wilkins
Atilla Zoller


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Lunes, 01 de mayo de 2006


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La letra h

Novena letra del alfabeto introducida en la notación alfabética para representar el si natural, cuando fue abandonada la diferenciación del B rotundus y el B cuadrado o becuadro.


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