S?bado, 30 de septiembre de 2006

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Ballet Nacional de Cuba

Página del Ballet Nacional de Cuba

El Ballet Nacional de Cuba es una de las más prestigiosas compañías danzarias del mundo y ocupa un lugar prominente en la cultura hispanoamericana contemporánea.El rigor artístico-técnico de sus bailarines y la amplitud y diversidad en la concepción estética de los coreógrafos, otorgan a esta agrupación un lugar relevante entre las grandes instituciones de su género en la escena internacional.
La compañía surge en 1948, con Alicia Alonso como principal fundadora y primerísima figura. En 1950 se crea la Escuela Nacional de Ballet Alicia Alonso, anexa a la compañía profesional. Desde los inicios, su línea artística partió del respeto a la tradición romántica y clásica, estimulando al

mismo tiempo el trabajo creativo de coreógrafos que seguían una línea de búsquedas en lo nacional y contemporáneo.

Ya en esta temprana etapa, el montaje de las versiones completas de clásicos como Giselle, El lago de los cisnes o Coppélia, estuvo acompañado de obras procedentes del movimiento renovador de los Ballets Rusos de Diáguilev como Petruschka o La siesta de un fauno; y de ballets creados por coreógrafos nacionales.

El advenimiento de la Revolución en 1959, marcó el inicio de una nueva etapa para el ballet cubano. Ese año, como parte de un nuevo programa cultural, se reorganiza la compañía con el nombre de Ballet Nacional de Cuba, y ha tenido desde entonces un auge vertiginoso, enriqueciendo su repertorio y promoviendo el desarrollo de nuevos bailarines, coreógrafos, profesores y de otros creadores en otros géneros relacionados con la danza, como las artes plásticas y la música. Junto al perfeccionamiento del repertorio tradicional, se ha incentivado un pujante movimiento coreográfico, con obras que se ubican dentro de los más significativos logros de la coreografía contemporánea.

Además de su intensa actividad en Cuba, donde ha logrado proyectar socialmente su arte a nivel popular, el Ballet Nacional de Cuba desarrolla anualmente un programa de giras internacionales, que lo lleva a escenarios de diversos países de Europa, Asia y América. Importantes galardones, como el Grand Prix de la Ville de París y la Orden «Félix Varela», de la República de Cuba, se suman a la aclamación de los más destacados representantes de la crítica especializada y a las distinciones recibidas por sus figuras, de manera individual, en concursos y festivales internacionales.

El Ballet Nacional de Cuba es la máxima expresión de la escuela cubana de ballet, que sobre la base del legado cultural que brindan varios siglos de tradición en la danza teatral, ha logrado una fisonomía propia en la cual esa herencia se funde con los rasgos esenciales de la cultura nacional.


Publicado por bach24111 @ 15:19  | Grupos musicales
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Viernes, 29 de septiembre de 2006
Jueves, 28 de septiembre de 2006
Mi?rcoles, 27 de septiembre de 2006

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Página para aprender . Educación en general



(Eisenach, actual Alemania, 1685-Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera mención documentada se remonta a 1561. Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad, la música rodeó a Bach desde el principio de sus días. A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su vida. Su formación culminó en el convento de San Miguel de Lüneburg, donde estudió a los grandes maestros del pasado, entre ellos Heinrich Schütz, al tiempo que se familiarizaba con las nuevas formas instrumentales francesas que podía escuchar en la corte. A partir de estos años, los primeros del siglo XVIII, Bach estaba ya preparado para iniciar su carrera como compositor e intérprete. Una carrera que puede dividirse en varias etapas, según las ciudades en las que el músico ejerció: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750). Si en las dos primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, sus proyectos chocaron con la oposición de ciertos estamentos de la ciudad y las propias condiciones locales, en Weimar encontró el medio adecuado para el desarrollo de su talento. Nombrado organista de la corte ducal, Bach centró su labor en esta ciudad sobre todo en la composición de piezas para su instrumento músico: la mayor parte de sus corales, preludios, tocatas y fugas para órgano datan de este período, al que también pertenecen sus primeras cantatas de iglesia importantes. En 1717 abandonó su puesto en Weimar a raíz de haber sido nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen, uno de los períodos más fértiles en la vida del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo en el campo de la música orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandemburgo, el primer libro de El clave bien temperado, las seis sonatas y partitas para violín solo y las seis suites para violoncelo solo. Durante los últimos veintisiete años de su vida fue Kantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, cargo éste que comportaba también la dirección de los actos musicales que se celebraban en la ciudad. A esta etapa pertenecen sus obras corales más impresionantes, como sus dos Pasiones, la monumental Misa en si menor y el Oratorio de Navidad. En los últimos años de su existencia su producción musical descendió considerablemente debido a unas cataratas que lo dejaron prácticamente ciego. Casado en dos ocasiones, con su prima Maria Bárbara Bachla primera y con Anna Magdalena Wilcken la segunda, Bach tuvo veinte hijos, entre los cuales descollaron como compositores Wilhem Friedemann, Carl Philipp Emanuel, Johann Christoph Friedrich y Johann Christian. Pese a que tras la muerte del maestro su música, considerada en exceso intelectual, cayó en un relativo olvido, compositores como Mozart o Beefotos.miarroba.comthoven siempre reconocieron su valor. Recuperada por la generación romántica, desde entonces la obra de Johann Sebastian Bach ocupa un puesto de privilegio en el repertorio. La razón es sencilla: al magisterio que convierte sus composiciones en un modelo imperecedero de perfección técnica, se une una expresividad que las hace siempre actuales


Publicado por bach24111 @ 15:54  | Juan Sebastian Bach
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Martes, 26 de septiembre de 2006

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Coral Barañáin
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Página de la coral Barañáin

En Coral Barañáin llevamos 25 años convencidos de que detrás de cada partitura hay una historia que contar y de que las personas necesitamos historias para aprender a vivir y disfrutar de nuestra propia historia. Esperamos seguir haciéndolo dentro de 25 años.

Escuchar credo Missa Coronación de Mozart
Mapa de Barañáin (aqui estás Bañaráin)
Auditorio de Barañáin


Publicado por bach24111 @ 16:38  | Coros
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Lunes, 25 de septiembre de 2006

TRASLADO . EN REFORMAS


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Próximo concierto de El Bis y los Ibéricos el día 7 de Octubre del 2006 en el restaurante Honey Don´t Cry. Para toda la familia, entretenimiento, música en directo, buena comida, buenos precios, . Ven a vernos :
En Cuarte de Huerva, Zaragoza. Av. del Rosario 9.

Llamar al teléfono para encargar mesa.


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Origenes de la rumba catalana
Términos
Apalanque: palabra inventada por el Gato para designar una rumba a ritmo lento, vehículo ideal para sus poemas musicales.

Bulería: palo flamenco de ritmo rápido, utilizado habitualmente como vehículo de los cantes alegres y festeros.

Garrotín: palo flamenco desarrollado inicialmente por los gitanos de Lleida, probableImagenmente vinculable a los cantes de ida y vuelta.

Guaracha: una forma del son cubano, con letras guasonas y alegres, cuya transposición a España es el probable antecedente inmediato de la rumba flamenca.

Layetano: miembro de una tribu íbera contemporánea de Aníbal, asentada en Catalunya. Da nombre a la Vía Layetana, avenida construida a principios del S XX y que cruza el casco antiguo de Barcelona. Onda layetana o música layetana: música progresiva, mezcla de jazz y rock, cultivada en los años setenta y frecuente en la programación de la Sala Zeleste, local sito en Barcelona entonces en la C Platería, cerca de la Vía Layetana.

Palo (flamenco): género musical (dentro del flamenco), como las soleares, los tientos, los tangos...

Pregón: forma musical cubana antigua, incluida entre los sones, derivada de los pregones del mercado con los que se exaltaban las virtudes del género en venta (dulces, fruta, ropa, hierbas medicinales...). Son muy conocidos el manisero, mil veces versionado y compuesto por Moisés Simons, el yerbero que interpretaba Celia Cruz, o el panquelero, de Paulina Álvarez.

Rumba catalana: forma musical derivada por los gitanos catalanes de la rumba flamenca, probablemente a finales de los años cincuenta, con algunas influencias de la música cubana bailable del momento y del rock and roll.

Rumba cubana: designación que cubre una serie de géneros musicales y danzarios cubanos. Inicialmente designaba las fiestas profanas de los negros cubanos, probablemente ampliadas a sus vecinos. Anclada en la música africana, se basa en el canto sobre una base de percusión. Dentro de la rumba cubana destacan tres géneros: el yambú, el guaguanco, y la columbia.

Rumba flamenca: forma musical derivada del son cubano, probable transposición de la guaracha en cafés cantantes de Andalucía (Cádiz y Sevilla). Aunque los flamencólogos puristas la excluyen del árbol flamenco, muchos buenos intérpretes de flamenco las han interpretado históricamente.

Son: género musical cubano que acoge una amplia diversidad de estilos, desarrollado en los años veinte y treinta y caracterizado por su compás de dos por cuatro o tres por cuatro, donde la clave define el ritmo, y del que deriva la rumba flamenca y por tanto la catalana.

Vallenato: forma musical desarrollada en el Valle del Magdalena de Colombia, cerca del Mar Caribe, que suele incluir una fuerte percusión y acordeón. Sus letras cuentan historias locales. Entre sus compositores e intérpretes históricos destaca Rafael Escalona, y de los actuales Roberto Torres y más recientemente Carlos Vives. Muchos vallenatos han sido versionados en rumba.

Ventilador: término difundido por el Gato para designar la forma de tocar la guitarra propia de la rumba catalana, que combina acompañamiento con percusión.

Zeleste: pequeño local musical situado en los años setenta en la C Platería de Barcelona, dirigido por Víctor Jou, con un diseño de interior muy propio, y cuna de la música layetana. Trasladado en los años ochenta a una antigua fábrica del Poble Nou, cerca de la Vila Olímpica, donde puede acoger aforos mucho más importantes, sigue marcando la escena musical barcelonesa.

Visitar la páginaLa rumba catalana


Publicado por bach24111 @ 8:21  | Formas musicales
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Acordes para guitarra de una guaracha



Antigua danza española que parece derivar del zapateado, que se ha conservado en la Amwerica latina y era bailado solamente por mujeres. Se mantienen aún en algunas regiones americanas y se encuentran reminiscencias en tierras napolitanas.
Canto muy popular en la isla de Cuba con caracter y rasgos típicos que le distingue de la guaracha de otras regiones americanas. Su movimiento no es tan vivo como la guaracha andaluza, pero participa de las cualidades y la dulzura del canto español, pues habiendo sido importada por los españoles forma parte del patrimonio musical criollo, siendo la guaracha cubana un canto que, interpretado en cualquier parte del mundo , impresiona por su expresión profunda y melancólica.

Más información en:
Guaracha


Publicado por bach24111 @ 7:59  | Bailes Tipicos
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Domingo, 24 de septiembre de 2006

ESTOY ARREGLaNDO EL BLOG. IR AL BLOG MEJORADO


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En mi pueblo les gusta a la gente la música mucho.
Es el sitio más idoneo para escuchar a Juan Sebastian Bach.


Sediles, mi pueblo
Mapa de Sediles


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S?bado, 23 de septiembre de 2006

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Lionel Hamptol y Louis Amstrong

Como la mayoria de músicos de Jazz, Lionel Hampton llega a su clima cuando actúa en directo frente a un publico. Jamás ningún auditorio fué más entusiasta que aquel que llenó el Pasadena Civic Auditorium la noche en que esta sesión fué grabada.
Rodeado por algunos de sus músicos favoritos LIonel da una de las exhibiciones más libres e inspiradas de su vida: Toda su inmensa y mundialmente famosa musicalidad, su humorismo y su gracia de Showman son captados en plena acción. El disfruto intensamente , Y los que compren o adquieran esta versión lo hará al escuchar este disco.

Mi discografia particular:

Lionel Hampton
and the
Just Jazz All Stars

Discophon S.A. Valencia
Impreso en LIM Esplugas. Año 1973.

Reconstrución expresamente para coleccionistas.


Lionel Hampton, (1909-2002), demostró a lo largo de ocho décadas, ser un verdadero grande del jazz, un músico excepcional dotado de una arrolladora energía para convertir en swing todo lo que su mente creaba. Preñado de vitalidad, con un espíritu siempre inquieto y creativo, elegante y vigoroso al mismo tiempo, Lionel Hampton, fue mientras vivió un músico de extraordinaria calidad.

Además su legado al jazz es imperecedero. Fue el primero en aportar a esta música de un nuevo instrumento nunca usado en el jazz antes de que el lo hiciera y este instrumento fue el vibráfono. Su juventud no fue lo apacible que él hubiera querido y después de deambular junto a su familia por varias ciudades, llegó a Chicago en 1916 y su instrumento entonces era la batería. En la ciudad del viento, se integró en la banda de Jimmy Bertrand, denominada: "Chicago Defender Newsboy's Band". Profundizó su interés por el jazz y por la música y comenzó a trabajar en varias locales de segunda categoría y en bandas de escaso renombre como la de Curtis Mosby o Paul Howard pero le sirvieron para ganar experiencia y madurez.

Con esta última formación se trasladó a California en 1928 y allí se unió a la formación de Les Hite, durante el tiempo que esta banda actuaba de telonera de la orquesta del gran Louis Armstrong en Los Ángeles. Fue en uno de esos encuentros con Louis Armstrong, cuando este le animó a que tocara en uno de sus conciertos el vibráfono y desde entonces y dado el gran éxito que tuvo, Hampton, abandonó para siempre la batería y adopto el vibráfono, el instrumento con el que pasaría a la historia del jazz.

En el verano de 1936, el recientemente proclamado "Rey del swing", el clarinetista y director de orquesta, Benny Goodman, presenció una actuación en directo de la banda de Hampton en un local de Los Ángeles y le convenció para que se uniera al pequeño grupo que había formado. Hampton formó desde entonces en las históricas formaciones en trío y cuarteto de Benny Goodman, junto al pianista, Teddy Wilson y el batería, Gene Krupa, que Goodman inmortalizó en sus conciertos en directo , en las emisoras de radio y en las giras por todos los Estados Unidos. Con Goodman estuvo cuatro años hasta que decidió, ya con un reconocimiento internacional por su música, formar su propia banda de jazz, una formación que siempre estuvo entre las mejores de su tiempo y por la que pasaron enormes instrumentistas que hicieron historia a lo largo del tiempo: Clifford Brown, Charles Mingus, Dinah Washington, Illinois Jacquet o Dexter Gordon, entre otros.

Su banda se mantuvo unida y en activo a lo largo de varias generaciones, sus visitas y giras por los festivales y clubes de jazz de todo el mundo eran siempre garantía de éxito y de swing y tiene el honor de haber sido la orquesta de jazz que ha permanecido mas tiempo en activo de toda la historia del jazz. Desde el punto de vista de la música, son imperecederos algunos temas que se han convertido en standars clásicos de esta música y cabe destacar: "Flyng Home" "Hots Mallets" o "Hamp's Boogie Woogie".

Lionel Hampton, falleció a finales del verano de 2002, y con él se fue uno de los grandes creadores del jazz de todos los tiempos.

Cortesia de Apoloybaco. Jazz, vino y literatura. (mis enlaces)


Publicado por bach24111 @ 12:28  | Jazz
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Viernes, 22 de septiembre de 2006

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Tostada Mozart.
Tostada en honor a Mozart.
Tostada cojonuda trigueros gambas ,2 huevos, con fondo paté de pato.



1. Tostar una rebanada de pan de hogaza, de unos 30 cm. un palmo grande.
2. Freir unos trigueros y unas gambas (venden triguero congelados en cualquier tienda especializada. En el Corte inglés por ejemplo. Hacerlo a fuego lento, sino se ´quemarán y no se freiran correctamente.
3. Untar el pan una vez tostado, con paté de pato, o de oca, o mousse de pato a vuestra elección.
4. Freir dos huevos de gallina a poder ser y si son de granja mejor. El aceite mejor de oliva y si teneis de Sediles mejor todavia, Sediles es mi pusblo donde hacen un aceite extraordinario. Sediles: provincia de Zaragoza en España. Tiene una casa rural muy buena, el pueblo está en una sierra , termina la carretera y tiene 90 habitantes, 91 cuando voy yo.
5. hechar los trigueros encima de la rebanada de pan, los huevos, y a comer. Si quereis hecharle un punto de pimenton picante, y aceite de freir los huevos encima quedará mucho mejor.
6. A comer, con vino de cariñena, que es mi tierra o vino de la rioja, o vino de tu país o tu región, sobre todo tinto.

7. Y por fin después de comer la tostada y beber esos caldos, escuchar un concierto de mozart por ejemplo el concierto Emperador.

Video Mozart. Ir a esta página extraordinaria.


Publicado por bach24111 @ 18:20
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Tapita de queso azul:

Cortar queso azul , ensartar un palillo, tostar pan y a comer.
Azul Bergader. Azul picon . Azul francés. Cabrales. Rockefort , podeis hacer tapitas con un queso de diversos paises.


Publicado por bach24111 @ 13:57
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Jueves, 21 de septiembre de 2006

No funcionan URL. PAGINAS ANTIGUAS O SUPRIMIDAS


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Gran página de música clasica. Autores, con melodías en mp3 (sólo el primer tema, para recordar como es la obra), biografias etc, o sea una muy buena página para los que nos gusta la músia clásica.

Música clásica


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Escuchar un fragmento del Adagio de Albinoni:

Adagio Albinoni. Mp3

Albinoni, Tomaso
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Radio Beethoven


Fecha de Nacimiento: 1671-6-14 en Venecia
Fecha de Muerte: 1751-1-17 en Venecia

Nacionalidad: Italiano

Período: Barroco



Biografía:

Hijo de un rico mercader de papel que poseía varias tiendas en Venecia y algunas propiedades, Tomaso aprendió desde pequeño a tocar violín y a cantar. No se sabe quienes fueron sus profesores (se ha mencionado el nombre de Legrenzi). A pesar de su talento no quiso buscar algún puesto en la iglesia o en la corte, prefiriendo mantenerse como un “diletante”, un hombre independiente que disfrutaba y deleitaba haciendo música. Como compositor tuvo un primer contacto con la música religiosa. Una misa para tres voces masculinas sin acompañamiento es la única obra que sobrevive de esa época (el Magnificat en sol menor atribuido a él es de dudosa autenticidad).

En 1694 tuvo dos éxitos en los campos musicales para los cuales probablemente había sido preparado. Una ópera (Zenobia, Regina de Palmireni) fue escenificada en el Teatro San Giovanni e San Paolo a comienzos de 1694. Y su Op.1, doce sonatas en trío, fue publicado por Sala. La música instrumental para conjuntos (sonatas y conciertos) y la música vocal secular (óperas y cantatas solistas) fueron las dos áreas muy activas dentro de una carrera notablemente extensa. Se ha sugerido que Albinoni sirvió brevemente como músico de cámara a Ferdinando Carlo di Gonzaga, Duque de Mantua. La única evidencia de esto aparece en la página titular de sus Sinfonie e Concerti a Cinque Op.2 (1700) como “servo” del duque beneficiario de la obra.

Albinoni probablemente conoció a Ferdinando Carlo en una de las frecuentes visitas del duque a los teatros venecianos. Las obras teatrales de Albinoni pronto comenzaron a ser escenificadas en otras ciudades italianas, siendo la primera “Rodrigo in Algeri” (Nápoles, 1702). Visitó Florencia en 1703 para dirigir presentaciones de una nueva ópera, “Griselda”, y posiblemente pasó un tiempo allí para dirigir otra ópera, “Aminta”, unos meses más tarde. En 1705 se casó con la soprano operática Margherita Rimondi de Verona (o quizás Salara ya que era apodada “La Salarina&rdquoGui?o. En 1699, cuando ella tenía cerca de quince, apareció en “Amor per vita” de Draghi en San Salvatore, Venecia. Después del matrimonio continuó apareciendo intermitentemente en escena (a pesar de tener seis hijos) y viajó incluso a Munich, donde cantó en “Lucio Vero” de Torri en 1720. Ella murió en 1721.

El padre de Albinoni falleció en 1709 y Tomaso heredó parte de un negocio cuyas ganancias compartía con sus hermanos menores, quienes estaban a cargo del manejo. Esta renuncia a los derechos y responsabilidades normales de un hijo mayor refleja la total dedicación de Tomaso a la música. Desde 1721 recibió pocos ingresos de su familia, ya que el negocio fue adquirido tras un proceso legal por un antiguo acreedor de su padre. En 1722 su carrera musical alcanzó su clímax. Recién había compuesto una serie de doce conciertos, su obra más imponente a la fecha, y la dedicó al Elector de Bavaria, Maximilian Emanuel II. Entonces fue invitado a Munich para supervisar presentaciones de su ópera “I veri amici” y una obra escénica menor “Il trionfo dell’amore”, ambas para celebrar el matrimonio de Karl Albert, el príncipe elector, con Maria Amalia, la hija menor de José I.

Desde la década de 1720 las óperas de Albinoni se interpretaron con frecuencia fuera de Italia, aunque en muchos casos eran adaptadas para adecuarlas a las necesidades locales. “Vespetta e Pimpinone” , un intermezzo que había aparecido originalmente con “Astarto” en 1708, alcanzó especial popularidad. Sin embargo, Albinoni fue componiendo cada vez menos obras nuevas tanto en el ámbito operático y en el instrumental. Parece que decidió retirarse en 1741 y, tras pasar un extenso periodo postrado en cama, falleció a comienzos de 1751.

La asociación de Albinoni con otros músicos fue muy limitada durante su carrera. Una sonata para violín dedicada a Pisendel apunta a un posible encuentro entre ambos en 1716. Sus relaciones con un representativo sector de la nobleza europea, sin duda motivadas por un deseo de crecimiento personal, fueron mucho más frecuentes. A las ya mencionadas se puede agregar aquella con el patrón de Corelli, el Cardenal Pietro Ottoboni, receptor del Op.1, Fernando III, Gran Príncipe de Toscania (Op.3), el tío de Ferdinand, el Cardenal Francesco Maria de Medici (Op.4), el conde Christian Heinrich von Watzdorf, un amante de la música residente en Roma (Op.8), Don José Patino, un comandante militar español (Op.10). Para los onomásticos del emperador Karl Vi y su esposa, Elizabeth Christine von Braunschweig-Wolfenbuttel, Albinoni compuso la serenata “Il nome glorioso in terra, santificato in cielo” (1724) y el pastoral “Il nascimento dell’aurora” (c1710).

Su producción fue inmensa. El libreto de su penúltima ópera “Candalide” (1734) está indicado como su número 80. Solamente algunas de sus más de 50 óperas se conocen a través de libretos o de partituras que se han conservado. Las cantatas para voz solista suman más de 40. 79 sonatas para uno a seis instrumentos y continuo compuestas en estilos litúrgico, de cámara o mixto, 59 conciertos y 8 sinfonías.

La reputación de Albinoni ha fluctuado, pero probablemente hoy es mayor de lo que fue en cualquier otra época exceptuando su propio tiempo, cuando su música instrumental era solicitada en todo Europa, sobretodo entre amateurs, y era equiparada con la de Corelli y Vivaldi. Las cantatas solistas eran igualmente populares pero muy pocas se publicaron. Bach basó cuatro fugas para teclado sobre temas del Op.1 de Albinoni (BWV.946, 950, 951, 951ªGui?o y empleó otras obras como material de enseñanza. J.G.Walter transcribió dos conciertos del Op.2 para órgano.

Las primeras obras instrumentales de Albinoni fueron reeditadas y reimpresas muchas veces en las primeras décadas del siglo. Extractos, por lo general mutilados, abundan en manuales contemporáneos para enseñar violín. Probablemente fue el primer compositor en emplear de manera consistente el ciclo de tres movimientos dentro del concierto y popularizó los finales fugados. Sus conciertos para oboe Op.7 fueron los primeros de su tipo en ser publicados por un compositor italiano. Albinoni poseía un notable talento melódico (lo que mantuvo a sus óperas con gran popularidad mientras las de otros perdían acogida), un seguro manejo del medio y otros elementos que le acercaron más a los neo-corellianos que a sus colegas venecianos. Este equilibrio de forma y contenido alcanzó su plenitud en las partituras de su temprana madurez tales como los ballettos (o sonatas de cámara) Op.3 y los conciertos Op.5.

En resumen, el gran logro de Albinoni fue la pronunciada individualidad de su música, la que probablemente se benefició del cierto aislamiento de su vida. Sin duda, todas sus ideas fueron muy propias y originales.

Radio Beethoven: escuchar música clásica. (enlaces)


Publicado por bach24111 @ 15:40
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Mi?rcoles, 20 de septiembre de 2006

NO FUNCIONAN LAS URL


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Original analisis de una fuga en sol menor de Bach.
Com movimiento de las notas, según las voces, partes de la fuga, y que hacen.


Publicado por bach24111 @ 17:19  | Juan Sebastian Bach
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NO FUNCIONAN LAS URL.


HAN CERRADO LAS PAGINA


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En esta página encontrareis una lista de las obra imprescindibles para comenzar una colección de música clásica. Yo no estoy muy de acuerdo con esta lista, pues para los que comienzan ha puesto autores complicados de entender. Yo empezaria por lo más antiguo, escuchando música medieval, motetes a dos y tres voces, canciones madrigales, escogiendo autores de aquella época, luego eligiria autores del renacimiento hasta llegar al barroco y a partir de aqui con Mozart , Beethoven, Schuman (importante), para ir luego a chopin, bueno y me dejo unos cuantos, pero es importante primero escuchar música antigua para ver la evolución que ha tenido la música a traves de los tiempos, no os olvideis de escuchar canto gragoriano con aquellos melismas inacabables.
Es mi opinión particular, ya pondré un artículo con las 100 obras imprescindibles para comenzar a entender la música clásica, y tambien necesita una explicación como hay que escucharla no vale decir que bonita esta obra, si no sabes si es un concierto, un cuarteto, una fuga, si es un vals, si es de esta o aquella época, el autor , etc.....



Publicado por bach24111 @ 17:03
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Martes, 19 de septiembre de 2006
Lunes, 18 de septiembre de 2006
S?bado, 16 de septiembre de 2006

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La escala fa mayor en la tonalidad de fa mayor es el primer grado, jónico, la armadura tiene un si bemol
ERROR :EN LAS TRIADAS DONDE PONGO B ES Bb PUES EN LA ARMADURA HAY UN BEMOL EN LA LINEA DEL SI LUEGO HAY QUE PONERLE AL SI UN BEMOL.




Publicado por bach24111 @ 0:25  | Acordes--cuatriadas
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Viernes, 15 de septiembre de 2006

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Página oficial de Cantus Firmus

El Cantus Firmus es un coro independiente creado en Brasilia, en 1992, por la directora Isabela Sekeff y que ya se destaca como uno de los mejores coros de la capital de Brasil.

El repertorio del coro es de lo más ecléctico y variado, abarcando desde canciones folclóricas brasileñas y latinas hasta la música sacra y erudita, pasando por el gospel, el jazz y la música de cámara.

Su formación inicial tenía por objetivo hacer exclusivamente trabajos de fondo social por medio del Canto Coral: Cantando en instituciones benéficas, especialmente en orfanatos, el grupo desarrollaba un trabajo de vivencia musical con los niños. Su primera representación fué en el día 31 de mayo de 1992 en la guardería Casa do Caminho, en Ceilândia, ciudad pobre de la periferia del Distrito Federal.

A partir de allí, el proyecto fue ganando neuvas dimensiones, y el grupo empezó a presentarse también en distintas ciudades en Brasil y en el exterior. En 1997 y 1999, el Cantus Firmus fue seleccionado como único representante de Brasil en el Festival 500, en Canadá, un evento inicialmente organizado para conmemorar los 500 anos del descubrimiento de Canadá por los ingleses, y que ha contado con la presencia de corales de todo el mundo además de celebridades como la Reina Isabel de Inglaterra.

En este mismo festival el Cantus Firmus tubo la oportunidad de participar de una master class con el grupo vocal inglés The King’s Singers.

El primer CD del Cantus Firmus, una recopilación de la primera etapa del grupo, tubo su lanzamiento en Brasilia en 1999. En octubre de 2004 el grupo grabó su segundo CD, con lanzamiento en junio de 2005.

He escuchado vaios fragmentos de sus obras y me parecen bastante interesante. Este es un fragmente desde su página de verano porteño de Astor Piazzola


Publicado por bach24111 @ 14:38  | Coros
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La mano derecha hace una contestaci?n de la mano izquierda.
Usa la escala diat?nica de do. Notas: do,re,mi,fa,sol, en las dos claves , clave de fa (mano izquierda) , clave de sol (mano derecha). Tonalidad de do ( ninguna alteraci?n en la armadura).




Publicado por bach24111 @ 14:05  | Aprendo piano
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Este libro hay que tocarlos todos los días para los que empezamos a tocar el piano. Me han recomendado que tocara todos los día los ejercicios que tiene. Se recomienda para la agilidad de dedos, para adquirir velocidad, para saber estar en el piano, concentración de lo que haces. Es muy bueno para la mano izquierda, que se siente perezosa, asi la trabajas con estos ejercicios y con un poco de tiempo estudiando se hace más ágil.Sobre todo trabajan los dedos cuarto y quinto que son los más perezosos. Para personas como yo que somos amater en el piano nos va a servir de mucho, y se logra después ejecutar algún estudio de más dificil ejecución.
Con este libro se aborda los problemas de digitación perfectamente que es lo que más nos lleva de cabeza, sobre todo a mi. Se necesita para empezar estudiar los ejercicios que voy poniendo y en un año ya se podría empezar, los que están más avanzados ya podrian empezar.
Normalmente se vende en la librerias especializadas en música clásica , y por internet hay mucho sitios.


Publicado por bach24111 @ 11:51  | Aprendo piano
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Thelonious Monk

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Jazz ,vino y literatura.


Publicado por bach24111 @ 10:05  | Jazz
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Jueves, 14 de septiembre de 2006

ARTICULO MEJORADO EN MI NUEVO BLOG. IR BLOG


cursopianogratis.com



JUAN SEBASTIAN BACH. SU HERENCIA

FUENTES

En este ensayo sobre la figura de Juan Sebastián Bach, veremos cual ha sido la influencia de éste en los demás compositores de la historia. Aunque murió sin conocer el éxito, cuesta pensar en una música más admirada o más influyente que la suya. De Mozart a Schönberg, de Brahms a Strauss, de Beethoven a Shostakovich, muy pocos han sido los compositores que no han rendido su tributo de admiración en una forma u otra.

Sus propios hijos fueron, cada uno en su estilo, sus primeros continuadores de su obra: Wilhelm Friedemann Bach, llamado el "Bach de Halle", siendo el más enigmático de sus hijos, fue también uno de los más dotados. Su música, original y a veces sorprendente, sigue siendo uno de los más bellos testimonios del estilo "moderno" y "sensible" del siglo XVIII. A pesar de que le atraía el nuevo lenguaje, Wilhelm estuvo muy influido por la obra de su padre, fundiendo así en su música, elementos conservadores y modernos, teniendo por tanto, un estilo muy personal y un gran temperamento.

Carl Philip Emanuel fue el Bach más famoso de su tiempo, llamado también el "Bach de Berlín". Aunque discípulo de su padre, adoptó la nueva escritura llamada estilo galante e hizo muchas innovaciones para dar vida a la Sonata, que empezaba a decaer. No en vano ha sido considerado como el padre de la Sonata clásica y, aunque nunca abandonó la tradición heredada de su padre, sí buscó su estilo original, y entre sus más importantes innovaciones se encuentran el haber sustituido el estilo fugado por el estilo libre o galante, el establecimiento de la segunda melodía en el primer tiempo, la importancia de las partes medias, etc. Aunque su melodía no alcanza gran altura, el ritmo y la armonía imprevista dan un sabor peculiar a su obra.

Johann Christian, llamado el "Bach de Londres" o "Bach de Milán", no recibió especial influencia de Johann Sebastian ya que, aunque trabajó con su padre cuando era muy joven, su primer y verdadero maestro fue su hermano Carl Philip. Destacó más en ópera, género musical que su padre había desdeñado. Mozart lo consideraba el mayor genio musical del siglo.

El influjo de Bach sobre compositores posteriores se basa principalmente en tres grandes pilares de los que el músico barroco puede considerarse como un auténtico maestro: la ornamentación, la fuga y la variación. Aunque ya los maestros renacentistas usaron la ornamentación en gran parte de sus composiciones, en toda la obra de Bach los ornamentos están presentes en forma de notas de adorno, apoyaturas, grupetos, trinos, etc, y todos los compositores venideros (Haydn, Mozart, Beethoven, Chopin) los han utilizado basándose en ellos.

Después de Bach, la fuga casi desaparece durante el siglo XVIII en favor de la Sonata, entonces triunfante, y sólamente la emplearon algunos maestros como forma arcaica. El temperamento de W. A. Mozart se prestaba poco para cultivar este género, pero a pesar de ello compuso alguna para clave, además de un final fugado para pequeña orquesta, que figura en su Galimatías musical compuesta a los doce años, y la más famosa, la del Kyrie de su esplendoroso Requiem. Pero sin duda sus modelos fueron Carl Philip Emanuel, tal y como reflejan sus sonatas, y su hermano Johann Christian, cuya impronta es patente en la Fantasía y Fuga en do menor.

Si bien las primeras sonatas de L. van Beethoven están impregnadas del "estilo galante" de C. P. Emanuel Bach y de los elementos y formas de Haydn y Mozart, en la construcción de las fugas, siendo inferiores a las de Bach, queda patente la influencia de éste aunque con más expresividad y dramatismo. Beethoven incorpora las fugas a sus grandes obras, empleándola como desarrollo o como pieza independiente. El final de la Sonata Op. 110 es sin duda la fuga más bella que se ha escrito después de las del maestro barroco.

Bach fue el primer minimalista de la historia: con motivos muy cortos, de tan sólo cuatro notas a veces, que se repiten, se entrecruzan, se multiplican, cambian de armonía, etc, establece el "Tema con Variaciones", género adaptado por muchos compositores aunque ya anteriormente aparece en algunas obras de compositores renacentistas con el término "diferencias", que son variaciones propiamente dichas. Después de las Treinta variaciones sobre un aria en sol (Variaciones Goldberg) tenemos las Variaciones para clave de Haendel o los Andante con variaciones de Mozart o de Beethoven y los Estudios Sinfónicos en forma de variaciones de Schumann. Con respecto a la ampliación temática o gran variación, Bach es el pionero tal y como lo refleja en sus corales. El Coral variado es la manifestación más antigua que se conoce de la ampliación de un tema. Bach compuso nueve corales con ampliación, y aunque después de él este genero caería en desuso, Beethoven, en el último periodo de su vida, volvió a emplearlo, dando así a la gran variación todo el valor musical que ningún compositor había dado desde J. S. Bach, tal y como lo demuestra en sus 32 variaciones sobre un vals de Diabelli.

En el periodo romántico fueron varios los autores que compusieron obras relativas a Bach como Robert Schumann, quien desde 1845 se dedica al estudio de las obras de aquél (el Clave bien temperado era su pan cotidiano), de lo cual resulta una serie de obras contrapuntísticas: Estudios Op. 56 y Bocetos Op. 58 para piano de pedales, 6 Fugas sobre el nombre B.A.C.H. Op. 60 para órgano y 4 Fugas Op. 72 para piano.

Ya dijimos en el anterior arículo que Felix Mendelssohn dirigió en 1829 la Pasión según San Mateo, haciendo resurgir con ello la obra de Bach. Sentía verdadera veneración por el genio alemás y, tras instalarse en Leipzig, la influencia de éste fue cada vez mayor. Compone los Preludios y Fugas Op. 35 para piano y el Op. 37 para órgano, inspirados en corales y fugas barrocas y logrando una síntesis de polifonía y estilo pianístico libre. Asimismo compuso dos Oratorios (el de San Pablo y Elías) que son una verdadera imitación bachiana.

Franz Liszt compuso las Variaciones sobre la Cantata BWV 12, cuyo tema principal proviene del primer coro de la mencionada Cantata, y con un bajo ostinato que no es otro que el Crucifixus de la Misa en Si menor de Bach. Otra de sus grandes obras es la Fantasía y Fuga sobre el nombre de B.A.C.H (1855), cuya adaptación pianística hecha en 1871 no ha destronado la versión original que pertenece plenamente al universo del órgano.

Pero sin duda la fuga romántica más importante es la de César Frank en su Preludio Coral y Fuga en la que no sólo hace un homenaje en la fuga sino que el preludio y el coral están inspirados en el último coral de la Pasión según San Juan.

Ferruccio Busoni, pianista y compositor italiano, que consideraba a Liszt como el Omega del piano siendo Bach el Alfa, emprendió con 22 años un monumental trabajo: la transcripción para piano de todas las obras para órgano de Bach. Una de sus piezas más importantes es la Fantasía contrapuntística sobre la última obra inacabada de J. S. Bach. Se refiere a la última fuga de El arte de la Fuga.

Rimski-Korsakov, compositor ruso del siglo XIX, compuso varias fugas y 6 variaciones sobre B.A.C.H. Op. 10, escritas en 1878. Esta obra se compone de Vals, Intermezzo, Scherzo, Nocturno, Preludio y Fuga. De escritura interesante, el tema es generalmente utilizado en "cantus firmus" a diferentes voces.

Camille Saint-Saëns, compositor francés del XIX, rinde homenaje a Johann Sebastian con sus 6 Fugas Op. 161, obra tardía de una rigurosa arquitectura. El músico Max Reger, en su obra Variaciones y Fuga sobre un tema de B.A.C.H. Op. 81 desarrolla el tema tomado de la Cantata BWV 128. Se trata de 14 variaciones concebidas dentro de la tradición de las Variaciones Goldberg.

Ya en el siglo XX tenemos al compositor ruso Dimitri Shostakovich, quien en 1951 compuso un ciclo de 24 Preludios y Fugas Op. 87 en homenaje a Bach, tras haber asistido a los conciertos del bicentenario del nacimiento de éste en Leipzig. En un concurso organizado para celebrar el evento, la pianista Tatiana Nikolaeva interpretó los 24 Preludios y Fugas de Bach. Shostakovich, que era presidente del jurado, le otorgó el primer premio y se inspiró en esta obra para componer la suya. Este es el primer ejemplo de este género en la música rusa. Aunque es un homenaje a El Clave bien temperado, Shostakovich procede de manera diferente en cuanto al orden de las tonalidades: mientras Bach progresa por semitonos cromáticos, haciendo suceder el mayor y el menor de cada grado (do mayor, do menor; re bemol mayor, do sostenido menor; etc), Shostakovich guarda el orden del círculo de quintas con la alternancia del mayor y su relativo menor. Las fugas son a dos, tres, cuatro y cinco voces, y dos fugas dobles. Terminada la composición en la primavera de 1951, la estrenó Nikolaeva en diciembre de ese mismo año en Leningrado. De esta obra diría el mismo Shostakovich -uno de los músicos del siglo XX más cercano a Bach-: "he vuelto al formalismo. Bach es imbatible en su terreno. Nosotros solo podemos superarlo en rebeldía furiosa y desgarro interior".

Béla Bártok, compositor húngaro, compuso a los cuarenta años los 6 cuadernos del Mikrokosmos : 153 piezas de un valor pedagógico sin rival desde las Invenciones y Preludios y Fugas de Bach. Los comentaristas nunca han omitido el completamente justificado paralelismo con el Clavierbüchlein, escrito dos siglos antes por J. S. Bach para su hijo W. Friedemann, y con los 12 Pequeños preludios para los principiantes. Aunque hay similitud en las formas (canon, coral, variación, etc) hay que señalar una gran diferencia de inspiración: los temas del Mikrokosmos están basados en melodías del folclore de la Europa central y oriental. Los números 79 y 91 son un claro homenaje al compositor alemán. Su obra Nueve pequeñas piezas compuesta en 1926 está dividida en tres cuadernos, y en dos de ellos muestra por primera vez, al igual que en su Concierto, la fuerte influencia del contrapunto lineal de J.S. Bach. El primer cuaderno especialmente se compone de Cuatro diálogos, que son en realidad cuatro auténticas invenciones a dos voces. El segundo cuaderno contiene un Minueto y un Aire cuya polifonía no sólo recuerda a Bach sino que se remonta hasta Frescobaldi.

Heitor Villa-lobos, compositor brasileño nacido 1887, sintió una sincera admiración por Bach. Desplegó una intensa actividad musical, no sólo como compositor sino también como pedagogo, y organizó grandes conciertos que hicieron descubrir a sus compatriotas las obras corales de Johann Sebastian. Sus nueve suites tituladas Bachianas brasileiras funden el idioma musical del músico barroco con los poderosos ritmos y melodías de la música tropical. Utilizando instrumentos nativos del Brasil en unas, el violoncello o el coro en otras, el resultado de todas ellas es un conjunto de piezas basadas en las cantatas bachianas de una belleza singular. Tienen doble título: por un lado y evocando al barroco las denomina Adagio, Fuga, Aria, Preludio, Toccata, etc, y por otro, aludiendo a la música popular añade Mouriña, Ponteio, Desafío, etc. Villa-lobos organizó orfeones masivos de 11.000 y hasta 40.000 cantores para acercar Bach a los niños de la calle. Por deseo del propio compositor hoy día la música de Johann Sebastian es parte imprescindible de la enseñanza musical en Brasil. En el Museo Villa-lobos de Río de Janeiro se imparten clases gratis dos veces en semana para que los niños pobres accedan a la música: cantatas y corales, choros y bachianas conviven en sus atriles.

Arnold Schönberg, compositor vienés, fue el fundador de la segunda Escuela de Viena junto con Alban Berg y Webern. Dentro de sus Piezas Op. 23, la primera, titulada Sehr langsam, es una auténtica invención a tres voces en la que la voz intermedia traspone la notación de las letras B. A. C. H. La pieza, en su recorrido, desarrolla un contrapunto cromático de una soberana soltura.

El pasado día 6 de octubre, la segunda cadena de TVE emitió un documental muy interesante titulado "En clave de Bach", en el cual se le relacionaba con compositores como los ya citados Shostakovich y Villa-lobos así como con el pianista de jazz Jacques Loussier. Bach fue el primer improvisador de renombre en la música culta. Desde 1959, con ese mismo espíritu, el pianista francés improvisa con su trío a ritmo de swing sobre las partituras del gran maestro de la improvisación. Las Variaciones Goldberg las ha trasformado en jazz porque le ha inspirado la primera página que dice: "treinta improvisaciones sobre un tema", recargándolas con más ornamentos, añadiendo un bajo y una batería, cambiando las manos, variando el tempo, en definitiva, hermanando barroco y jazz -estilos de los siglos XVIII y XX- sobre un escenario. Otros intérpretes, como The Swingle Singers, Ludovica Mosca y Manel Camp, y el pianista Uri Caine traducen la música del cantor de Leigzip al lenguaje del jazz.

El siglo XX, siglo de la imagen, no sólo ha necesitado reescuchar a Bach, sino verlo en movimiento. En el documental citado, la compañía de danza del bailarín Nacho Duato se expresa en el escenario al son de las notas de una adaptación de El arte de la fuga, así como del Concierto para cuatro claves, cuya coreografía dispone a los bailarines simulando ser notas musicales que se mueven dentro de un pentagrama sobre una imaginaria partitura de Bach. Su música se ha reinterpretado más de una vez; incluso el grupo británico The Beatles utilizaron acordes bachianos en sus últimas composiciones.

En su día, Bach fue un compositor barroco; Mozart y Haydn lo convirtieron en un clásico; Mendelssohn y Schumann hicieron de él un romántico; Villa-Lobos y Jacques Loussiers lo presentaron como un hijo del siglo XX. Bach es y seguirá siendo siempre, nuestro contemporáneo.


Publicado por bach24111 @ 12:59  | Juan Sebastian Bach
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NO FUNCIONA EL VIDEO. HAN CERRADO BOLT.


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Hay cantidad de acordes.Tantos como tonalidades y sus variantes.

De tres notas ,de cuatro notas, de cinco y de más notas. Alterar las notas de cada acorde y os sale otro acorde. Teneis cientos de acordes.

Yo estoy empezando a compresder hasta cuatro y cinco notas, con sus inversiones, sus escalas, es muy complicado . En la música moderna se usan los más sencillos en muchas canciones, el do re mi que les digo yo, pero si quieres embellecer las melodias con acordes más completos resulta muy agradable. Normalmente dices en que acorde toco esta canción y dices en do, y haces do, mi ,sol el acorde triada , pero si a este acorde le añades una septima mayor el si ya suena más enriquecido, y se pones tmabien la novena el re aun suena mucho mejor. Hay mucha gente que no lo sabe escuchar pero queda más completo el acorde.

ACORDE TRIADA DE DO : DO , MI, SOL

INVERSIONES : MI,SOL,DO Y SOL, DO, MI






Publicado por bach24111 @ 11:12  | Video acorde.
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Mi?rcoles, 13 de septiembre de 2006
Martes, 12 de septiembre de 2006
Lunes, 11 de septiembre de 2006

ARTICULO MEJORADO EN MI NUEVO BLOG. IR BLOG


cursopianogratis


Hay un arpegio de mi y otro de si séptima ( 2ª inversión.) La, sisi, re#.

Triada mi : mi, sol#. si (1ª inversión , sol#, si , mi).
Triada si7: si, re#,la (2ª inversión , la, re#, si). No usa el quinto grado fa#.

La melodía se hace con el dedo 5 de la mano derecha, a la vez que se toca el arpegio.

El bajo toca un si blanca, octavado.( En el mi es el quinto grado, y en el si7 es el primer grado).

La melodia hace un sol# blanca, y dos negras fa# y si.

Luego he puesto varios compases para ensayar un poco en diferentes notas los arpegios.




Publicado por bach24111 @ 17:41  | Aprendo piano
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Domingo, 10 de septiembre de 2006
Viernes, 08 de septiembre de 2006

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cursopianogratis.com



EVANS GIL
Arreglista de grabaciones históricas sobre todo de Miles Davis.
Grabaciones: Porgi and Bess o Sketches of Spain. Hay quien lo compara con Duke Ellington.
Incluyó nuevos instrumentos a las orquestas, creó más sonoridad a las obras , obligó a realzar el conjunto de la orquesta para delimitarlo del trabajo uniforme de cada sección. Trabajó para otro músicos como la cantante Helen Merrill, el guitarrista Kenny Burrell. Fue tambien gran pianista : dueto con el saxofonista : Steve Lacy.
Imagen
Obras:
Live at Sweet Basil ( Gil Evans se adentra en el repertorio de Jimi Hendrix y Charles Mingus)
Collaboration ( con Hellen Merill)
The individualism of Gil Evans.

Página oficial de Gil Evans


Publicado por bach24111 @ 22:20  | Jazz
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Jueves, 07 de septiembre de 2006

ARTICULO EN MI NUEVA PAGINA . IR PAGINA


cursopianogratis.com



PROXIMO CONCIERTO - Sábado 9 de Septiembre de 2006
En el Parque de Atracciones de Zaragoza - Fiesta de la Policía Local


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Unas horas antes del concierto en Playa de Aro (Girona), con las camisetas de zaragoza-ciudad.com



El "boom" musical que El Bis y Los Ibéricos representan en escena, se empezó a fraguar en los míticos 60's, con la fundación de Los Ibéricos y sus cuidadas versiones de la mejor música instrumental de la época (The Shadows, Ventures, Spotnicks, etc.)
De los antiguos Ibéricos, que prestan su nombre al grupo actual, siguen resistiendo dos de los fundadores, Jesús Lacoma (guitarra solista) y José Francisco Orna (guitarra bajo). Completan la formación, la batería de José Antonio Ruizalejos y los teclados de José Luis Catalán.


En el año 2001 se incorpora Carlos Gargallo, auténtico "showman", fiel réplica y seguidor incondicional de ELVIS PRESLEY. Carlos adopta el nombre artístico de EL BIS y, desde ese momento, pasa a encabezar los carteles cual reencarnado Rey del Rock.

Una cuidadosa puesta en escena y un correcto montaje musical y el impresionante derroche de facultades que EL BIS prodiga en sus actuaciones, mantienen un altísimo nivel en el escenario. En algún paréntesis aparece la magia instrumental de LOS IBERICOS para, seguidamente, recuperar el alto voltaje y explotar con fuerza ante el espectador.

Los asistentes disfrutan la diferencia entre la música en lata y la música en vivo. Diferente. De muchos octanos. Algo que no te debes perder.


Publicado por bach24111 @ 16:42  | Grupos musicales
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Mi?rcoles, 06 de septiembre de 2006
Lunes, 04 de septiembre de 2006

aRTICULO  ,MEJORadoen mi nuevo blog. ir blog


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Podeis usar otros dedos si quereis a vuestro gusto, los que pongo yo son lo que mejor me van para mi.

Podeis cambiar notas y hacer diferentes melodias, improvisar con la escala diatónica de do, do,re,mi,fa,sol,la,si.do: repetir notas , hacer escalas comenzando por diferentes notas, repetir tres notas y una diferente, Hacer intervalos pequeños, aunque yo he puesto algún intervalo de sexta y de séptima, más bien para aprender estos intervalos en el piano. En una palabra empezar a improvisar, con dos notas do,re. Con tres notas , después con cuatro, y jugar con ellas, el tiempo lo marcais vosotros, solo notas negras, y el compás de 4/4.


Publicado por bach24111 @ 22:12  | Aprendo piano
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Domingo, 03 de septiembre de 2006
Viernes, 01 de septiembre de 2006