Mi?rcoles, 29 de noviembre de 2006

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Sellos de las islas madives. John Lennon en diversas épocas de su vida. Un sello hojita bloque con seis sellos muy bonitos:




John Lennon en 1969John Winston Lennon (* Liverpool, Reino Unido, 9 de octubre de 1940 - † Nueva York, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1980) fue un músico y compositor británico. Integrante y fundador del grupo The Beatles (donde tocaba la guitarra, cantaba y componía gran parte del material junto a su compañero Paul McCartney), Lennon ha compuesto algunas de las melodías más conocidas del siglo XX.





Nacido durante la Segunda Guerra Mundial, su padre era un marino, Alfred Lennon, y su madre era Julia Stanley. Como su padre viajaba mucho, Julia se sentía sola, así que terminaron por divorciarse cuando John tenía cuatro años su madre lo dejó con su tía Mimi Stanley y su tío George. En la escuela de Bellas Artes conoció a Cynthia Powell, que con el tiempo sería su primera esposa.

Antes de formar los Beatles estuvo en las bandas The Quarrymen, Johnny & The Moondogs y John & The Silver Beetles, en las que se hacía acompañar por sus amigos de la escuela, entre ellos Stuart Sutcliffe. También fue él quien ideó el nombre "The Beatles", que, según dijo públicamente, se le ocurrió a la hora de asemejar "Beetles" con la palabra "Beat" (ya que la música que querían hacer se denominaba "beat music"). El nombre del grupo evolucionó de "John & The Silver Beetles" a "John Silver & The Beatles" y, de ahí y después de la transformación de la palabra "beetles", pasó a llamarse simplemente "The Beatles". En 1956, cuando tocaba en una iglesia, John conoció a Paul McCartney, a quien invitó a unirse al grupo porque podía tocar la guitarra y además, afinarla. Más tarde entraron a la banda George Harrison, propuesto por McCartney y Pete Best. Pete Best dejó cada vez más de lado al grupo, cuyos integrantes, tenían que pedir a Ringo Starr que le sustituyese frecuentemente.

La madre de John, Julia Stanley, murió atropellada por un policía borracho, lo que provocó en John un trauma del que nunca llegó a recuperarse y marcó su obra posterior con canciones como "Julia" o la grabada en 1970 titulada "Mother".

En 1962 comenzó el éxito en Inglaterra del cuarteto con su primer single, "Love Me Do" y ya para 1963 tendrían su primer disco de larga duración, Please Please Me. Más tarde, ese mismo año, conquistaron el mercado norteamericano con su disco With The Beatles.

En agosto de 1962 se celebra la boda de John y Cynthia Powell. De su matrimonio nacerá Julian.

Lennon siempre fue el alma rebelde del grupo, el intelectual, el que en 1966 se atrevió a decir una frase que la prensa malentendió: «The Beatles son más populares que Jesucristo». Después de que se formara tanto escándalo por su declaración, declaró: «No dije que The Beatles son mejores que Jesucristo, dije que somos más populares, como lo puede ser la televisión o cualquier otra cosa» y alegó que había sido malinterpretado.

Los extraños efectos siempre le interesaron, por ejemplo podría decirse que fue el primero que introdujo en la música moderna el fenómeno de la realimentación.

Sus canciones con los Beatles siempre fueron más viscerales y a menudo confesionales, como la popular "Help!", que fue una llamada de auxilio al mundo, y la balada folk "You’ve Got to Hide Your Love Away", con clara influencia de Bob Dylan Luego comenzó a experimentar con historias como la de "Lucy in the Sky with Diamonds", basada en un dibujo de su hijo, Julian, y las de "Being for the Benefit of Mr. Kite!" y "A Day in the Life", cuyas letras están extraídas, respectivamente, de un cartel de circo de finales del XIX y de recortes de noticias del periódico.

En 1966 conoció en un museo a la artista plástica japonesa Yoko Ono, con quien contrajo matrimonio después de divorciarse de Cynthia Powell. Yoko lo indujo a experimentar aún más allá de la música.Yoko Ono siempre ha sido criticada por algunos fans, que le echan la culpa de la separación de los Beatles.Esto se debe a que Lennon y Ono no se separaban en ningún momento, lo cual molestaba a los demás integrantes.

Ese mismo año residió durante un mes y medio en Almería (España) donde rodó la película How I won the war, de Richard Lester. Durante su estancia en esta ciudad compuso la canción Strawberry Fields Forever.

En 1970, tras la separación de los Beatles, Lennon comenzó una carrera de solista nutrida de canciones clásicas. La rivalidad que existía entre Lennon y McCartney, tras la disolución del cuarteto se hace evidente en canciones de Lennon.

También mostró su rivalidad hacia McCartney al incluir en "Imagine" una foto de Lennon sujetando a un cerdo (como insulto hacia McCartney a quien llamaba así despectivamente). McCartney respondió a ese ataque con la portada de su disco Ram, en la que McCartney aparece sujetando de igual forma a una cabra.

Las tendencias políticas de Lennon se habían evidenciado desde la época de los Beatles, pero se exacerbaron con canciones como "Power to the People". En 1971, se convierte en lo más conocido de Lennon, al terminar de grabar, con Yoko, unas pistas, fue asesinado por un fanático desequilibrado, Mark David Chapman, que le disparó con un revolver seis balazos, de los cuales cuatro le alcanzaron, después de haberle pedido un autógrafo esa mañana a las puertas del domicilio de Lennon, el edificio Dakota, quedando la pregunta eterna de por que Chapman no mato a Yoko Ono.


Discografía oficial
Unfinished Music No.1: Two Virgins (con Yoko Ono) (1968)
Unfinished Music No.2: Life With The Lions (con Yoko Ono) (1969)
Wedding Album (con Yoko Ono) (1969)
Live Peace in Toronto, 1969 (en vivo) (1969)
John Lennon / Plastic Ono Band (1970)
Imagine (1971)
Sometime In New York City (con Yoko Ono) (1972)
Mind Games (1973)
Walls And Bridges (1974)
Rock 'n' Roll (1975)
Shaved Fish (recopilación) (1976)
Double Fantasy (con Yoko Ono) (1980)
The John Lennon Collection (recopilación) (1982)
Milk And Honey (con Yoko Ono) (1984)
Live in New York City (en vivo) (1986)
Menlove Avenue (recopilación de grabaciones 1973-74) (1987)
Imagine: Music From The Motion Picture (banda sonora) (1987)
Lennon (recopilación con 4 CDs) (1990)
Lennon Legend: The Very Best Of John Lennon (recopilación) (1997)
John Lennon Anthology (recopilación) (1998)
Wonsaponatime (selecciones de Lennon Anthology) (1998)
Acoustic (recopilación) (2004)
Peace, Love & Truth (recopilación) (2005)
Working Class Hero: The Definitive Lennon (recopilación) (2005)

Fuentes : Wikipendia.


Publicado por bach24111 @ 17:47  | Filatelia musical
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Se pueden hacer muchas posiciones de las cuatriadas y de los voicings. Siempre hay que tocar las notas correspondientes, en diferentes posiciones.

Los intervalos de tercera y de séptima son menores , luego serán b3ª y b7º , bIII y bVII.


Publicado por bach24111 @ 10:50  | Acordes--cuatriadas
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B
ach permanece en Ohrdruf cinco años . En este tiempo contribuyó a la economía familiar ganando un pequeño sueldo como cantante, pero esta labor no impidió al inteligentísimo joven seguir una brillante carrera en la famosa escuela latina de Ohrdruf. Sus ascensos se siguieron uno a otro muy rápidamente , y Bach no sólo solía ser el más joven de su clase sino también uno de los alumnos más destacados. Llegó al último curso a los catorce años , mientras el promedio de edad de sus compañeros era de 17 años, 7 años.
En esta escuela , a la que asistía al mismo tiempo que su primo Johann Ernst (1683-1739), recibió una concienzuda formación de latín, lo que fue muy importante para su ulterior actitud religiosa , en ortodoxia luterana. Su aguda mente debió haber disfrutado con el ejercicio intelectual de la dialéctica teológica. Más tarde desarrollaría la afición , tal vez única entre los compositores , de coleccionar folletos y libros teológicos y leerlos como distración.
A Bach no obstante , le absorbió más la enseñanza musical en aquellos tiempos, . Tuvo la oportunidad de acumular gran cantidad de conocimientos prácticos al observar la construcción de un nuevo órgano en la iglesia de su hermano. En éste como en todos los asuntos musicales , Johann Christoph fue su mentor, su excelente guía, formado por su padre Ambrosius Bach y por el gran organista y compositor Pachelbel. Cabe suponer que Johann Christoph estaba artistícamente al mismo nivel que varios de los otros Bach, conjetura que se confirma por dos anotaciones hechas por su superior el superintendente Kromeyer. Cuando Johann Chistoph se casó , Kromeyer anotó en el registro de su Iglesia , joven pero con temperamento artístico, y cuando el organisna murió en 1721 lo describió en el registro de defunciones como un artista de primera fila. Según Forkel, Johannn Chistoph enseñó a Sebastian a tocar el clave pero tambien es casi seguro que le instruyó en otros instrumentos , asi como los elementos de la composición musical.


Bibliografia : Johann Sebastian Bach , culminación de una era. Karl Geiringer.
Pequeña antología biográfica . Ernesto Epstein.
Los dioses de la Música: Planeta.
Diccionario biográfico de la música: Michel Brenet.fotos.miarroba.com


Publicado por bach24111 @ 8:35  | Juan Sebastian Bach
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Martes, 28 de noviembre de 2006

DESAPARECIDA.  CIERRAN WEBS. SIN AVISAR.

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Publicado por bach24111 @ 22:43  | Noticias musicales
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En la red existen videos en los que te enseñan a tocar el piano. He eligido estos dos que me parecen interesantes. Si vamos a su página encontraremos muchos más.

Videos localizables en You tube.




Publicado por bach24111 @ 12:59  | El piano
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La escritura musical antiguamente antes que aparecieran los signos, se hacía improvisando la música, mediante signos, igual que un director actual pero sin partitura. Desde que Guido D´Arezzo puso en marcha la notación musical se ha llegado hasta nuestros tiempos con la partituras que vemos normalmente.Antiguamente la música no se leía. Afortunadamente un monje benedictino llamado Guido d'Arezzo
(Italia 990 - 1050) encontró la solución. A partir del himno de las vísperas de la fiesta de S. Juan Bautista organizó lo que sería más tarde la escala: UT queant laxis REsonare fibris MIra gestorum FAmuli tuorum, SOLve polluti LAbii reatum, Sancte Ioannes (SI).Hay escrituras para instrumentos electronicos, e instrumentos variados que originan ruidos, puestas cerrarse etc.... pero eso yo no lo estudiaré ya es demasiado complicado. Yo aprenderé con la actual notación musical moderna.
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Publicado por bach24111 @ 12:20  | Teoria musical
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Lunes, 27 de noviembre de 2006

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Página en renovación


Página sobre polifonia y música antigua
Archivo de texto . Polifonía.



Publicado por bach24111 @ 14:29  | Historia de la m?sica
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ImagenDurante el siglo XIV, la actividad polifónica en todos los reinos peninsulares, tal y como lo indican las fuentes históricas y literarias, es intensa. Desgraciadamente, las fuentes musicales que se han conservado son mínimas.
De la Corona de Castilla, además del nombrado Credo del Códice de las huelgas, nos ha llegado solo un fragmento conservado el la Biblioteca Nacional de Madrid, que contiene los Kyrie y los Gloria,.
El Ars Nova en la Corona de Aragón es mucho mejor conocido, gracias a los estudios de Gómez Muntané sobre las capillas musicales de la Casa real aragonesa-catalana. Además se ha conservado un excepcional códice en la Biblioteca del Monasterio de Montserrat, conocido como el Llibre Vermell. Se trata de un manual de devotos para uso de los peregrinos de la Virgen de Montserrat que incluye varios cantos no relaccionados directamente con la Liturgia de Nuestra Señora. Contiene seis piezas polifónicas: tres en forma de caccia a dos y tres voces y otras tres cantinelas, asimismo a dos y tres voces. El Libre Vermell, llamado asi por el color de su encuadernación, es tambien importante por tratarse del único códice medieval español que incluye piezas polifónicas de carácter extralitúrgico, destacando la canción Imperaytriz, primera obra polifónica española que se conserva en un romance peninsular (el catalán).

Fuentes : Historia de la música. Marie Claire Beltrando-
Ptier.





El Llibre Vermell (Libro Rojo) es un manuscrito medieval conservado en el Monasterio de Montserrat que constituye uno de los pilares de la música medieval española. Fue copiado en los últimos años del siglo XIV y debe su nombre a su encuadernación en terciopelo rojo hecha, según parece, a finales del siglo XIX. Precedido por colecciones de milagros atribuidos a la Virgen de Montserrat -popularmente conocida en Cataluña por “La Moreneta”- incluye un cancionero musical que recopila canciones y bailes para los peregrinos que llegaban a Montserrat. Como era habitual en la época los mismos fieles eran quienes cantaban y danzaban bien de camino al templo o en los propios santuarios; unas veces para expresar su fe, otras entonando cantos de perdón y de penitencia. El Llibre Vermell recoge diez cantos en latín, catalán y occitano.

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Codice de la huelgas

El manuscrito



La fascinación que el Códice de Las Huelgas produce es sólo comparable a la riqueza de su contenido. La impresionante variedad de formas musicales litúrgicas, paralitúrgicas y profanas, los estilos de composición (organum, conductus, motetes, piezas monódicas y didácticas), junto a las obras compuestas en homenaje póstumo a personajes relevantes vinculados a la vida del monasterio, o las composiciones con sabor ya del Ars Nova, constituyen el mayor legado musical español a la polifonía de la Edad Media, precedente de lo que sería la grán época de la polifonía clásica en siglos posteriores.


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Publicado por bach24111 @ 9:01  | Historia de la m?sica
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S?bado, 25 de noviembre de 2006

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Dances En Aragón , representaciones históricas. religiosas o pastoriles, verdadesras continuaciones del teatro indigena populaImagenr , mantenidad tambien en las vertientes francesas del Pirineo. Constan de una parte escénica y otra coreográficas.

Imagen

Dansaes Según Eduardo Chavarri, Música popular española, con esta palabra se denomina el tipo de baile campesino valenciano que aún se ejecuta en tierras de Játiva. Albaida, Onteniente y Bocairente , en el que el cortejo de las parejas y colocadas en forma de rueda bailan a un paso parecido al bolero. El cuerpo permanece casi inmovil y los pies hacen sus trenzados a compás de la música que ejecuta el dansainer (dulzainero) y el tabalet ( tamboril).

Imagen

Danses En Villanueva y Geltrú (Cataluña), baile antiguo que tiene la particularidad de llevar cada bailador dos mujeres. La musica es de aire lento y monocorde, mientras los hombres , puestas de frente a sus dos bailadoras, se mueven hacia atras y ellas avanzan siguiéndoles en paso deslizado acompañado de un movimiento de brazos levantados a derecha e izquierda, hasta que, al finalizar el tema melódico, el bailador con pasos rápidos pasa entre las dos mujeres , volviéndose de frente a ellas , que tambien hacen lo mismo , quedando como antes, aunque en dirección opuesta . Figura esta que se repite a voluntad de los danzantes.


Publicado por bach24111 @ 8:55  | Bailes Tipicos
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Viernes, 24 de noviembre de 2006

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Me he apuntado a la que creo que es la mejor escuela de musica de Zaragoza. Voy a practicar clásico y moderno.
Se enseña a partir de los tres años, hasta los 99, que son los que yo quiero estar.
La academia está en el barrio Las Fuentes de Zaragoza. No hace falta saber música , desde cero te empiezan a enseñasr. Los profesores son profesionales totalmente, por eso la he elegido. Mi nivel es como os dije de un sexto de piano , y nociones de jazz, por eso a mis 55 años (Soy muy joven todavía) quiero llegar lejos. Änimo a los de Zaragoza mi ciudad. Los que estaís lejos, Méjico, Argentina, Venezuela, U
ruguay, Panama, Estados Unidos.. os contaré mis avances musicales, y los expondré aquí. Por lo menos estareis en la escuela también, aunque un poco lejos.


Publicado por bach24111 @ 22:23  | Noticias musicales
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The Shadows : música para escuchar todos días .

Shadoogie,



Publicado por bach24111 @ 19:37  | Videos musicales
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Nombre que se daba a los poetas y cantores de la guerra y del amor entre los celtas, galos y bretones.Se diferenciaban de los druidas en que éstos eran sacerdotes y maestros , y los bardos, solo poetas , cantores y arpistas. Vestían de azul y los druidas de blanco. Sus personas eran consideradas como sagradas. La música era una de las partes esenciales en su educación. En tiempo de guerra formaban en la vanguardia del ejército , rodeados de gran número de instrumentistas , y en tiempo de paz promulgaban las leyes modulando monótonas cantinelas sostenidas por una especie de bajo continuo, efectuado con el arpa. Los bardos instrumentistas se denominaban Oirfidigh.

El papel de los bardos en Irlanda, en Bretaña y en la Armórica , durante la Edad Media, bordeaba los ámbitos de la religión y la política.

Desde el advenimiento del cristianismo , los bardos cantaban loores al Redentor. Su poder quedó destruido con la irrupción de los daneses en Irlanda. El último bardo fue Turlough O´Carolan, muerto en 1738, cuyos cantos, poesías y música han sido conservados. Los vestigios de las tradiciones de los bardos han tenido repercusiones en Irlanda y en el País de Gales hasta el siglo XIX. Su influencia en la historia de la música se ha limitado a la transmisión de algunos aires populares.


Fuentes: Diccionario de la música ,Michel Brenet.


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Publicado por bach24111 @ 14:35  | Historia de la m?sica
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Acorde usando el b9. Estos acordes complican la ejecución musical pero se usan muchos. La escala la mixolidia.


Publicado por bach24111 @ 12:03  | Acordes--cuatriadas
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DESAPARECEN LAS IMAGENES Y LAS PAGINAS DONDE SE CUELGA. ESTOY REVISANDO EL BLOG .

Me lo han pedido y yo lo pongo. Muchas gracias.


Publicado por bach24111 @ 9:18  | midis
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Jueves, 23 de noviembre de 2006

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DESAPARECIDA. ESTOY ARREGLANDO EL BLOG



Publicado por bach24111 @ 23:09  | midis
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Famosa sonata en la mayor de Mozart por su allegreto Alla Turca
En esta sonata se puede apreciar un tema y sus seis variaciones. Recomiendo que lo escucheís.

En un tema y variaciones una melodia , por lo general armonizada, que aparece en primer lugar, es seguida luego por distintas repeticiones variadas de la misma. El principio general es la variación de algún rasgo (melodía, ritmo, armonía) del tema armoniado que conservando su identidad en grado suficiente preserva una relación con la melodía original, incluido el número de compases. Hasta la época de Beethoven tambien se mantenía la misma clave o su escala mayor o menor paralela. Son varias las maneras en que un compositor puede variar un tempo:

1.- Adornando la melodía del tema mediante el agrergado de notas o el cambio de sus rasgos rítmicos, manteniendo sin embargo , bastante del contorno como para conservar la identidad con el original. Cuando varía la melodía , la armonía suele conservarse fundamentalmente intacta, no hay regla que lo establezca.Ejemplo el que pongo en la partitura de Mozart, sonata en la mayor.

2.- La melodía puede verse sujeta al tratamiento contrapuntístico.Beethoven empleó una fuga en una de las variaciones del último movimiento de la Sinfonía Heroica.

3.- El acompañamiento puede cambiar tanto rítmica como armónicamente, como en la variación VI del movimiento anterior.

4.- A veces se da una variación un carácter específico, por ejemplo, el de una danza. Se llama variación de carácter ( Variaciones Golberg de Bach)

Variaciones tienen : Häendel, Mozart, Haydn, Beethoven, Brahms, Stravinsky , y muchos más.

Hoy día en el jazz no se llaman variaciones , pues no están escritas sino que se improvisa sobre la marcha. En el jazz la intuición melodica, armónica la lleva uno en el alma, saliendo a flote en numerosas melodías de siempre.


Fuentes: Introdución a la música . David Boyden. La fontana Mayor.

Creo que ha desaparecido la editorial. Es un libro esencial para los que estudiamos la música.


Publicado por bach24111 @ 15:57  | Formas musicales
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No funciona. PAGINA RETIRADA.


Publicado por bach24111 @ 12:09
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Mi?rcoles, 22 de noviembre de 2006

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Lo que se puede hacer con la nueva página del artículo anterior:

ES LA MISMA LA HAN CAMBIADO



Publicado por bach24111 @ 23:36  | Video acorde.
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Han cambiado la página y no funciona . es de juegos de cartas.....


Publicado por bach24111 @ 22:50  | P?ginas buenas
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Las notas do y re. Intervalo de segunda mayor




Ya tenemos dos notas Do y Re . Las llamaremos 1 y 2. Primera y segunda.
Entre las dos hay un espacio dos, segundo, se le llama en música intervalo, es de un tono, se le llama intervalo de segunda mayor.Acordaros de esto segunda mayor , hay un tono de nota a nota. Do a re es un intervalo de segunda mayor, porque entre ellas hay un tono.


Publicado por bach24111 @ 22:19
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Para complacer una opinión que me han dejado, aqui hay una página que te dice el aspecto exterior del piano , el mecánico no sé lo dice pero que indague en la página:

La dirección es: Ebanisteria del piano




Ebanisteria del piano


Publicado por bach24111 @ 20:06  | El piano
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Martes, 21 de noviembre de 2006

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Radio para escuchar buena música del siglo pasado.


NO FUNCIONA
Ya no hay esta radio


Publicado por bach24111 @ 11:42
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Los manuscritos de Chantilly, Oxford, Módena y Apt, testimonios de esta estética, revelan una exageración de las formas de ortamentación y una enfervorizada carrera hacía la breve (figura musical), En este maremagnum de formas en este periodo, , que toca con el gran Cisma (1378-1417),sólo se podia hacer las normas de Machault empleandose medios muy sutiles poco intelectuales empleando unos medios artisticos un poco en deshuso.

Trebor, Solage, y en especial Senlèches utilizan en sus baladas un lenguaje complicado para aquellos tiempos en cuanto a ritmos y notación.El Virelay y el Rondó , se entrelazan por el gusto de las fantasías gráficas de Cordiery las complicaciones y manierismo de Cesaris y Vaillant o la simplicidad de Loqueville.

El motete utiliza la estructura isorrítmica con todas las sutilezas (símcopas, uso del color) y recoge las corrientes estilísticas de Aviñon e Italalia. Se vuelve al empleo de latín conforme a los criterios de Vitry. La Misa expresa las preocupaciones de composición del ordinario completo y de unificación de ciclo por medio de cantus firmus litúrgu¡ico (Se duda en abandonar el estilo cantinela).

En los umbrales del siglo XV , los músicos han agotado una lengua y una estética artificiales, desviandose en un complejo manierismo sin precedentes. Extravagancias atrevidas dejaran que llegue Dufay, luna de toda música, luz de los cantores, (Compère).

Fuentes. Datos sacados de la historía de la música dirigida por Marie-Claire

T



Para saber más sobre manuscritos

ARS SUBTILIOR


Nombre que recibe el estilo musical de gran refinamiento surgido a finales del siglo XIV, centrado principalmente en las cortes seculares de Francia del sur, Aragón y Chipre. Este término fue introducido en el vocabulario musicológico por Ursula Günther (1963) y deriva de las referencias que en el Tractatus de diversis figuris de Philippus de Caserta(?) se hacen a compositores dejaban atrás el estilo del motete del ARS NOVA "post modum subtiliorem comparantes" y desarrollaron un "Artem magis subtiliter" como se ejemplifica en el motete "Apta Caro". De forma similar Egidius de Murino se refirió a la composición "...per viam subtilitatis" en su Tractatus cantus mensurabilis.

El desarrollo del lenguaje (principalmente presente en las grandes ballades) puede trazarse en fases sucesivas, de forma cronológica:

1. La generación post-Machaud: Comprometidos principalmente en el desarrollo de la ballade clásica en el estilo de Machaud. Encontramos compositores como De Landes, Franciscus, Grimace, Pierre de Molins, Solage, Suzoy ("A l'arbre sec") y Vaillant.

2. Hay una extensión más florida en los trabajos de Matheus de Sancto Johanne, Goscalch, Hasprois y Olivier. Aparte de la creciente independencia contrapuntística del contratenor, sus trabajos son notables por una admirable cohesión tonal y motívica."Ma doulce amour" de Hasprois (después de las 1428) ilustra el eslabón subyacente entre el Ars Subtilior temprano y las Chansons subsecuentes del siglo XV.

3. La ruptura final del estilo de Machaut tradicional la encontramos en las composiciones de Cuvelier, Egidius, Johannes de Alte Curie, Philippus de Caserta y Trebor. Su música és una muestra de desplazamientos pródigos de mínima (blanca) y de modelos secuenciales italianos.

4. Todavía más adelantado era un grupo final de compositores (Jacob de Senleches, Rodericus y Magister Zacharia), quiénes usaron subdivisiones rítmicas muy elaboradas, desplazamientos (colorido cortante) y proporcionalidad, usando el motete como forma principal. En ocasiones, incluso los compositores menos radicales (como Solage y Galiot en "s'aincy estoit" y "le sault perilleux") adoptaron este estilo que finalmente se extendió a la colonia cultural francesa de Chipre (ballade anónima "Sur toute fleur", c.1410).



MAS INFORMACION


Publicado por bach24111 @ 10:55  | Historia de la m?sica
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Lunes, 20 de noviembre de 2006

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Aprenderos estos acordes muy bien. Las terceras y las séptimas. Son la base de los acordes, nos dicen si son mayores menores, de séptima mayor o de séptima menor, , y disminuidos.
Esto lo teneis que saber de memoria. Se usa bastante en la música moderna.





Publicado por bach24111 @ 12:09  | Acordes--cuatriadas
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Domingo, 19 de noviembre de 2006

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NO FUNCIONA . ESTOY ARREGLANDO EL BLOG

Presionando la tumbail o la imagen pequeña, se hace más grande. Vas a una página en la cual la puedes hacer más grande, en mi arroba no la puedes poner grande sino te quita toda la visión de la parte derecha y se estropea la página. Llevo casi un año en mi arroba y no han mejorado nada. Hay sitios en la red mil veces mejor pero no sé llevar todos los artículos a otro sitio.No te puedes subir nada a no ser mediante otra página, y pierdes mucho tiempo. Lo de sube fotos está muy bien.

Presionar la imagen y la vereis mucho mejor.





Publicado por bach24111 @ 23:48  | Acordes--cuatriadas
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No sé si a Beethoven le gustaban las setas, pero su música si que gustan a las setas:

NO FUNCIONA ESTE ARTICULO


Publicado por bach24111 @ 21:07  | Noticias musicales
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S?bado, 18 de noviembre de 2006
Viernes, 17 de noviembre de 2006

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En este ejecicio usais las claves de sol y de fa. La mano izquierda hace notas dobles, la nota sol es la de más importancia; con la melodia vais haciendo triadas de tres notas, pues la nota de la melodia no es igual que las dos notas de la mano izquierda , osea que hace otro grado,
Ir repasando la teoria musical:
Claves, pentagrama, notas blancas , negras armadura, escala, notas musicales, melodia, intervalos, triadas acorde, claves, compás. barras de separación. Todo esto lo tendreis que ir aprendiendo y podreis tocar mejor el piano.





Publicado por bach24111 @ 0:57  | Aprendo piano
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Jueves, 16 de noviembre de 2006

LO MEJORDELMUNDOLAMUSICA



Bob Dylan nació con el nombre de Robert Allen Zimmerman el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota (Estados Unidos). Está considerado uno de los compositores y músicos más influyentes y prolíficos del siglo XX y ha sido nominado varias veces al Premio Nobel de Literatura.




Infancia y juventud

Nacido en Duluth, a los seis años se traslada con su familia a la cercana Hibbing, donde su padre tiene un negocio de materiales eléctricos. La vida de comerciante no es el sueño del joven Bob y el ambiente de la población, cuya economía es sobre todo minera, no debe de ser muy atractiva para un adolescente. Dylan descubre muy pronto la música. A los ocho años aprende por sí solo a aporrear el piano y por diez dólares adquiere una guitarra por correo. Escucha la radio todas las tardes y, así, descubre la música de Hank Williams y de grupos de color. Es en este preciso momento cuando se enamora de la idea de llegar a ser un héroe del rock and roll, que entonces estalla entre los jóvenes, y llegar al éxito a Elvis Presley, Carl Perkins o Jerry Lee Lewis.

A su pasión por la música se une también el amor por las motos de gran cilindrada. Cuanto más crece Dylan más se rinde a la necesidad de huir de Hibbing. En 1959 finaliza los estudios secundarios e ingresa en la Universidad de Minnesota, en Minneapolis, la capital estatal. Una de sus asignaturas favoritas es el aprendizaje del idioma español y la historia estadounidense. Allí comienza a escuchar temas de country, rock y a músicos como Robert Johnson.

En vez de frecuentar las lecciones básicas en el ambiente de los intelectuales locales, se dedica a escuchar a cantantes folk y olvida por el momento su gran pasión por el rock'n'roll de Little Richard. Son días intensos para Dylan, que lee muchos libros, muchísima poesía, habla poco, pero escucha atentamente discursos sobre la paz, los derechos de los trabajadores, la enseñanza de una nueva moral... Es en este momento en el que cambia su nombre por el de Bob Dylan, para lo que se inspira en el poeta Dylan Thomas como el propio artista reconoce en sus memorias.

Comienza su carrera como solista tocando en locales nocturnos, con el único acompañamiento de su guitarra y su armónica, así como su inconfundible y expresiva voz (que llegará a ser su marca personal), no siempre con fortuna, como cuando es despedido del Ten O'Clock Scolar porque su voz ahuyentaba a los clientes. A mediados de 1960, obtiene su primer contrato como profesional en un local de strip tease de Central City, en Colorado. Es en ese momento de su vida cuando entra en escena Woody Guthrie. Dylan descubre Bound for Glory, la biografía del gran músico y su lectura le apasiona tanto que decide convertirlo en su maestro, incluso divulga haberlo conocido. Precisamente esa admiración por Guthrie le proporciona el estímulo necesario para efectuar el salto hacia la gran ciudad.

Cuando Dylan lee en un periódico que Guthrie está ingresado en un hospital de Nueva York, decide ir a conocerle y aprovecha la ocasión para conocer la ciudad. Bob Dylan llega allí durante las fiestas de Navidad de 1960 y se introduce en el movimiento de los trovadores folk que llenan el Greenwich Village de la época: por la tarde toca en el Gerde's Folk City y también consigue actuar ante John Lee Hooker. A finales del verano de 1961, Dylan llega a ser bastante conocido en el ambiente musical de Nueva York, de tal forma que solicitan su colaboración para tocar la armónica en algunas canciones de un disco de Harry Belafonte. Podía ser su gran ocasión, pero Dylan abandona los estudios de grabación tras sólo una hora de trabajo, porque no soporta la insistencia de Belafonte en hacer repetidas pruebas.

Es John Hammond, gran descubridor de talentos por cuenta de la CBS, el que le ofrece inmediatamente un contrato. El primer disco se publica en febrero de 1962 con el simple título de Bob Dylan. El álbum presenta material poco homogéneo pero pone en evidencia las potencialidades del cantautor. Sólo dos canciones están escritas por Dylan ("Song to Woody" y "Talkin' New York"), pero bastaron para darle confianza como autor y abrirle la puerta de una de sus más prolíficas etapas creativas. En aquel primer período, le acompaña Suzie Rotolo, a la que había conocido nada más llegar a Nueva York, al frecuentar el movimiento intelectual de la Gran Manzana. Suzie es una activista política, comprometida sobre todo en la lucha contra la segregación racial y la bomba atómica. Para la portada de su histórico segundo álbum, Dylan escoge una fotografía que le retrataba al lado de Suzie en una calle del Village.

Dylan empieza a trabajar en nuevas canciones en abril de 1962 y en el transcurso de algunos meses compone temas como "Blowin' in the Wind", "Masters of War", "Talkin' World War III Blues" y "Oxford Town", que llegan a ser himnos del movimiento pacifista. En mayo de 1963 se publica The Freewheelin' Bob Dylan, su segundo y muy esperado álbum. Dos meses después de la publicación, Dylan aparece en el Festival Folk de Newport, donde es saludado como el profeta de la revolución juvenil. Allí canta "Blowin' in the Wind" frente a 46.000 personas, acompañado en el escenario por Joan Baez y Pete Seeger.

Junto al éxito llegan también los problemas. En primer lugar, con Suzie Rotolo: su historia sigue adelante, entre dramáticas rupturas y breves reconciliaciones, en un clima muy tenso en el que Dylan no esconde sus celos. Las nuevas canciones nacen en un clima de inseguridad, a veces cabalgando en la ola de la batalla política ("Only a Pawn in Their Game"), otras veces recogiéndose en el intimismo ("Girl from the North Country"). Pero el álbum The Times They Are A-Changin (1964) llegará a ser famoso sobre todo por la canción que le da título. El éxito de Dylan ya es grande en todos los Estados Unidos y su popularidad se extiende también por Europa. Es un período difícil pero rico en estímulos creativos.

Dylan en este mismo período compone canciones como "It Ain't Me, Babe" (dedicada a su amor roto), "To Ramona", "Chimes of Freedom", "Mr. Tambourine Man", entre otras, que pasarán a formar parte de dos álbumes: Another Side of Bob Dylan (1964) y Bringing It All Back Home (1965), que contienen en parte las semillas de su clamorosa electrificación.

En la primavera de 1965 Bob Dylan se traslada a Inglaterra para realizar algunos conciertos. Conoce a los Beatles y a Eric Burdon, de The Animals, intérprete de una versión muy personal de "House of the Risin' Sun". A The Beatles le une un vínculo de mutuo aprendizaje e influencias. Así, principalmente John Lennon manifiesta la influencia de Dylan en canciones como "Norwegian Wood", "You've Got to Hide Your Love Away", "Help"..., que tienen letras más sinceras y pensadas, mientras que Bob Dylan no duda en experimentar sonidos nuevos y más lúdicos. El viaje por la Inglaterra de aquellos años y el encuentro con sus músicos estimulan aún más a Dylan, que se deja sugestionar por la sonoridad de las guitarras eléctricas, abandonando la vía folk. Los preliminares, sin embargo, no son del todo favorables: los puristas habían criticado ásperamente las concesiones eléctricas que Dylan ya había incluido en Bringing It All Back Home, un disco que de cualquier modo representa su consagración definitiva entre el público, con canciones como "Subterranean Homesick Blues", "Maggie's Farm" , "Gates of Eden" y "Mr.Tambourine Man".

Highway 61 Revisited (1965), producido por Bob Johnston, con la colaboración de Al Kooper y Mike Bloomfield, está considerado hoy en día uno de los mejores de Dylan: la arrebatadora y demoledora "Like a Rolling Stone" (que figura en la primera posición de la lista de las mejores canciones de todos los tiempos confeccionada por la revista musical Rolling Stone), la triste "Desolation Row", la nerviosa "Highway 61 Revisited" y la insinuante "Ballad of a Thin Man".

Éste es el repertorio que Dylan lleva al Festival Folk de Newport en 1965, acompañado por la Paul Butterfield Band. Le echan una mano unos músicos que conoce por aquellos meses: un grupo llamado The Hawks, que rodea al guitarrista Robbie Robertson. Más tarde, los "halcones" se transformarán en The Band, nombre que les pone Dylan. Son el grupo por antonomasia de la historia de la música estadounidense de las décadas de los 60 y 70. Con parte de The Band, Dylan afronta el compromiso de Blonde on Blonde, su séptimo álbum (1966) que se publica en formato doble para poder contener todo el material elaborado en Nashville, con un total de 14 canciones. Blonde on Blonde es un disco más tranquilo que el anterior y con un mayor valor poético en las letras. Éste incluye la alegre "I Want You", la desnuda y tierna "Just Like a Woman", la devastadora ametralladora "Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again", la enigmática "Visions of Johanna" y la larguísima y, gran obra maestra del disco, "Sad Eyed Lady of the Lowlands", que está dedicada a la bellísima modelo Sarah Lowndes, con la que Dylan se había casado en noviembre de 1965. Blonde on Blonde está considerado por los grandes expertos musicales como el mejor disco de música pop-rock de toda la historia.

Accidente de moto

Un par de meses después de haberse publicado este doble disco, el joven Bob Dylan, con apenas 25 años (pero ya un ídolo multitudinario en Estados Unidos y el Reino Unido, donde sus discos se venden por millones a un ritmo desenfrenado), sufre un misterioso accidente con su Triumph 500 en las cercanías de Woodstock que le aparta de la vida pública. El periodo de reclusión se eterniza: Dylan se vuelve un hombre casero junto a su mujer y sus hijos (tendría cuatro con su esposa Sarah). Pasa días enteros en compañía de sus amigos de The Band tocando y grabando canciones. Las cintas de aquellas despreocupadas grabaciones llegaron a ser los discos piratas más codiciados en el mundo, hasta que en 1975 decide publicarlas oficialmente con el título de The Basement Tapes.

Dylan escribe las canciones que aparecerían en el álbum de su reaparición, John Wesley Harding (1968), y el texto del libro Tarántula. En enero de 1968, se presenta, acompañado de The Band, ante el público en el Carnegie Hall de Nueva York, como homenaje a Woody Guthrie, muerto en octubre de 1967. En esta ocasión presenta las canciones de John Wesley Harding, álbum lleno de referencias bíblicas, de sabor country, de visiones oníricas ("All Along the Watchtower"), de símbolos para descubrir.

A continuación nace en Dylan la idea de grabar un álbum de carácter abiertamente country: el resultado definitivo es Nashville Skyline, publicado en abril de 1969 y que contiene canciones como "Lay Lady Lay", "Country Pie" y una versión de "Girl from the North Country" cantada a dúo con Johnny Cash.

Participa en el Festival de la Isla de Wight completamente vestido de blanco, comportándose como una estrella pomposa y emperifollada, hasta el punto de que los hippies le erigen una polémica cruz de piedra para enterrar al mito decadente. Graba el álbum New Morning y un single político: "George Jackson". El mito se aviva en 1971, cuando Dylan participa como principal estrella en el concierto de beneficencia para Bangladesh en el Madison Square Garden de Nueva York, organizado por George Harrison y canta "Mr. Tambourine Man", "Blowin' in the Wind" y "A Hard Rain's A-Gonna Fall".

A continuación viene un período de reflexión en el que Dylan le pide al director de cine Sam Peckinpah un papel en la película Pat Garrett and Billy the Kid. Su participación como actor se limita a un papel insignificante en el rol de un misterioso personaje de nombre Alias, pero es la banda sonora de la película, compuesta por el propio Dylan, la que llega a ser memorable. "Knocking on Heaven's Door" se convertirá en una de las canciones más reconocidas de su repertorio.

La banda sonora de la película permite a Dylan volver a tener confianza en sus propios medios y en su sensibilidad. Graba en 1974, otro álbum de estudio Planet Waves, que alcanza el primer puesto en las listas de Estados Unidos y contiene la estupenda "Forever Young". Inmediatamente después parte para su primera gran gira tras ocho años de ausencia de los escenarios, en este caso acompañado de The Band. Decide hacer un gigantesco tour por las principales ciudades de EE.UU. La demanda de entradas para sus conciertos desbordan todas las previsiones, con más de doce millones de peticiones por correo. Nadie en la historia había conseguido algo similar en Estados Unidos. Más de 800.000 personas ven actuar en directo a Dylan. Como testimonio de aquel histórico acontecimiento se edita en 1974 el doble álbum en directo Before the Flood, en el que aparece un Dylan enérgico apoyado por su potente grupo.

Este período se concluye con el meditativo Blood on the Tracks, que contiene muchas canciones inspiradas en la crisis de su matrimonio. Entre las canciones de este disco destacan "Tangled Up in Blue", "Simple Twist of Fate", "Idiot Wind" y "Shelter from the Storm". Consigue ser número uno en Estados Unidos nada más publicarse. Aclamado por la crítica musical, se considera otra nueva obra maestra en su discografía. En 1975 se publica Desire, en el que aparece "Hurricane" (en defensa del boxeador Huracán Carter, acusado de homicidio) y Sara (dedicada a su mujer a pesar de la crisis). Desire logra ser número uno de forma inmediata en la mayoría de las listas musicales del mundo. De nuevo, el divino Dylan, está en la cima del mundo musical. Estas nuevas canciones constituyeron el esqueleto de la gran gira americana denominada Rolling Thunder Revue, para la que Dylan reúne a viejos amigos como Roger McGuinn (ex Byrds), Joan Baez, Mick Ronson, Scarlet Rivera y Joni Mitchell. El propósito de Dylan no se centra sólo en el espectáculo sobre el escenario sino también en lo que sucede entre bastidores: así, con cámaras de televisión y micrófonos lo graba todo, entrelazando vida real y ficción, para realizar la película Renaldo y Clara, un documental de cuatro horas de duración. De la Rolling Thunder Revue ha quedado documento discográfico oficial en los álbumes Hard Rain y The Bootleg Series, Vol. 5. Live 1975. The Rolling Thunder Revue.

Entre 1977 y 1978 son dos los compromisos artísticos de Dylan. El primero, como invitado de honor en The Last Waltz (El último vals), la película-concierto dirigida por Martin Scorsese, organizada para celebrar el retiro de la escena de sus amigos de The Band. El concierto se lleva a cabo en el mítico Winterland de San Francisco y Dylan canta perlas de su propio repertorio, como "Baby Let Me Follow You Down", "I Don't Believe You" y "Forever Young". El momento apoteósico del concierto fue cuando todos los artistas invitados de la noche: The Band, Neil Young, Dr. John, Neil Diamond, Eric Clapton, Ringo Starr, Ron Wood, Paul Butterfield, Ronnie Hawkins, Joni Mitchell y Van Morrison suben al escenario para entonar todos juntos la magnífica "I Shall Be Released" de Dylan.

Crisis religiosa

El segundo gran evento de ese año para Dylan es una comprometida gira mundial con un nuevo elenco de músicos invitados. En estos conciertos promociona su álbum en proyecto Street Legal. Un nuevo período se perfila en la vida artística y humana de Bob Dylan. Esta vez se trata de una transformación religiosa del cantautor, judío de nacimiento, que encuentra nuevos motivos de fe en el cristianismo. Este cambio va acompañado de una serie de discos intensos, de difícil comprensión inmediata.

Cuando finaliza completamente la temporada de grandes conciertos, Dylan publica un nuevo álbum doble grabado en Japón, Live at Budokan (1978). Los empresarios japoneses ofrecen a Dylan un cheque en blanco por realizar una gira en Japón, algo inédito en la historia de la música. Tres años de trabajo intenso en estudios producen otros tantos discos que forman el esqueleto del Dylan de los 80: Slow Train Coming (1979), Saved (1980) y Shot of love (1981), discos con cadencias de música gospel. En Slow Train Coming Dylan le pide a Mark Knopfler, de los Dire Straits, que colabore en él, fascinado por la forma de tocar del guitarrista inglés. Slow Train Coming logra de nuevo alcanzar lo más alto en las listas americanas y europeas. El disco Saved está entre los trabajos más dramáticos y tensos de Dylan y descubre una cara completamente desconocida del cantante. Shot of Love devuelve al cantautor a más conocidos terrenos y cuenta, además, con la participación especial de Ron Wood y Ringo Starr en el tema "Heart of Mine".

Después de su época religiosa, Dylan vuelve a una visión más laica de la canción e inicia un camino de gran actividad con el álbum Infidels, que contiene la bellísima "Jokerman". En 1984 publica su disco Real Live, con nuevos arreglos de viejos éxitos, como "Highway 61 revisited", "Maggie's Farm", "Masters of War" y Tombstone Blues, en el que interviene también Carlos Santana.

El compromiso social del mundo de la música anglosajona encuentra su máxima expresión en 1985 con la canción "We Are the World", en cuya grabación participa Dylan. Algunos meses después toma parte en el comité promotor de Farm Aid, la manifestación musical organizada para recaudar fondos para las comunidades rurales de los Estados Unidos. El 13 de julio de 1985, Dylan participa en el Festival pro-Etiopía Live Aid. Acompañado a las guitarras por Keith Richards y Ron Wood de los Rolling Stones, Dylan canta en el J.F. Kennedy Stadium de Filadelfia "Blowin' in the Wind". También en 1985, vuelve a los estudios para grabar el álbum Empire Burlesque y realiza, además, un videoclip en Japón para la canción "Tight Connection to My Heart", bajo la dirección de Paul Shrader.

Para celebrar sus 25 años de actividad discográfica, la CBS publica el álbum quíntuple Biograph, que incluye canciones que dan una visión general del cantautor, ya que, junto a algunos grandes éxitos, se presentan versiones inéditas, tomas alternativas o se recuperan canciones que frecuentemente han pasado desapercibidas. Su siguiente producción viene recogida bajo el título de Knocked Out Loaded. Es publicada en 1986 y contiene temas escritos en colaboración con el actor y escritor Sam Shepard y con Tom Petty, con el que Dylan realiza una gira por Australia y los Estados Unidos plasmada en el vídeo Hard to Handle, de una hora de duración. Con el mismo Petty y su banda, The Heartbreakers, Dylan canta "Band of the Hand" para la película de idéntico título, dirigida por Paul Michael Glaser.

En la primavera de 1988 publica un nuevo álbum, Down in the Groove, en el que intervienen las veteranas estrellas del punk Steve Jones, de los Sex Pistols y Paul Simonon de The Clash y músicos tan ilustres como Jerry García y Bob Weir de Grateful Dead, Eric Clapton, Mark Knopfler, Ron Wood, Steve Jordan y las estrellas reggae Robbie Shakespeare y Sly Dunbar, entre otros. Después de Down in the Groove, Bob Dylan participa en el disco de homenaje a Woody Guthrie.

Su siguiente proyecto consiste en la creación de un grupo que, bajo el nombre de Traveling Wilburys, reúne a los hermanos Lucke, Nelson, Otis, Lefty y Charlie T. Junior, que no son otros que Bob Dylan, George Harrison, Roy Orbison, Tom Petty y Jeff Lynne, el antiguo líder de la Electric Light Orchestra. Con ellos publicará dos álbumes, curiosamente titulados Volume 1 y Volume 3. La gran mayoría de las canciones de estos dos álbumes están compuestas por Dylan y hay quien los incluye entre lo mejor que ha hecho el trovador de Minnesota en los años 80 y 90.

Últimos años
En Suecia en 1996

Durante los 80 y los 90, quizá Dylan publicase algunos de sus peores discos, pero en los últimos años, y después de tener un grave problema de salud, su carrera vuelve a estar en un gran estado de forma. Ha conseguido un Oscar por la canción "Things Have Changed" de la banda sonora de la película Jóvenes prodigiosos y ha publicado los que probablemente estén entre sus mejores álbumes recientes: Time Out of Mind (1997) y "Love and Theft" (2001), además de participar como guionista y autor de la música del largometraje Masked And Anonymous (2003), de la cual, sin entrar a valorar la calidad cinematográfica de la cinta, se puede decir que incluye versiones de algunos de sus temas clásicos y canciones nuevas, además de versiones tradicionales grabadas por él por primera vez para la ocasión.

Por otro lado, con motivo del estreno de la película de Martin Scorsese No Direction Home ha salido a la venta el álbum Bootleg Series, Vol. 7, que contiene la banda sonora de la película.

Por otro lado, la publicación de los dos primeros volúmenes de sus memorias, tituladas Chronicles ("Crónicas") ha supuesto todo un acontecimiento literario.

Citas
Lo que se ha dicho de Bob Dylan

* La mayor parte de la crítica musical está en el siglo XIX. Está muy por detrás de, pongamos por caso, la crítica de pintura. Todavía se basa en el arte del siglo XIX: vacas junto a un riachuelo y árboles y "yo sé lo que me gusta". No se concibe el hecho de que Dylan quizá sea un cantante más sofisticado que Whitney Houston, de que él es seguramente el cantante más sofisticado que hemos tenido en una generación. Nadie identifica a nuestros cantantes populares como a Matisse o Picasso. Dylan es un Picasso, con esa exuberancia, variedad y asimilación de la historia entera de la música (Leonard Cohen, en entrevista con la revista Musician, 1988).

* Sin Bob, los Beatles no habrían hecho el Seargent Pepper, los Sex Pistols no habrían hecho "God Save the Queen" y U2 no habría hecho "Pride in the Name of Love" (Bruce Springsteen).

* Bob suena como si sus canciones tuvieran 300 años pero hubieran sido escritas ayer. Lo más importante de Dylan es la poesía que hay en sus canciones, que trascienden su propia música (Martin Scorsese).

* En la música, Frank Sinatra puso la voz, Elvis Presley puso el cuerpo... Bob Dylan puso el cerebro (Bruce Springsteen).

* Bob Dylan y The Band son lo más fuerte que he escuchado en mi vida (Marlon Brando).

* Su manera de tocar es totalmente híbrida. Musicalmente no tiene sentido para el erudito. Cuando toca el piano, sólo tiene sentido para el que lo oye. Si fueras músico dirías: pero ¿qué estás haciendo? No tiene sentido. Y lo mismo cuando toca la guitarra. Haga lo que haga, es como si tuvieras que esperar un año o dos para coger el punto de poder escucharlo. La primera vez que lo oyes, es inútil. Después reflexionas y te das cuenta de que es perfecto (Eric Clapton , entrevistado por John Bauldie. Entrevista publicada en el libro Bob Dylan, se busca).

* Para mi, Dylan siempre representó el rock and roll... Nunca pensé en él como cantante de folk ni poeta ni nada. Pensaba que era la persona más sexy desde Elvis Presley... Sexo en el cerebro, ¿sabes? El sexo más absoluto es estar totalmente iluminado y él era así, era el Rey. Y aún lo es (Patti Smith).

* Nada de folkie o poeta. Es la gran bestia del rock and roll (Chuck Berry).

* Dylan ha escrito canciones que tocan lugares de la mente a los que nadie antes había llegado (Jerry García).

* Es un pozo sin fondo. Aún tiene mucho que decir (Lou Reed).

* Tocando con Bob Dylan nunca se aburre uno (Rick Danko, de The Band).

* Bob Dylan es como Einstein. Como un disparo divino (Kris Kristofferson).

* Bob era un príncipe. Aún le veo como el poeta más grande de nuestra época (Roy Orbison).

* Al oírle pensé que un alma cogía la antorcha de América (Allen Ginsberg).

* Me impresiona su tono de voz. Es como un cello (Frank Sinatra).

* Dylan tiene mucho más que tres acordes y la verdad (Bono).

* Dylan fue siempre un misterio. De dónde venía, cómo sabía lo que sabía, qué era lo siguiente que iba a hacer... Ocupaba casi completamente mis pensamientos, interrumpiendo la aparente normalidad de mis años estudiantiles con su torrente de conciencia beat/folk/blues/dadá/surrealismo/apalache/bop. Es, en parte, sumo sacerdote de la narrativa personal y, en parte, comandante rebelde enzarzado en un combate mortal con los brazos asfixiantes de nuestra historia colectiva revisada (Jackson Browne).

* Es curioso, pero la gente aún le atribuye a Bob mucho misterio. Quiero decir que Dylan es un tío como cualquier otro, con la diferencia de que él tiene algo que decir. Y tiene una personalidad gracias a la cual todo lo que dice lo hace suyo. Es un tipo muy normal. Si le pides la hora, te la da (Tom Petty).

* Siempre he pensado que Dylan era un farsante. Desde luego no es un muchachito que canta canciones líricas. Es un oportunista que quiere hacer carrera y sabe muy bien dónde va. Además, es un hipócrita. Nunca he comprendido por qué le gusta a la gente. No sabe cantar (Truman Capote).

* Actualmente hay un hueco generacional, porque los chavales de veinte años no tienen "Bobdylanes" de veinte años (Joaquín Sabina).

* Yo nunca he visto carisma como el que exhibía Bob en sus actuaciones (Joan Baez).

* Bob Dylan es uno de esos personajes que sólo aparecen una vez cada 300 o 400 años (Leonard Cohen).

* Bob es muy chistoso... quiero decir que mucha gente se lo toma en serio y sin embargo, si conoces a Dylan, es todo un bufón (George Harrison).

* No hace falta oír lo que dice Bob Dylan, lo importante es cómo lo dice (John Lennon).

* La obra de ciertos artistas habla por su generación. Una de las más grandes voces de libertad de Norteamérica no puede ser más que un nombre: el transcendental Bob Dylan (Jack Nicholson).

* Desde el instante mismo en que lo conocí, pensé que era algo grande, que era un genio, que era shakespeariano (Phil Ochs).

* Gracias, Bob. Quiero decirte que no estaría aquí si no hubiera sido por ti, decirte que no hay nadie que no tenga que estarte agradecido y, para robar una línea de una de tus canciones —tanto si te gusta como si no—: "Tú fuiste el hermano que nunca tuve" (Bruce Springsteen).

* Bob Dylan es uno de los cantantes de blues más importantes del mundo occidental; arte antiguo, rápida improvisación, variación eterna, formulación clásica, visión profética... (Allen Ginsberg).

* No he pretendido hacer algo donde se desvelen todos los secretos de Dylan, ni mucho menos, sino rendir un homenaje a uno de los poetas más brillantes del siglo, un hombre que hace que nos miremos a nosotros mismos, que nos emociona y nos hace sentir cosas que no sabríamos transmitir de otra manera (Martin Scorsese acerca de No Direction Home).

* Dylan se sabe un millón de canciones, viejos blues del delta y cosas como ésas. Una noche, cuando hicimos "Clean-Cut Kid", sonaba igual a Muddy Waters. Él conoce más acordes que cualquiera que yo conozca. (Benmont Tench).

* Se sacaba esas canciones de la nada. No sabíamos si eran suyas o si las recordaba. Cuando las cantaba, no lograbas distinguir. (Robbie Robertson).

* Bob Dylan. Una mente fuera del tiempo (Paul Williams).

* Dylan es un trovador del siglo XX, merecedor del Premio Nobel por sus virtudes imponentes y universales (Allen Ginsberg).

* Cuando lo descubrí fue un deslumbramiento asombroso. Me gusta el caos, no la disciplina, y él era el profeta del caos... Él empezó a hablar de otras cosas, metió la literatura en el rock. Me ha alimentado y me sigue alimentando (Joaquín Sabina).

* Yo nunca fui de los que pensaban que Dylan era un monstruo por pasarse a la guitarra eléctrica. Me gustó el cambio. Pero debo decir que la fuerza del joven Dylan como cantante de protesta —él siempre lo negó pero lo siento, Bob, eras un cantante de protesta— residía en que tomaba la guitarra, tocaba ante una multitud y su música y sus palabras eran como una flecha. La gente subestima su capacidad musical. La melodía y las palabras se disparaban como flechas. A mí me sigue pareciendo increíble (David Gilmour).

Cosas que ha dicho Bob Dylan

* El rollo del artista que pasa hambre es un mito. Lo iniciaron los grandes banqueros y las jóvenes damas prominentes que compran arte. Ellos simplemente quieren mantener al artista bajo su dominio. No tienes que morirte de hambre para ser un buen artista. Sólo tienes que sentir amor y tener un punto de vista claro. Y tienes que combatir la depravación. El no transigir, eso es lo que forma a un buen artista. No importa si se tiene dinero o no. Además, hay otras cosas que conforman la riqueza o la pobreza aparte del dinero (enero de 1978).

* Yo sólo soy Bob Dylan cuando tengo que ser Bob Dylan. La mayor parte del tiempo quiero ser yo mismo. Bob Dylan nunca piensa sobre Bob Dylan. Yo no pienso en mí mismo como Bob Dylan. Es como dijo Rimbaud: Yo soy el otro (Biograph, 1985).

* Si no tuviera dinero, podría ir de un lado a otro siendo invisible. Pero actualmente me cuesta dinero ser invisible. Es la única razón por la que necesito dinero (A Robert Shelton, 1966).

* Yo no tengo esperanzas de futuro y sólo espero tener suficientes botas para cambiarme (San Francisco, 3 de diciembre de 1965).

* Nadie es libre. Hasta los pájaros están encadenados al cielo (1963).

* ¿Que cuál es mi mensaje? Ten buena cabeza y lleva contigo una bombilla (Rueda de prensa, bromeando con una bombilla enorme en la mano, Londres, 1965).

* La muerte no llama a la puerta. Está ahí, presente en la mañana cuando te despiertas. ¿Te has cortado alguna vez las uñas o el pelo? Entonces ya tienes la experiencia de la muerte (Malibú, enero de 1978).

* Yo no tengo una voz bonita. Yo no sé cantar bonito, y además no quiero (lugar y fecha desconocidos).

Fuentes : Wikipendia

Más información:.......


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Mi?rcoles, 15 de noviembre de 2006

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Posición de los dedos en las teclas del piano. Hay que respetarlos.



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En esta página te puedes poner tus archivos y luego organizartelos en tu blog , o página, con botones, o que tus amigos se los suban a su página.


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Muy pronto estarán las navidades entre nosotros. Y cantaremos villancicos.
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Martes, 14 de noviembre de 2006

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Excelentes cuadros de Renoir





Publicado por bach24111 @ 17:20
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He llegado a 1000 artículos de música. Acabo de empezar, si Dios me da fuerzas y ánimo, voy a por otros 1000. Aqui van a tener cabida todos los acordes musicales que vaya aprendiendo que son miles, pero enfin un día unos otro día otros. Corales, Autores. Sitios buenos de música. Mp3 hasta que la ley no me lo impida. Aunque los confecciono yo. No sé donde está el límite legal pero yo no hago daño a nadie , al reves doy educación y eso es libre. No cobro por nada solamente me divierto con la música y si alguien me quiere escuchar sea bienvenido.
Muchas gracias a todos por seguirme, aver si aqui puedo poner todo el saber musical sobre todo el que yo conozco. Me habren las puertas en sitios de música y me dicen que puedo opinar sobre sus trabajos, iré poniendo todos los sitios buenos y sinceros que hay en la red, hay mucho que se benefician , me parece muy bien , se tienen que ganar la vida, pero yo un jubilado me conformo con lo que tengo. Muchas gracias a todos.


Publicado por bach24111 @ 17:07  | Noticias musicales
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A partir de ahora a ver si mejoro el blog. Ya he aprendido con 1000 artículos, algo d¡sobre todo este mundo.
La marcha nupcial , a ver si la aprendemos , primero de forma sencilla y luego la complicaremos un poco.

La marcha nupcial de Mendelsshon, a estudiar.




Ver más grande


Publicado por bach24111 @ 0:13  | Aprendo piano
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Lunes, 13 de noviembre de 2006

cursopianogratis.


La romanza medieval, que se asegura es anterior a los primeros trovadores, es una canción en varias estrofas de tres, cuatro o cinco versos, seguidos de estribillo. El nombre y la forma reaparecen en la segunda mitad del siglo XVIII. La célebre romanza de J.J. Rousseau Je lái plantè , je lái vu nâitre , que se publicó después de su muerte, en la recopilación Les consolations des misères de ma vie (1781), se compone, en cuanto al texto, de cuatro estrofas de cuatro versos ostosílabos, y en cuanto a la música de ocho compases, que se reducen a 4+4, o dos repeticiones que sólo se diferencian por sus dos últimos compases.
Martini (Schwartzendorf ) es considerado como el primero que escribió en Francia romanzas separadas , con acompañamiento de piano: hasta entonces se contentaban con el bajo cifrado. Es autor de la encantadora y célebre romanza Plaisir dámour. El periodo revolucionario hizo nacer numerosas romanzas sentimentales y lacrimosas por ejemplo , Lórphelin adopté par sa nourrice, de Méhul (1795).
Bajo el imperio , hacia 1810 m Mme. de Chastenay comprobaba la existencia de una predilección especial por las romanzas de caballerias; sólo se hablaba de los viejos castillos de nuestros antepasados, de heroicos caballeros, de paladines e incluso de rosarios y cruces.

.
Desde finales del siglo XVIII han venido publicándose muchas romanzas instrumentales, ya transcripciones o variaciones de piezas cantadas, o bien escritas con el mismo espíritu: Haydn, Sinfonía llamada la Reine de France
; la romanza que forma la obra es un arreglo de romanza vocal francesa; Mozart, Concerto para piano y violin y orquesta en fa;
Mendelsshon sus romanaza sin palabras para piano, entre otras varias
Romanza sin palabras . Mendelsshon




Joseph Haydn


Franz Joseph Haydn (Rohrau an der Leitha,31 de marzo de 1732 - Viena, 31 de mayo de 1809), Joseph Haydn, compositor austríaco de música clásica, representante de la época clasicista.

Junto con Mozart, Haydn está considerado como el máximo compositor del periodo clasicista de la música clásica y uno de los más grandes compositores de este género. Se le considera el padre de la sinfonía y del cuarteto tal como los conocemos en la actualidad. También fue innovador en definir la forma de la sonata y de componer sonatas para teclado y tríos para piano.

Su hermano Michael también fue compositor, aunque menos conocido.

Biografía esencial

Nació en Rohrau, una pequeña población cerca de la frontera con Hungría, fue el segundo de los doce hijos de Matthias Haydn y Anna Maria Koller. El padre era fabricante y reparador de carros al servicio del conde Harrach.

En 1749 Haydn alcanzó la edad en la que ya no pudo cantar tonos agudos, por lo que fue despedido del coro. Unos amigos lo acogieron en su casa, y decidió convertirse en músico. Transcurrieron diez años difíciles, en los que tuvo que trabajar en diversos empleos relacionados con la música. Uno de ellos fue como sirviente y acompañante de un compositor italiano. No obstante, Haydn sacó partido de estos años y fue adquiriendo mayores conocimientos, hasta el punto en que compuso sus primeros cuartetos de cuerdas y su primera ópera. Paulatinamente, su reputación como compositor empezó a desarrollarse.

Al final de este período, en 1759, Haydn recibió una oferta de empleo importante, que fue la de director musical del conde Morzin. Su misión consistía en dirigir la pequeña orquesta del conde y programar la música para cada evento. Al mismo tiempo componía, y escribió sus primeras sinfonías para la orquesta. El conde Morzin padecía dificultades económicas, por lo que a los dos años despidió a todos sus músicos. No obstante, Haydn encontró enseguida un empleo similar como asistente del director musical de la familia Esterházy, una de las más ricas e influyentes del imperio austríaco, y que residía en invierno en Viena y en verano en dos palacios de su propiedad, uno al sur de la capital y otro en Hungría. En su nuevo cargo, Haydn tuvo una gran responsabilidad, que consistía en componer música para cada ocasión, dirigir la orquesta, interpretar música de cámara con miembros de la orquesta y también de la familia, y organizar el montaje de óperas. A pesar del intenso trabajo, Haydn se consideró un hombre afortunado. Los Esterházy eran amantes y conocedores de la música y le dieron todo el apoyo que necesitaba para su labor, incluso su propia pequeña orquesta.

Al ver que su situación era estable, Haydn se casó en 1760, pero el matrimonio no se entendía y no tuvieron hijos. Tuvo por el contrario una larga relación sentimental con una cantante de los Esterházy, con la que, según algunos biógrafos, tuvo uno o varios hijos.

Transcurrieron casi 30 años en los que Haydn trabajó en este cargo y en los que compuso un sinfín de obras. A lo largo de este tiempo su estilo fue desarrollándose y su popularidad fue creciendo. Con el tiempo llegó a componer tantas obras para su publicación como para los Esterházy. Obras tan conocidas actualmente como sus Sinfonías de Paris fueron compuestas en aquellos años. En 1781 Haydn estableció una estrecha amistad con Mozart, sobre cuyo trabajo había tenido alguna influencia en los años anteriores. Sintió una gran admiración por Mozart y por la maestría con la que había escrito sus recientes óperas y conciertos. Por su parte, Mozart se esforzaba en componer música de cámara que estuviese en su opinión a la altura de Haydn, a quien dedicó unos cuartetos de cuerda.

En 1790 murió el patriarca de los Esterházy y su sucesor resultó ser un hombre sin interés por la música, que despidió a la orquesta y jubiló a Haydn. Con tal motivo aceptó la oferta de un empresario musical alemán para viajar a Inglaterra y dirigir sus nuevas sinfonías con una gran orquesta. Su estancia en ese país fue un gran éxito. Haydn alcanzó una amplia fama y tuvo considerables ingresos. En Inglaterra compuso también algunas de sus obras más sobresalientes, como las Sinfonías de Londres (entre ellas la Sinfonía nº 104 "Londres") y las Sinfonías Militares, el Cuarteto Reiter o el Rondo Gitano para trío con piano.

Habiendo considerado quedarse en Inglaterra, Haydn finalmente volvió a Viena, donde se hizo construir una gran casa, y decidió dedicarse a la composición de obras sacras. Escribió dos grandes obras, el Oratorio La Creación y el Oratorio Las Estaciones, así como seis Misas. También compuso los últimos nueve Cuartetos de cuerda. A partir de 1782 una enfermedad que había tenido anteriormente volvió a aparecer y se desarrolló hasta tal punto que ya no era capaz de componer, si bien en su mente las ideas de nuevas obras fluían con facilidad. A pesar de estar bien cuidado y no faltarle de nada, así como de tener amigos y ser un músico apreciado, Haydn debió pasar sus últimos años entristecido por no poder trabajar en su música.

Haydn murió a los 77 años de edad, mientras Viena era atacada por las tropas de Napoleón. Sus últimas palabras fueron las que dirigió a sus sirvientes, tranquilizándoles acerca de las bombas que caían en la vecindad.

Músicos contemporáneos

* Luigi Boccherini
* Andrea Luchesi
* Giovanni Battista Cirri
* Gottfried van Swieten
* Johann Peter Salomon

Fuentes: Wikipendia
,Enciclopedia libre


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Guajira



Género cantable, situado, como la criolla, con la que guarda semejanza, en el ámbito de la canción cubana.

Se refiere en sus temas, a asuntos campesinos, de manera bucólica, idílica.

Utiliza estrofas versificadas, casi siempre bajo el modelo de la décima



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Baile nacional de Cuba. El danzón, propiamente popular entre la gente del campo, se caracteriza por no tener una melodía tradicional propia y ser acompañada por los timbales y el güiro , este último indispensable para marcar los ritmos con que se matiza este baile . Todo unduce a creer que su origen se encuentra en la antigua música de los negros africanos llevados a las Antillas. La linea musical ofrece en muchas ocasiones alguna incoherencia, ya que en ella son empleados fragmentos de óperas, zarzuelas o músicas que se hayan popularizado, constituyendo, en algunas ocasiones , ciertas algarabias en las que solo domina el elemento rítmico en combinaciones tan atrevidas y desusadas, que sólo son comprensibles por los que está, acostumbrados a escucharlo o a ejecutarlo, pues si se desconoce este género de baile se hace imposible a cualquiera que intente seguirlo, `por la rareza en la medida de las figuras y la gran dificultad que supone traducirlo en una regular sucesión de compases equivalentes.  El danzón, con el tiempo, y gracias a dignos esfuerzos efectuados por los músicos cubanos, ha ido evolucionando , a lo menos entre la población culta, obteniéndose algún refinamiento en sus formas dándole alguna lógica musical, tato en la linea melódica como en el fondo armónico del acompañamiento. Este resultado fue conseguido gracias a algunos concursos que se celebraron en pro de la música popular cubana que determinaron que el danzón se dignificara y pudiera introducirse en los salones y alternar en el mundo del arte con la habanera.


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Domingo, 12 de noviembre de 2006

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He encontrado una página muy buena para retocar fotos in situ, las de música las puedeo hacer muy originales, en principio parece que es gratis y no hace falta spuntarse. Una muestrra de lo que hace, he empleado poco tiempo:via , ñblog

Retocar fotos.


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P?gina con muchos midis de Elvis Presley


Midis de Elvis Presley. Ir a la p?gina.

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NO FUNCIONA. ARREGLANDO EL BLOG NUEVO

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En los cánones enigmáticos , era una pequeña leyenda , por lo regular en latín , que se ponía al principio de la composición para indicar en forma, más o menos elevada , la norma que debía seguirse para la resolución del canon. Entre los lemas más célebres se citan: Sol post vesperas declinat, quería significar que cada vez que se repetía el canon debía interpretarse un tono más bajo. Semper contrarius esto, para indicar que la imitación debía hacerse por movimiento contrario o a la inversa. Es célebre, también , por el ingenio que demuestra el empleado para indicar que la resolución debía tener efecto por movimiento retógrado: In girum imus noctu ecce ut consumimur igni, lema que lo mismo se lee empezando por la primera letra como por la última.

Bibliografía: diccionario de la música , Michel Brenet.(1946)

CANON ENIGMÁTICO





Como la propia palabra indica, las entradas de este tipo de canon no vienen señaladas en la forma habitual, sino con una especie de "enigma" que acompaña al propio canon y que sirve como llave de apertura debiendo, por tanto, intuir donde se esconden y como se deben cantar.

"Caecus non indicat de colore" (el ciego no distingue los colores) por tanto, se deben cantar las "negras" como si fueran blancas .

"De minimis non curat praetor" (el jefe no se preocupa de las cosas de menor valor) significa que la siguiente voz no debe cantar las mínimas (blancas);

Veamos ahora este Canon enigmático de Mozart e... ¡Intentemos adivinar la solución antes de mirarla




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S?bado, 11 de noviembre de 2006

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En 1810, Ludwig van Beethoven acudió a un recital que iba a ejecutar, según le aseguraron, un prodigio de la música.Se trataba de una niña llamada Teresa, la cual tenía fama de precoz pianista que, en efecto, deslumbró a todos los presentes… hasta que llegó el momento de interpretar una pieza del compositor alemán.

La pequeña se aturdió tanto que se vio incapaz de tocarla y abandonó la sala entre sollozos. Beethoven corrió tras ella y le preguntó el porqué no había podido seguir con su pieza. Teresa, limitó a excusarse asegurando que todas las composiciones eran muy difíciles. Para sosegarla, el músico, prometió componerle una sonata sólo para ella.

Y así fue, al día siguiente, la joven pianista recibió una partitura inmortal. Se titulaba “Para Teresa” (Recuerdos del 27 de abril de 1810).

La pieza ha pasado a la historia bajo el título de “Para Elisa”, pero no se sabe bien si por error de algún copista o por la mala caligrafía del genial compositor.

Aunque la vida amorosa de Beethoven es algo confusa y bastante desconocida, algunos indicios apuntan a que la precoz pianista no era otra que Teresa Malfatti, de la que años después, al reencontrarla, se enamoró y quiso contraer matrimonio, siendo rechazado por la inspiradora de una de las sonatas más famosas de la historia de la música.


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Sol menor segundo grado de la tonalidad fa mayor



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Viernes, 10 de noviembre de 2006

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Fa mayor y do séptima . Gráficos







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Todas las misas cantadas , mp3, de todo el año litúrgico. Canto gregoriano.

Misas litúrgicas . Canto gregoriano.




Misas litúrgicas. Canto gregoriano


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Juan Sebastian Bach faltó a clase muchos días , por sus problemas familiares. 95 horas el primer año y 103 el segundo año.
Su madre murió cuando tenía 9 años, y a su padre lo perdió un año después (Johann Ambrosius Bach). A los niños los tenía que acoger alguien de la familia pues se encontraban solos. Sebastian y su hermano Jakob fueron recogidos por su hermano mayor Johann Christoph (nacido en 1671), era organista de la ciudad de ohrdruf, ciudad de Turingia. Johann seguía la tradición familiar de músico, asi el éxito de los Bach como músicos, toda una familia dedicada a la música. Que gozoso serían las reuniones familiares, todo el mundo tocando y cantando , aquello parecería una gran fiesta eterna.
Los lazos entre hermanos no eran muy favorables pues johann había dejado a sus padres mucho antes con el propósito de estudiar con el gran organista Johann Pachelbel; sus hermanos extrañarian a su hermano pues no lo habian visto casi nunca. Luego estaban los problemas financieros; Johann se había casado y tenía un hijo en camino y el sueldo que le pagaba el consejo de Ohrdruf era escaso.
Para paliar estos problemas Jakob se fué al año de estar con ellos para recibir enseñanzas musicales del músico de Eisenach que había sucedido al padre : (Ambrosius Bach).
Bibliografía: Johann Sebastian Bach, Culminación de una era , Karl Geiringer.(1966)


El segundo y tercer hijo de Christoph (26) eran aquellos notables mellizos cuyas particularidades relata Philipp Emanuel en la Necrología y que se encuentran reproducidas en el libro de Forkel. El mayor es Johann Ambrosius , el padre de Juan Sebastian; el menor , Johann Cristoph (32), se formó con su padre y ejerció su profesión en Arnstadt donde fué músico de la corte y del municipìo. Su hijo mayor, Johann Ernst (33) sucedió a Joh. Sebastian en el puesto de organista de Arnstadt cuando éste , en 1707, siguió el llamado a Mühlhausen. Otro hijo (34) de Joh, Christoph, llamado como su padre, fué tambien organista.


Johann Ambrosius (35) nació en Erfurt. Aprendió con su padre el violin y la viola, instrumentos que enseñó luego a su hijo Johann Sebastian. En 1667 fué nombrado miembro de la compañía de los músicos municipales en su ciudad natal, bajo su tío Johann (9); en el año siguiente se casó con Elisabeth Lämmerhirt, hija de un peletero y concejal de la ciudad, con la cual tuvo seis hijos y dos hijas. En 1671 Jon. Ambrosius se trasladó a Eisenach, donde sucedió a su primo Jon. Christian (10). Aquí pasó el resto de su vida como músico municipal y de la corte. Después de la muerte de su mujer, en 1694, se casó por segunda vez, pero murió ya al año siguiente. De sus hijos tres adquirieron importancia como músicos.
El mayor , Johann Christoph (36) fué alumno del conocido organista Johann Pachelbel, en Erfurt. En 1694 se hizo cargo del puesto de organista en la pequeña ciudad de Ohrdruf donde al año siguiente acogió a sus dos hermanos menores huérfanos. Sus cinco hijos (37 a 41) fueron todos músicos, chantres y organistas, como tambien cuatro de sus nietos ( según Terry).



El tercer hijo de Joh. Ambrosius, Johann Jakob (42) quien llevaba tres años a Joh. Sebastian, hizo su aprendizaje entre los músicos municipales de Eisenach. En 1704 se enganchó en el ejercito sueco como oboísta. En ocasión de su partida para el servicio bajo las banderas del rey Carlos XII, Jon. Sebastian compuso el Capriccio sopra la lontanaza del suo fratello dilettissimo.
Estuvo presente en la batalla de Poltava, donde Carlos XII fué derrotado por los rusos ; viajó hasta Turquía con su soberano y, finanmente, se radicó en Estocolmo como músico de la corte. Fecha y circunstancias de su muerte son desconocidas. No dejó hijos.


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Jueves, 09 de noviembre de 2006

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En la Edad Media, era un pequeño poema de origen Bretón en versos octosílabos, que recitaban los juglares cortando su declamación con estrifas con acompañamiento. Le Roman de Tristan (siglo XII) habla de los buenos lays de arpa que el héroe enseñaba a Iseo . Más tarde, el lay se convirtió en una forma sabia de composición monódica, caracterizada por el cambio de la melodía e incluso del ritmo de dos en dos estrofas en el género de la secuencia.

Fuentes : Diccionario de la música


El ciclo de leyendas de Tristán

Tristán hace su primera aparición en 1120, en el folclore Céltico que circula en el norte de Francia. Aunque las historias más viejas concernientes a Tristán ya se perdieron, algunas derivadas de ellas aun existen. Las dos más famosas son los recuentos del poeta anglo-normando Thomas y del poeta francés Beroul. Chretien de Troyes también clama que sus trabajos también escribieron esta versión de la historia, pero, si así fue, no existen evidencias físicas que lo comprueben.

Al igual que otros caballeros de la mesa redonda, Tristán y su historia varía de poeta en poeta. En una historia, Tristán es un caballero con sobrepeso, que esta constantemente burlado pero que sin embargo asombra a todos al derrotar la Gran Serpiente que guarda la cueva de Micheal. En la historia “Tristran and Yseut” de Beroul, Tristán es tan valiente como cualquier otro caballero, pero se fía de trucos y no mantiene los estándares morales esperados de un caballero. De hecho, ocasionalmente Tristán está en segundo lugar solamente precedido por Lancelot en cuanto a valor.

En el cuento de Beroul, Tristán viaja a Irlanda para traer de regreso la justa Yseut para que la despose su tío el Rey Mark. En el camino, ellos accidentalmente ingieren una poción de amor que causa que este par se enamore desesperadamente durante tres años. Aunque Yseut se casa con Mark, ella y Tristán están forzados por la poción para encontrarse y cometer adulterio. Y aun cuando el típico personaje noble de leyenda medieval debería estar avergonzado por tales actos, la poción del amor que los controla libera a Tristán y a Yseut de esta responsabilidad. De este modo Beroul los representa como víctimas. Los consejeros del rey intentan constantemente juzgar a este par por adulterio, pero una y otra vez la pareja se vale de trucos para preservar su fachada de inocencia. Finalmente el efecto de la poción se termina, y los dos amantes están libres de continuar. El final de Beroul es moral y ambiguo, que difiere de sus contemporáneos como Chretien de Troyes y agrega un poco de mística a la leyenda de Tristán. Además, de acuerdo al mito céltico, Tristán posee un caballo llamado Bel Joeor.

Tristán en España

En el primer tercio del siglo XIV, el Arcipreste de Hita leyó un Tristán. Una de las versiones francesas de la historia de Tristán fue traducida al español e impresa por primera vez en Valladolid en 1501, con el nombre de "Libro del muy esforzado caballero Don Tristán de Leonís y de sus grandes hechos en armas". Dada la popularidad que alcanzaron los libros de caballerías, la obra tuvo un éxito muy considerable, ya que fue reimpresa en Sevilla en 1511, 1520, 1525, 1528, 1533 y 1534, e incluso continuada en una segunda parte llamada Tristán el joven, que relata las hazañas caballerescas de un hijo de Tristán de Leonís.

[editar] Tristán e Isolda

Entre 1857 y 1859, Richard Wagner compuso lo que ahora es considerada su obra maestra, Tristán e Isolda. En su trabajo, Tristán esta descrito como una figura romántica condenada.

Raíces Bretonas

Fue la tesis del medievalista francés Joseph Bedier que todas las leyendas de Tristán podían ser originadas por un solo poema, traducido por Thomas de Brittania al francés de una fuente original Cornuallés o Bretón.

Tristán no fue su nombre real, su nombre fue Drustanus en el viejo Bretón. Los Cornualles grabaron su nombre como 'Trystan', y este se convirtió en Tristam para los hablantes ingleses.

Una tumba que aún permanece en pie cerca de Fowey en Cornualles tiene grabado en su lápida en un simple latín 'Drustanus Hic Lacit Cunomori Filius' (Drustanus yace aquí, de la casa de Cunomorus). Cunomorus es el nombre latino del Rey Mark de Cornwall, quien en la leyenda fue un malvado tirano y el tío de Tristán.

¿Existe una conexión Caledona?

Existen varios aspectos muy extraños de Tristán. El primero de todos, es que tiene un nombre Pictico. Drust es un nombre común de los reyes Pictos, y Drustanus es simplemente Drust trasladado a Bretón. Puede venir de una leyenda antigua respecto a un rey picto que mató a un gigante en el pasado distante, que fue dispersada a través de las islas. O quizás puede haber otra posibilidad aún más extraña.

Otro aspecto extraño es su reino, Lyonesse. No existió tal reino. Sin embargo, existen dos lugares llamados Leonais: uno en Bretaña, y el otro en la traducción del Francés Antiguo de Lothian. Si Tristam fuese el príncipe de Lothian haría más razonable el origen de su nombre, Lothian eran las tierras fronterizas del reinado Caledonia|Picto (y una vez fue parte del territorio Picto, Tristam puede de hecho haber sido un príncipe Picto bajo el reinado de un Rey Británico).

¿Bajo esta explicación, como se explica la existencia de la lapida? Pudo haber sido adoptado por la familia de Mark de Cornwall, lo que era una práctica atestiguada dentro de la ley romana

Wikipendia (Ampliar)Tristan e isoldaImagen


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La bemol.    Ab

Escala:   Lab   Sib      Do      Re     Mib    Fa      Sol       Lab
               Ab     Bb        C       D       Eb    F        G          Ab

Triada:       Lab        Do       Eb
Cuatriada:     Lab    Do        Eb       Sol





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Mi?rcoles, 08 de noviembre de 2006



Edward Kennedy "Duke" Ellington, nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.

Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington.
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En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria.

Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.

En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"

A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.

Fuentes: Jazz , vino y literatura.


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Compositor francés cuyas innovaciones armónicas abrieron el camino de los radicales cambios musicales del siglo XX. Fue el fundador de la denominada escuela impresionista de la música. Nació en Saint-Germain-en-Laye el 22 de agosto de 1862 y se educó en el conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En 1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Peter Ilich Tchaikovski. Durante su estancia en Rusia conoció la música de compositores como Tchaikovski, Aleksandr Borodín, Mili Balakirev y Modest Musorgski, así como el folclore ruso y gitano. Debussy ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de Roma por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del premio, estudió en Roma donde se instaló en la Villa Médici durante dos años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran la suite sinfónica Printemps y una cantata, La señorita elegida, basada en el poema The Blessed Damozel del escritor británico Dante Gabriel Rossetti.

Leer más......


Partitura para piano música de Debussy



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Música en libertad

Desde Madonna y Public Enemy a Wagner y Debussy, en Internet se consiguen miles de canciones y los programas que permiten bajarlas gratis con la calidad digital del compact. Pero eso desató una batalla campal entre los que se empecinan en armar disquerías gratuitas en la red y las compañías discográficas, en muchos casos escondidas detrás de la policía virtual y desesperadas por no perder millones. Sólo hay que saber dónde buscar para no tener que comprar compacts.

Por Daniel Link

Internet es hoy un campo de combate entre quienes pretenden que la red funcione como una gigantesca pantalla publicitaria, góndola virtual de casi todo, y quienes prefieren que la red funcione no como un hipermercado sino como un espacio público donde circulen ideas, palabras y sonidos sin más regulación que la que surja de los debates que sostienen los participantes de ese nuevo espacio, todavía utópico e inmoderadamente libertario, es decir: interesante.

En los últimos tiempos se ha desatado una batalla (legal, pero sobre todo ideológica) sobre los derechos de reproducción musicales en formatos digitalizados como los ya célebres archivos con extensión mp3, que permiten una calidad de sonido prácticamente idéntica a la del compact disc convencional, en un tamaño accesible a cualquier usuario con paciencia, instinto de detective y una conexión rápida. Una canción de cuatro minutos en formato mp3 ocupa entre nueve y diez megabytes (un diskette tiene capacidad para uno y medio y un CD Rom para seiscientos). El reproductor (gratuito) para archivos con este formato es el célebre Winamp, que simula una consola y permite escuchar música en la computadora sin más accesorios que una placa de sonido. Justin Frenkel, el veinteañero diseñador del Winamp declaró que “el mp3 tiene una imagen de moda, un tanto contracultural”. Desde su invención, en 1997, el Winamp ha sido bajado de Internet más de diez millones de veces.

Madonna, Wagner, Public Enemy o Debussy, música tradicional de mariachis o las últimas novedades discográficas: todo puede encontrarse en la red y todo puede copiarse gratuitamente, lo que despierta las iras de las compañías discográficas, que imaginan que dejarán de ganar millones de dólares si se populariza y generaliza la saludable práctica de bajarse canciones de Internet antes de salir a comprar compacts. Según la consultora Forrester Research, las ventas electrónicas constituirán un porcentaje importante del negocio discográfico del futuro: unos cuatro mil millones de dólares en el 2002. Si se consigue, como ridículamente se pretende, prohibir la conversión y copia de música en formatos digitales a través de la red, no sólo se estaría impugnando un estado de la técnica, sino sobre todo un estado de la imaginación y del derecho.

Jason Zotaley (19 años) tiene unas mil trescientas canciones en su computadora, desde clásicos de Van Morrison hasta lo último de los Beastie Boys. Cualquier joven le prestaría un compact a un amigo para que lo grabe. Pues bien, Jason ha puesto a disposición de todos sus ciberamigos -es decir de todos los usuarios de la red- su archivo de canciones. ¿Es legítima una práctica semejante? ¿Qué intereses vulnera? ¿Qué propiedades del espacio público promueve? Ram Samudrala, músico y estudiante de 26 años que realiza un posdoctorado en la Universidad de Stanford es el autor de The free music philosophy, un manifiesto a favor de la distribución gratuita de música. Samudrala cree que tiene que ser “la gente quien decida qué música le gusta, no las compañías discográficas y las emisoras de radio”. Los formatos de audio digital utilizados en Internet, sostiene, son un paso importante en la transformación radical de la industria musical porque facilita la transmisión rápida y barata de sonidos sin pérdida de calidad.

El grupo de rap Public Enemy publicó en sus páginas de la red algunas de sus canciones en formato mp3 para que sus seguidores pudieran copiarlas en sus computadoras. En diciembre del año pasado, su discográfica amenazó a la banda con emprender acciones legales si no retiraban las canciones de Internet. Chuck D, líder del grupo, manifestó su sorpresa: “Los ejecutivos, abogados y contables... se asustan de la tecnología que equilibra el espacio creativo y hace más difícil la explotación de los artistas”.

La generosidad, el desinterés, la libre circulación son conceptos alarmantes desde que la Internet se convirtió masivamente en World Wide Web. Por supuesto, los intercambios de archivos mp3 funcionan perfectamente según el viejo y eficaz protocolo FTP que los universitarios prefieren usar (porque está libre de propagandas y no exalta el consumo). En las universidades norteamericanas, donde hay acceso a conexiones mucho más rápidas que las telefónicas, hasta un 75 por ciento de los estudiantes se ha convertido a la “piratería musical”, tal y como señalan las empresas discográficas.

La Recording Industry Association for America (RIAA) es la policía musical. Rastrea la red en busca de sitios que ofrezcan canciones gratis y envían cartas a los administradores de las páginas solicitándoles que se abstengan de una oferta tan perversa. Es por eso que, ante un lanzamiento particularmente esperado, hay que apurarse. La semana que Sony lanzó Ladies & Gentleman de George Michael, podía conseguirse en la red una versión en mp3 del hit “Outside”. Quienes alcanzaron a bajarlo a sus computadoras lo siguen escuchando mientras estudian o trabajan (o, hartos, ya lo borraron de sus discos, qué importa). Pero pocos días después la página ya no estaba disponible.

Lo que permite el formato mp3 es una relación más libre, menos fetichista con la música y las estrellas del pop. Pero además hay miles de grupos desconocidos para la industria musical que “graban” sus canciones y las distribuyen en la red. El tecno, por ejemplo, es uno de los géneros mejor representados en los millones de páginas que ofrecen música gratuita.

La batalla recién comienza. Por doscientos dólares la empresa Diammond ha lanzado Rio PMP300, una especie de walkman que reproduce archivos digitalizados de audio, con una capacidad de almacenamiento de una hora de música en formato mp3.

Fuentes: ir a esta página


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ARTICULO MEJORADO EN MI NUEVA PAGINA. IR A LA PAGINA .


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TONALIDAD_________________

Conjunto de sonidos, cuyo funcionamiento está regido por un sonido principal llamado tónica.
La tonalidad se basa es siete sonidos llamados grados y que se corresponden con los siete nombres de las notas. Se identifican con números romanos en la armonía moderna.
Clases de tonos: Una tonalidad puede tener varios modos , principalmente dos:
Se llama MODO a la manera de ser de una escala diatónica. Los MODOS son dos: MAYOR y MENOR.
Si la tónica es do entonces la tonalidad puede ser tanto do mayor como do menor, según se use la escala mayor o menor.
Grados tonales Son los grados que definen un tono y son: I, IV, y V
Grados modales Son los grados que definen el modo del tono y son: el III principalmente y los II, VI y VII.
Un tono puede ser de modo mayor o modo menor: Cuando decimos estamos en fa mayor (tonalidad) o estamos en fa menor (tonalidad) nos referimos a la forma de esa escala y de esa tonalidad, no es igual la escala de la tonalidad de do mayor que la escala de la tonalidad de do menor.
EJEMPLO: TONALIDAD DO MAYOR Y TONALIDAD DO MENOR

TONALIDAD DE DO MAYOR______________________________
Escala do,re,mi,fa,sol,la,si,do ( Del 3º al 4º medio tono; del 7º al 8º medio tono)

TRIADASDo mayor :do,mi,sol.
Re menor: re,fa,la
Mi menor:mi,sol,si
Fa mayor: fa,la,do
Sol mayor: sol,si,re
La menor: la,do,mi
Si dim. : si,re,fa

TONALIDAD DO MENOR
______________________
Escala do, re, mib, fa, sol, lab, sib, do (Del 3º al cuarto 1 tono ; del 7º al 8º un tono)

TRIADAS
Do menor: do, mib, sol.
Re dim : re, fa, lab,
Mib mayor: mib, sol, sib.
Fa menor: fa, lab, do.
Sol menor : sol, sib, re.
Lab mayor: lab, do, mib.
Sib mayor: sib, re, fa.


La tonalidad es un concepto amplio ya que implica varios factores así como una particular combinación de ideas La tonalidad se basa en escalas, es decir, en un orden determinado de sucesión de intervalos y por consiguiente de notas. Así, por ejemplo, la escala mayor es una sucesión de los siguientes intervalos que completan una octava (total: 12 semitonos): tono, tono, semitono, tono, tono, tono y semitono. La primera nota de la escala (y que da nombre a la misma) se denomina fundamental o tónica, ya que las melodías que acaban en ella dan una sensación de reposo o llegada. La quinta nota de la escala se denomina dominante y cumple una función a resolver a otra nota en especial a la tónica.,( es decir, que tiene una fuerte tendencia a resolver o seguir hacia una nota tónica). Otra nota de gran dinamismo armónico es la séptima nota de la escala mayor y de la menor armónica, que se encuentra a sólo un semitono de la tónica, conocida también como sensible tonal.Esta nota tiende a resolver en la tónica. Si , séptima de do, resuelve en la tónica do.


Publicado por bach24111 @ 11:47  | Teoria musical
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Arabesco Linea musical que produce la sensación de curva sinuosa con entrantes y salientes y que se obtiene combinado partes en arpegio y partes en movimiento concunto. Como ejemplo de linea musical que denota la forma del arabesco, cabe citar, entre obras de muchos y muy diversos autores , el Vals de do diesi menor (op. 61 , nº 2 ) de chopin, parte comprendida entre los compases 33 y 64.

Escuchar Arabesco de Debussy , para alegrar la mañana : música buena:






Denominación que se da a una composición cuya curva musical ha sido estructurada utilizando la forma del arabesco.

Arabesque En la danza. esta palabra indica de una o varias posiciones del cuerpo, posturas que pueden variar hacia lo infinito, como las actitudes. Una mano o pierna ligeramente desplazada, modifica el sentido y el nombre del arabesco. Coreográficamente hablando el arabesque se realiza de modo que el cuerpo se mantenga sobre una sola pierna doblada en posición normal, manteniendo la otra horizontalmente acord con el sentido que expresan los brazos. Los arabesques sirven principalmente para manifestar en la danza la envidia, la cólera, el desprecio, el desdén, así como tambien la alegría y el orgullo.

Bibliografia : diccionariode la música. Michel Brenet. Primera edición 1946.


Publicado por bach24111 @ 10:28  | Formas musicales
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Martes, 07 de noviembre de 2006

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Formas musicales. Lista:

La Forma musical
El Género musical

Formas instrumentales

Arabesco/Arabesca
Badinerie
Barcarola
Bagatela
Ballet
Batalla
Berceuse
Bourrée
Capricho
Cassazione
Chacona
Concierto
Diferencias
Divertimento
Estudio
Fantasía
Fuga
Gallarda
Impromptu
Invención
Marcha
Mazurca
Minué
Misterio
Momento musical
Musette
Nocturno
Obertura
Partita
Pasacalle
Pavana
Poema
Poema sinfónico
Polca
Polonesa
Preludio
Rapsodia
Ricercare
Rondó
Scherzo
Sinfonía
-Sinfonía concertante
-Sinfonietta
Sonata
-Cuarteto
-Sonatina
-Trío
Suite
-Allemande
-Courante
-Zarabanda
-Giga
Tiento
Tocata
Vals
Variación
Formas vocales
Canción
Cantata
Canto gregoriano
Coral
Lied
Madrigal
Misa
Motete
Opera
-Aria de bravura
-Arietta
-Ariosso
-Cavatina
-Concertante
-Duo
Oratorio
Pasión
Requiem
Villancico
Zarzuela
Formas mixtas
Aria
Balada
Canon
Elegía
Habanera
Intermezzo
Romanza/Romance
Serenata


Publicado por bach24111 @ 23:07  | Formas musicales
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Danza Valenciana de tan sobrio y elegante estilo, que en nada difiere de la pavana.Se bailó en las cortes durante los siglos XVi a XVIII.


Página del grupo de danzas de puçol


Mapa



Castillos en Puçol y alrededores. Página de Puçol,


Publicado por bach24111 @ 23:02  | Bailes Tipicos
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Triada:   G       Bb      D

Cuatriada:   G    Bb      D    F

Escala:       G     Ab     Bb     C    D    Eb      F     G

                  Sol    Lab     Sib     Do     Re     Mib     Fa    Sol

Armadura      Sib     Mib     Lab

                        Bb      Eb      Ab

        






Publicado por bach24111 @ 10:24  | Acordes--cuatriadas
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Lunes, 06 de noviembre de 2006

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Robert Schumann (Zwickau, 8 de junio de 1810 - Endenich, Bonn, 29 de julio de 1856). Compositor clásico alemán de la época del romanticismo, y uno de los músicos de mayor fama en la primera mitad del siglo XIX. Tanto en vida como en obra refleja en su máxima expresión la naturaleza del romanticismo, siempre envuelta en la pasión, el drama, y, finalmente, la tragedia. Aúna la ilustración literaria con una gran complejidad musical,

Leer más.......
Concierto para piano




Manuscrito de la 4ª sinfonía


Publicado por bach24111 @ 20:22  | Autores cl?sicos
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Domingo, 05 de noviembre de 2006

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En esta página se ven mejor las partituras, aver si mejoran estos de mi arroba que solo saben poner anuncios, me parece bien pero se pasan con tanto anuncio, me hartan a mi y hartan a los que se meten en estas páginas, mal veo esto:

Partitura de sol menor, triadas y acordes, escala., inversiones


Publicado por bach24111 @ 21:01  | Acordes--cuatriadas
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Acordes y letra
Summertime




Intro: | G - Am | C - B7 | Em - Am | Em - B7 |

(B7 ) Em B7 Em A9 Em Am Em Fm F#m Gm
Summertime, and the livin' is ea - sy;

Am Am+7 Am7 C B7 C B7
Fish are jumpin', and the cotton is high.

(B7) Em B7 Em A9 Em Am7 Em Fm F#m
Your daddy's rich and your mama's good-lookin',


Am G Am CM7 CM7/6 B7 Em Am Em (C) B7
So hush, little baby, don't you cry.


B7 Em B7 Em A9 Em Am Em Fm F#m Gm
One of these mornin's, you're gonna rise up singin';

Am Am+7 Am7
You're gonna spread your wings

C B7 C B7
And take to the sky.

B7 Em B7 Em A9 Em Am Em Fm F#m
But 'til that mornin', ain't nothin' can harm you

Am G G/F# Em CM7 CM7/6 B7 Em B+ Em7 Em6 Am7 B7 Em
With dad - dy and mammy stand - in' by.


Publicado por bach24111 @ 11:16  | Videos musicales
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S?bado, 04 de noviembre de 2006


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Sol menor , Gm , Escala frigia : G Ab Bb C D Eb F

TRIADA : G Bb D (Gm)
CUATRIADA: G Bb D F (Gm7)
El séptimo grado es fa .





En este video se ve la diferncia de sol menor según la tonalidad en que te encuentras. En el video la tonalidad es fa mayor , 2º grado .

En el gráfico la tonalidad es Mib mayor,  3º  grado.


Publicado por bach24111 @ 18:11  | Acordes--cuatriadas
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Viernes, 03 de noviembre de 2006

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Blue Moon of Kentucky
Raul Seixas


A D A
Blue moon, blue moon, blue moon
E
Keeps shinning bright
A A7
Blue moon keeps on shinning bright
D
She's gonna bring me back
Dm
My baby tonight
A E
Blue moon, keeps shinning
A E
bright
A A7
I say blue moon of Kentucky
D
Does on keep on shinning
A
Shines on above this girl
E
I let so blue
A A7
I say blue moon of Kentucky
D
Does it keep on shinning
A E
Shine on above this girl
A A7
A let alone
D
I wuz home with her last night
A
Dying sunbright
D A
We'll have love
E
Make it fine!
A A7
Blue moon of Kentucky does it keep
D Dm
On shinning
A E
Shine on above this girl
A
I let so blue
A D
Quando olhei a terra ardendo
A
Qual fogueira de São João
A7 D
Eu perguntei, a Deus do céu, ai!
E A
Por que tamanha judiação?
A D A
Blue moon, blue moon, blue moon
E
Keeps shinning bright
A A7
Blue moon keeps on shinning bright
D
She's gonna bring me back
Dm
my baby tonight
A E
Blue moon, keeps shinning bright


Cientos de letras y acordes y tablaturas para guitarra y piano


Publicado por bach24111 @ 19:48  | Grupos musicales
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Imagen

Ir a unas de las páginas buenas que hay sobre el tango. Escucharás tangos, y leerás todo sobre esta forma musical maravillosa:
Cuadernos de tango





Argentina - Tango - Bandoneón, son tres conceptos difíciles de separar. Tres palabras que a través de los años se han ido ensamblando de tal manera, que ya nada las podrá separar.

Es bien sabido que Europa extendió sus brazos y vino a América a ayudamos a fundar la patria, pero que lejos estaban esos rubios germanos que a mitad del siglo XVIII y tratando de mejorar la calidad tonal a sus instrumentos regionales, dieron origen a la jaula sonora que entregó alma y sonido al tango argentino.

Leer más..........


Publicado por bach24111 @ 18:05  | Instrumentos musicales
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Todos lo videos de música clásica que vaya encontrando haciendo referencia al artículo que desarrolle lo colocaré en esta dirección:

Videos musicales clásicos. Videos musicales en general.


Publicado por bach24111 @ 15:57  | Videos musicales
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Este libro lo recomiendo como esencial para saber la teoría moderna. Yo me guío por él en la música moderna. NO es muy caro y tienes muchas ideas sobre acordes, cuatriadas, modos .....

No tengo ningún beneficio en recomendarlo solo que a mi me gusta como explica la teoría moderna.


Publicado por bach24111 @ 13:20  | Teoria musical
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Hojas bloque de St. Vincent. 8 sellos en cada hoja. Representan discos del conjunto The Doors.Año 1979.




The Doors fue un grupo de rock ácido, formado en Los Ángeles (California, estadounidense) en julio de 1965 y disuelto en 1973. Estaba compuesto por Jim Morrison en la voz, Ray Manzarek en los teclados (y, a la vez, en el bajo producido en su órgano), John Densmore en la percusión y Robby Krieger en la guitarra.




Estilo
El estilo musical de la banda se basa en una mezcla de blues y psicodelia. El teclista aporta elementos de música clásica y del blues (por la influencia de sus padres); el guitarrista, del flamenco y el baterista, del jazz. Las letras del grupo, compuestas principalmente por Jim Morrison, se apartan en buena medida de las convenciones del pop de su época. En los textos de los primeros discos (The Doors, Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis. Es destacable en referencia a lo anterior el gusto de Jim Morrison por la poesía de los simbolistas franceses, como Rimbaud o Verlaine. En los últimos discos, como L.A. Woman, la lírica de Morrison evoluciona hacia letras más sencillas e inmediatas, al estilo del blues.


Significado del Nombre
El nombre The Doors proviene del libro de Aldous Huxley "The Doors of Perception" (Las puertas de la percepción), inspirado a su vez en un pasaje del poeta William Blake: If the doors of perception were cleansed, everything would appear to man as it is: Infinite.. («Si se abrieran las puertas de percepción, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito»Gui?o.



La ambición original de The Doors es integrar satisfactoriamente elementos de diversas artes, entre ellas la poesía, el teatro y, desde luego, la música. Morrison y Manzarek consideraban que el rock podía convertirse en una nueva religión dionisíaca, que ofreciera al público una experiencia comparable a la tragedia griega o el éxtasis chamánico. Aquí se percibe la influencia que tuvo para la banda y, en concreto para Morrison, la lectura de la obra de Friedrich Nietzsche.



The Doors logran fama rápidamente con su primer disco, The Doors, de 1967. El éxito del disco se debe al tema "Light my Fire", que alcanza el número uno en las listas estadounidenses. El disco L.A. Woman, de 1971, es para muchos la obra maestra del grupo.

Por su influencia sobre otros grupos y su éxito comercial, muchos la consideran una de las bandas más importantes de la historia del rock. Aún hoy, las reediciones de sus discos originales, así como las recopilaciones y discos en directo, siguen atrayendo a un público joven que no tuvo oportunidad de conocer a la banda en su época de esplendor.


[editar] Miembros
Jim Morrison - voz.
Ray Manzarek - teclados (bajo en su teclado).
Robby Krieger - guitarra.
John Densmore - batería y percusión.

[editar] Discografía
The Doors (1967)
Strange Days (1967)
Waiting for the Sun (1968)
The Soft Parade (1969)
Morrison Hotel (1970)
Absolutely Live (1970) (Directo)
13 (1970)
L.A. Woman (1971)
Other Voices (1971)
Weird Scenes Inside The Gold Mine(1972)
Full Circle (1972)
An American Prayer (1978)
Alive She Cried (1983) (Directo)
Live in Europe (1990) (Directo)
In Concert (1991) (Directo)
Opening The Doors of Perception (1998)
Essential Rarities (1999) (Rarezas)
Bright Midnight (2001) (Directo)
The Best of The Doors (2003)

Fuentes :Enciclopedia wikipendia


Publicado por bach24111 @ 12:42  | Filatelia musical
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Jueves, 02 de noviembre de 2006


1. Trozo pan de hogaza, 20 cm.
2. Debajo colocar el salm?n
3. Encima 4 clases de queso, brie, azul,masdam, mimolette
4. Espolvorear con un poco de pimienta.
5. Hechar un poco de cebolla, ya hecha o de las que venden (Corte Ingles) , ya precocinadas, o deshidratadas.
6. Al horno unos minutos , y fundirlo.

Teneis la mejor tostada que habreis probado nunca.
Es una invenci?n m?a, no es nada comparado con las pizzas que venden en las multinacionales, en mucho mejor y sabe?s los ingredientes que pone?s.
Que aproveche.
Os puedo dar recetas de m?s de 1000 tostadas. Poco a poco.

Publicado por bach24111 @ 19:20
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no se ve

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Las tapas y tostadas que hacía en mi antiguo mesón, aún siguen haciéndolas. Era el mesón con más clases de tostas del mundo.
Y aún sigue siéndolo.


Publicado por bach24111 @ 19:09
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Abel , Carl Fiedrich

Karl Friedrich Abel (22 de diciembre de 1723 - 20 de junio de 1787) fue un compositor alemán de la era clásica. Fue un gran instrumentista de la viola da gamba y compuso gran parte de la música más relevante en aquella época para dicho instrumento.

Leer más.........

Escuchar: Andante, sonata en sol mayorEscuchar


Publicado por bach24111 @ 14:58  | Autores cl?sicos
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La música del barroco interpretada con guitarras y laúd.


Publicado por bach24111 @ 11:37  | Videos musicales
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Copia o imitación ,más o menos servil de una obra existente. El plagio, considerado en nuestros días como acción condenable, no tuvo originariamente esta nota desfaforable cuando se trata de la utilización de una obra con fines artísticos. Además de recurrir a la copia propiamente dicha de un tema musical de otro autor, los antiguos compositores no vacilaban adaptarlo a su objeto. En el siglo XVI , se encuentran , en efecto, motetes y canciones polifónicas copiados por un autor a otro, para hacer con ellos , con otras palabras , un primer trozo de misa. Un motete de Hassler fué aprovechado por una Misa de Orlando de Lassus. Otro de Clemens non Papapor otro de Orlando de Lassus.Haendel copió y desarrolló gigas de una suite de Couperin.!6 compases de una giga de Bach (Partita en si bemol),,transquita exactamente, con un aumento de las baterias de acompañamiento, y puesta en la en lugar de si bemol, en un trozo de Gluck (Ifigenia en Táurida, acto IV). También la parte central del allegro de la Sonataen la menor, escrita por Mozart en París en 1778 , reproduce nota por nota el pasaje correspondiente de la parte de una sonata de Hullmandel, publicada también en París , unos meses antes. César Franck, en el Scherzo en si de su trio, también reprodujo casi en toda su integridad, frases enteras del Scherzo que Böely acababa de escribir para órgano , en el mismo tono

Fuentes : Diccionario de la música (Michel Brenet)




EL PLAGIO: QUE ES Y COMO SE EVITA [1].
El plagio ocurre cuando usted toma prestadas palabras o ideas de otros y no reconoce expresamente haberlo hecho. En nuestra cultura nuestras palabras e ideas se consideran propiedad intelectual; como lo es un carro o cualquier otra cosa que poseemos; creemos que nuestras palabras nos pertenecen y no pueden utilizarse sin nuestro permiso.

Por lo tanto, cada vez que usted escriba un documento que requiera investigación, debe informar a sus lectores donde de obtuvo las ideas y aseveraciones o datos que no son propios. Tanto si usted cita directamente o hace un resumen de la información, debe darle reconocimiento a sus fuentes, citándolas. De esta manera obtiene usted "permiso" para utilizar las palabra de otro porque está dándole crédito por el trabajo que él o ella han realizado.

Sin embargo, aún cuando haga un resumen usted corre el riesgo de incurrir en plagio. El plagio ocurre cuando usted presta palabras o ideas, las parafrasea para que no sean como el original, pero no lo logra del todo. Si sus palabras y frases se asemejan mucho a las de la fuente original, esto, también es plagio.

El plagio constituye una ofensa muy seria. Si se descubre que usted ha plagiado -voluntaria o involuntariamente– puede enfrentar consecuencias graves. En algunos casos de plagio los estudiantes han tenido que abandonar las instituciones en las que estaban estudiando. En general, las instituciones informan cuáles son sus reglas sobre plagio en sus manuales de políticas.


Preguntas sobre cómo se cita, cómo se resume y cómo se evita el plagio:

¿Qué significa "citar" una fuente?
Quiere decir que usted pone expresamente, dentro del texto que está escribiendo, que tomó palabras, ideas o cifras, de otra parte.

¿Cómo se cita?
Utilice las reglas establecidas por la APA (American Psycological Association - Asociación Americana de Psicología) o la MLA (Modern Language Association – Asociación de Lenguas Modernas) cita entre paréntesis (ejemplo: cita en cada parágrafo, no en el pié de página). Por lo general, lo que se pone es el apellido del autor y la fecha de publicación de la obra en referencia (APA) o el apellido del autor y el número de la página del texto del que se extrajo (MLA). Se debe hacer de manera adecuada. La forma y la puntuación, cuentan.

Debe usted también, incluir una lista completa de fuentes (bibliografía) al final de su escrito. Con esto no solamente se pretende demostrar a sus lectores que usted investigó, sino además ofrecerles otras fuentes en caso de que quiera profundizar en el tema. Nuevamente, esto debe hacerse de acuerdo a las reglas establecidas por la MLA o la APA [3].

¿Qué se debe citar?
a) Todos los datos, cifras, estadísticas que no sean de conocimiento común.
Ejemplo 1:
Los precios de la Plata alcanzaron el valor más alto en nueve años $7.28 dólares por onza, el 5 de Febrero de 1.998. Algunos analistas predijeron que alcanzaría los $10.00 dólares por onza en los dos meses siguientes (Fuerbriger D1).
Esto se debe citar porque no es conocimiento general.
Ejemplo 2:
La Declaración de Independencia Norteamericana fue escrita en 1776.
Esto es de conocimiento común y no necesita citarse.

b) Teorías o ideas específicas que han sido propuestas por otras personas.
Ejemplo:
No es la pobre y discreta pronunciación de los sonidos de vocales y consonantes lo que tanto interfiere con la comunicación, es el uso de entonaciones y acentuaciones equivocadas (Gilbert, 1994, p. 21).

c) Cualquier información específica que NO sea de conocimiento público.
Ejemplo:
Se estima que las muertes por arma de fuego sobrepasarán muy pronto las ocurridas por accidentes de tránsito como la primera causa de muerte traumática en Norteamérica (Davidson, 1998, p. A31).
(Las pautas de la APA se utilizaron en las citas anteriores).

La mejor política para adoptar es: cuando haya duda de si algo es de conocimiento público, cite la fuente.


¿Cómo evito el plagio?
a) Cite directamente la fuente entre comillas y cite la referencia.
Ejemplo:
Como lo dijo un educador: "El plagio se define mejor como una actividad deliberada – la copia consciente del trabajo de otros" (Swales, 125).

b) Parafrasee las ideas y cite la referencia. Usted no puede usar oraciones o párrafos exactamente como están en el texto, aún cuando cite usted la referencia. Las palabras que utilice deben ser LAS SUYAS.
Ejemplo:
Jhon Swales ha dicho que el plagio ocurre cuando una persona copia el trabajo de otra y es perfectamente consciente de lo que está haciendo (125).
Fuente: Swales, Jhon y Christine B. Feak. Escritura Académica para Estudiantes Graduados. Ann Arbor: University of Michigan Press, 1994.
(Las pautas de la MLA se utilizaron en las citas anteriores).

¿Cómo puedo parafrasear y estar seguro de que no me estoy "robando" las frases de otra persona?
a) Use sinónimos para todas las palabras que no sean genéricas.
b) Cambie de la voz activa a la pasiva, o viceversa.
c) Cambie la estructura de la frase.
d) Reduzca párrafos a frases.
e) Cambie partes del texto.

Miremos esta frase original:
A medida que los Estados Unidos se ha movido de una economía basada en la industria a una que tiene como base los servicios y la información, se ha presentado una caída en el nivel de los salarios de los trabajadores industriales.
(Crandall, Joann,Maryanne Kearny Datesman y Edward N. Kearny, The American Ways. Upper Saddle River: Prentice Hall Regents, 1997).

Formas aceptables de parafrasear:

El número de trabajos bien remunerados en las fabricas ha disminuido desde que la economía americana se ha desplazado de la industria hacia el suministro de servicios e información. (se cambió la estructura de la frase y se usaron sinónimos)
Con la economía americana basada más información y servicios, existen cada vez menos trabajos industriales bien pagados. (Párrafo reducido a frase, uso de sinónimos)
El punto es que usted no puede sustituir simplemente algunas palabras por sinónimos, o cambiar el orden de las palabras, –usted debe hacer un esfuerzo importante para trasformar la oración en otra que conserve el significado de la original, pero tan diferente de ésta como sea posible.

Si desea más información sobre plagio y como evitarlo, consulte: La Cita de Fuentes y el Listado de Referencias del Manual Mayfield para escritura Técnica y Científica (Mayfield Handbook on Technical and Scientific Writing).
Patricia Bennecke 8/99, Última Actualización 12/21/01, www.indiana.edu.


Fuentes: Ir a esta página: Eduteka


Publicado por bach24111 @ 9:58  | Teoria musical
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Mi?rcoles, 01 de noviembre de 2006

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Vamos a deleitarnos con esta muy buena música interpretada por la orquesta de Glenn Miller. Nos ha dejado versiones de obras muy populares, de inmejorable belleza musical ,dentro de la música de jazz y siempre interpretadas por su buena orquesta. Glenn Miller es el que me inculcó a que me gustara el Jazz. Es un mundo fabuloso en el que cuando estras ya no sales, te atrapa como la araña a la mosca , que es incapaz de soltarse, te agarra tan fuerte que es imposible salir de su tela de araña. El jazz en infinito tanto como las ideas. De una melodía salen infinitas improvisaciones , tantas como imaginación tiene el autor.



Publicado por bach24111 @ 12:54  | Jazz
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Partituras a doquier del mundo clásico, se puede contribuir a aumentarla. .  Algún día me saldrá de la pantalla Juan Sebastian Bach en carne y hueso.



Partituras clásicas en pdf


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Aparato mediante el cual el que improvisa o compone puede escribir al mismo tiempo lo que ejecuta el piano. Fueron bastantes los mecanismos de esta clase inventados, tales como el melógrafo . El más conocido de todos ellos es el que inventó Guérin en 1844.

Fuentes: Diccionario de la musica(Michel Brenet). Edición 1976


Publicado por bach24111 @ 12:12  | El piano
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mejorado

Unos ejercicios en do mayor. Armadura libre , o sea sin bemoles ni sostenidos. Manos separadas y luego juntarlas. Extensión de las notas do-sol. Ligar bien las notas , antes de dar la nota siguiente no levanteis el dedo de la anterior.




Publicado por bach24111 @ 11:07  | Aprendo piano
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