Viernes, 29 de marzo de 2013
Mi?rcoles, 27 de marzo de 2013


Publicado por bach24111 @ 18:11
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do o o si do re do si la do do la do o o si do la sol mi fa SO O O O ol

fa mi re mi fa sol la so o o o ol la si la sol fa mi re mi re do o do re mi fa re e

so o o o o o o o o ol re´ e re´ e do si la si do re´ do si si do si la do si la fa a fa a

la do la si sol fa fa a la si sol la fa re re do re e e re re fa la fa sol mi re re do re e e

re do re mi fa so o o o ol fa mi re do o o o o o

SE REPITE Los do son altos. Re´ es alto....


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Martes, 26 de marzo de 2013
Domingo, 24 de marzo de 2013
Guillaume Dufay
Como toda la producción musical del siglo xv, la obra de Dufay se articula en torno a tres grandes géneros: la misa, el motete, la canción. Pero en la misa es donde el músico puso lo mejor de sí mismo, al menos su mayor originalidad. El alcance de su técnica en el ámbito de los procedimientos cíclicos y en el de la polifonía, su equilibrio entre la técnica y la sensibilidad, son notables.
Las misas


Guillaume Dufay

Dufay compuso ocho (quizá nueve) misas y treinta y ocho fragmentos de misas. La utilización de éstos en el ordinario de la misa es tardía. Algunos están reunidos por pares (Gloria-Credo o Sanctus-Agnus) o por tríos (Kvrie-Gloria-Credo o Kyrie-Sanctus-Agnus); no todos están escritos a tres voces, sino a veces a cuatro, y algunos tienen su cantus firmus  al superius. Estos distintos aspectos y otros procedimientos más tardíos de composición permiten situar ciertas piezas aisladas en el segundo tercio del siglo. Una de ellas, el Gloria ad modum tubae, construido en un doble canon, el de las dos voces superiores y el ostinato de los dos instrumentos inferiores, recuerda a la caccia italiana del Trecento y prefigura las grandes formas barrocas, el grounc/, el pasacalle y la chacona.
Más que una transición entre dos estilos, la Missa Sancti Jacobi y su semejante (Sancti Anthonii Viennensis) testimonian por su conjunto vocal reducido y por sus vacilaciones ante el lugar del cantus firmus —al tenor o al superius— el agotamiento de una técnica arcaica y la premonición de otra, humanizada y equilibrada. Su voluntad de conceder a todas las voces igual importancia y un carácter más melódico, ya manifiesta en el Gloria y el Credo de Missa Sancti Anthonii, se afirma claramente en las misas Caput y La Mort de Saint Gothard: los pasajes alternados a dos o tres y cuatro voces se esfuerzan por variar el equilibrio sonoro y la interpretación del texto; el incipit está a partir de ahora elaborado con una especie de «memoria del futuro»; las cuatro a siete medidas iniciales del Kyrie están repetidas en las demás piezas; el tenor, bien recurre a preocupaciones matemáticas próximas al espíritu de la variación (Caput), o bien actúa en todas las partes por impregnación contra-puntística (Saint Gothard).
Aunque todavía mantenga la confrontación de los dos bloques (can-tus-contratenor y tenor-bassus), en la obra posterior de Dufay se advierten ya signos de modernidad: un cierto paralelismo entre los bloques, el uso bastante abundante de la imitación, el aspecto ya tonal de la armonía, afirmada por los movimientos cadenciales de cuarta y de quinta de la base.


Guillaume Dufay (h. 1400-Cambrai, 1474)
Entra, a partir de 1409. en la escuela de Cambrai (¿hasta 1418?); volvemos a encontrarle al servicio de los Malatesta en Italia. de la capilla pontifical en Roma y Florencia de 1428 a 1437. Entre tanto, y antes de su vuelta a Cambrai en 1445. frecuenta la corte de Saboya. Sus desplazamientos son siempre numerosos. Rodeado de honores, gozando de una buena renta, pasa en Cambrai los treinta últimos años de su vida.




fuentes: libros, internet, historía de la música.

Publicado por bach24111 @ 16:12  | Historia de la m?sica
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Nota
CHERUBINI, Luigiimages
Nace en Florencia,  (14 de septiembre de 1760 - 15 de marzo de 1842). Era hijo de un músico que trabajaba en un tea­tro de Florencia, y recibió del entonces famoso Giuseppe Sarti clase de contra­punto, en el que se hizo maestro, como se desprende de su famoso libro Cours de Contrepoint. Después de permanecer en Londres se instaló en París. Cuando en el año 1795 fue fundado allí el Con­servatoire de Musique, recibió Cherubi­ni, ya que Napoleón no le podía sufrir, tan sólo el puesto de uno de los tres Inspecteurs d' Études. Durante su estan­cia en Viena, donde interpretó sus ópe­ras Lodoiska (1805) y Faniska (1806), tuvo relaciones con Beethoven, el cual vio en él al más grande compositor de óperas que entonces existía. Bajo Luis XVIII fue miembro del Instituto, y en el año 1822 tuvo lugar su nombramiento de director del Conservatorio, de manera que formó a una serie de cornpositores franceses que más tarde habían de ser famosos.
Cheru­bini ha compuesto muchísimo: música de iglesia, obras instrumentales y, sobre todo, óperas. De éstas, la que mejor se ha conservado ha sido Les deux journées (<<El aguador», texto de Bouilly, libretista del «Fidelio»Gui?o (1800). Sin embargo, lo que más se toca de él, son las oberturas de sus óperas «Medea» y «Anacreontc». La última fué silbada en su primera representación , como música alemana.

Publicado por bach24111 @ 9:26  | Autores cl?sicos
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S?bado, 23 de marzo de 2013

Reunión organizada de personas que se ocupan en literatura, ciencia o arte, etc. En el siglo XVI, el renacimiento de los estudios gre­colatinos hizo surgir, principalmente en Italia, numerosas agrupaciones de hombres de letras y eruditos designadas con el nombre de acade­mias en recuerdo de los jardines de Academo, cerca de Atenas, en los que se reunían los discipulos de Platón. Estas agrupaciones se distin­guían unas de otras por denominaciones con frecuencia singulares, como la academia de; Ge­lati, la dei Eccitati, la dei Immobili, etc. La mayoría de estas sociedades concedió a la mú­sica un lugar principal, lo mismo en sus doctas reuniones intimas que en sus sesiones oficiales compartidas con conciertos a los que eran in­vitados auditorios de selección. En Venecia, en 1558, la Academia della Fama se ilustraba con el concurso de Zarlino y de Andrea Ga­brielli. En la academia que presidia en Floren­cia el Conde Bardi fueron realizados, bajo el pretexto ilusorio de una renovación de la tra­gedia antigua, los primeros ensayos del estilo representativo, del que iba a nacer la ópera. A partir de 1600, la Academia dei Intrepidi, de Ferrara, organizó representaciones con música. Durante todo el siglo XVII y el XVIII el mundo literario y musical de Italia demostró una vio­lenta pasión en favor de las academias. No había apenas ciudad, por pequeña que fuese, que no poseyera la suya. En Bolonia tan sólo, existían unas treinta, cuatro de las cuales eran exclusivamente musicales: la más célebre y la más duradera fue la de los Filarmonici, funda­da en 1675, y cuyos estatutos fueron renovados en 1854. Esta academia exigía de sus miembros para ser admitidos en ella una prueba de com­posición escrita, a la cual se sometió Mozart, en ocasión de su viaje a Italia en 1770. La Congregación y Academia de Santa Cecilia, de Roma, erigida en cofradía por el papa Grego­rio XIII, en 1583, y dedicada exclusivamente a la música sacra, ha sido casi la única que ha sobrevivido, de la multitud de academias musi­cales italianas. En el siglo XIX se formaron con un sentido diferente y más adecuado al tipo de las sociedades literarias o científicas, algunas nuevas academias. La Academia del Instituto Real de Música de Florencia, integrada en su mayoría por profesores de dicho establecimiento, del cual ella depende, inició en 1863 la pu­blicación de una serie de Atti o memorias, en folletos anuales. En Francia, el poeta Jean An­toine de Baíf y el músico Thibaut de Courville funda ron en París, en 1570, la primera Acade­mia de la Poesía y de la Música; en ella los autores de la Pléyade se ejercitaban en la Com­posición de versos medidos a la antigua, que Claudin el Joven musicaba con especial asidui­dad y que ejecutaban en casa de Bair los más hábiles músicos del Mundo. A pesar de la pro­tección que le dispensó Carlos IX, esta acade­mia declinó y desapareció rápidamente. Fue reorganizada bajo el reinado de Enrique m gracias al celo del magistrado letrado Guy de Faur de Pibrac, y tomó el título de Academia du Palais (del Palacio), por el lugar en que se celebraban sus sesiones. Sus conciertos se com­pletaban ya con ballets, y cuando se preparaba en ella la representación de una obra en versos medidos cantados a la manera de los griegos, la muerte de Pibrac, en 1584, y las perturba­ciones que marcaron el fin del reinado de En­rique III vinieron a detener el curso de sus actividades. Transcurrió más de un siglo antes de que llegasen a orgarnizarse y multiplicarse  en Francia, bajo el título de Academia de música, sociedades de conciertos, generalmente compuestas por miembros honorarios (socios) y otros miembros activos o asociados (ejecu­tantes). De esta manera se forrnaron las Aca­demias de Ruán (1662), Orleans (1670), Lyon (1713), Marsella (1716), Pau (I718), Carpcntras (171 ~), Tours (1724), Nantes (1727), Dijon (1728), Clermont-Ferrand, Nancy, Estrasburgo (1731), Lille (1733) y Moulins (1736), que subsistieron, casi todas, hasta poco antes de la Revolución, adaptando sus estatutos a un modelo único y su repertorio al de los teatros y los conciertos de Paris. Las academias literarias o científicas, que se reformaron durante el siglo XIX, aban­donaron el campo de las ejecuciones musicales prácticas, acogiendo no obstante en sus sesio­nes y en sus colecciones impresas los trabajos musicológicos, bastante escasos, de sus miembros. La Academia de las Bellas Artes, creada en 1803 como cuarta clase del instituto de Francia, reserva a los compositores de música seis de sus cuarenta sillones, y otorga cada año, mediante un concurso, el gran premio de com­posición musical, llamado Premio (k Roma, cuyo beneficiario debe permanecer durante tres años como pensionista en la Academia de Francia en Roma, instalada en los palacios de Ia Villa Médicis. Muchas célebres sociedades de música han ostentado en diversos países el tí­lulo de academia. En Londres, la Academy of Ancient Music, que funcionó desde 1710 hasta 1792 y fue durante mucho tiempo dirigida por Pepusch, adquirió un gran renombre por Ia excelencia de sus ejecuciones. En Berlín, la Singakademie, fundada por Fasch hacia me­diados del siglo XVllJ, para el estudio de la música vocal, organizada detinitivamente en 1791 y que aún subsiste, ha servido fiel modelo a las mejores sociedades corales alemanas. En Estocolrno, durante el siglo XVIII, una academía de música celebró conciertos importantes.

 
2. Algunos establecimientos docentes se deno­mina ron asimismo academia. La más notable es la Royal Academy of Music, de Londres, irnportante conservatorio fundado en 1822 y subvencionado por el Estado británico. Puede citarse en el mismo orden la Academia de las Artes de Berlin (Akadernie der Künste).

3. El Teatro de la Ópera, de París, fue llamado Aca­dérnie Royale de Musique et de Danse, en las cartas constitutivas de su fundación, firmadas , a por Luis XIV, en 1672, y conservó o recobró en diversas épocas este  titulo, modificado según los cambios de régimen. A imitación suya  fue adoptado en Londres este mismo nombre, de 1720 a 1728 por el teatro de ópera italiana      situado en Haymarket (Royal Academy of Mu- , sic).

4. En tiempo de Beethoven se llamaba en Viena academia a un gran concierto. La sesión celebrada el 7 de mayo de 1824, en que se interpretó en primera audición la Novena Sinfonía. fue anunciada como una «gran aca­demia».

5. En España, la Academia de Bellas Artes de San Fernando, que en un principio se denominó de Nobles Artes, aunque proyectada su fundación por Velazquez, no se reglamentó hasta el reinado de Felipe V, el 17 de julio de 1744. En 8 de mayo de 1873, en que recibió el nombre de Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, fue ampliada con Ia Sección de Música, que antes no había figurado entre sus ramas de Pintura, Arquitectura y Escultu­ra. // de baile. Escuela de danza. (Y. CONSERVA­TORIO Y SOCIEDAD MUSICAL.)

fuentes: diccionario de la música. Michel Brenet 1980.

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Con, violencia , bruscamente

 Acciaccato es un término italiano que significa "picado" o "descompuesto".
Esto indica que las notas de un acorde no debe sonar al mismo tiempo, pero desde abajo hacia arriba.

Diccionario de la música: Michel Brenet


Descanse en paz. Ya está entre los músicos clásicos.

Fallece el músico cubano Bebo Valdés

El pianista de jazz ha fallecido este viernes a los 94 años.

 

El artista cubano Dionisio Ramón Emilio Valdés Amaro, conocido mundialmente como Bebo Valdés, ha fallecido a los 94 años de edad, según informaron a Europa Press fuentes de su entorno. El pianista cubano ha muerto en su casa de Estocolmo (Suecia), donde se trasladó tras experimentar un agravamiento de su estado de salud después de un periodo de tiempo ingresado en un hospital de la capital sueca debido a una neumonía.

Bebo Valdés (Quivicán, Cuba 1918) comenzó a los siete años sus estudios de piano, que alternaba con intervenciones en agrupaciones escolares en las que cantaba y tocaba las maracas. Con la mayoría de edad se trasladó a La Habana para ingresar en el conservatorio, a la vez que se ganaba la vida "pelando papas" en un restaurante chino.

Entrada la década de los 40 debutó como pianista profesional con diversas orquestas, entre la que cabe destacar la del trompetista Julio Cueva, que trabajó para distintas cadenas radiofónicas. Por esa época empezó a coincidir con un amigo de la infancia que también iba a escribir páginas gloriosas de la música cubana: el compositor y contrabajista Israel López Cachao, padre del mambo que luego popularizaría Pérez Prado.

En 1948, tras un viaje a Haití que marcará toda su trayectoria musical, su carrera tomó impulso al ingresar en el legendario Club Tropicana, donde permaneció hasta 1957 como pianista y arreglista residente en la orquesta de Armando Romeu.

Durante esta época creó su propia big band, Sabor de Cuba. Con su respaldo musical triunfaron figuras como la famosa vedette Rita Montaner y cantantes de la talla de Beny Moré o Rolando Laserie.

De los inicios de la década de 1950 datan sus "descargas", sesiones de improvisación de jazz afrocubano que se encargaría de grabar por primera vez en la historia el conocido productor estadounidense Norman Granz, creador de Jazz at the Philarmonic y fundador del mítico sello Verve.

También por esta época inventó el batanga, un nuevo ritmo que entraba en competencia directa con el mambo de Pérez Prado y que se estrenó ante un enfervorecido público en una emisión radiofónica. Fue también en este periodo cuando conoció a Nat King Cole y grabó con él.

Valdés se exilió en 1960. Tras pasar por México y Estados Unidos, hizo una gira por Europa estableciéndose definitivamente en Estocolmo, donde vivió durante más de treinta años sumido en un asombroso anonimato, aunque seguía componiendo y tocando el piano, principalmente en bares de hoteles.

Medio retirado, en el transcurso de una enfermedad, el médico le dijo que ya no volvería a tocar el piano, a lo que él contestó: "Únicamente muerto".

No fue hasta 1994, con 76 años, cuando con el apoyo de Paquito D'Rivera el maestro volvió a los estudios de grabación con Bebo rides again. Unos años después trabó amistad con el director de cine Fernando Trueba e inició una fructífera colaboración que llega hasta la actualidad, con películas documentales como Calle 54 (2000) o El milagro de Candeal (2004) y discos como El arte del sabor (2001) o Bebo de Cuba (2005).

Desde aquella primera grabación producida por el cineasta madrileño hasta hoy, a Valdés le han llovido los elogios y los premios, entre ellos varios Grammys. La mayor popularidad la logró con el álbum Lágrimas negras (2004), grabado junto al cantaor Diego el Cigala.

Publicado por bach24111 @ 8:25  | Noticias musicales
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Viernes, 22 de marzo de 2013
Dúo
Composición a dos voces o a dos instru­mentos. La diafonía, el árganum y el discanto ofrecen los primeros intentos de dúo. En las obras polifónicas de los siglos xv y XVI abun­dan los episodios a dúo colocados ordinaria­mente en las misas, ya sea en el Kriste eleison o en el segundo A gnus Dei, tal es el caso de la Mente tota, de Fevin, reimpresa por Expert según la edición de 1516. En 1545 y 1590 se publicaron grandes colecciones de dúo bajo el título de Bicinia, por Rhan de Wittenberg y Phalcse, de Amberes. En el siglo XVIII las arias a dos voces se pusieron de moda en Francia entre los aficionados al canto. Se escribían en las formas más sencillas, con frecuencia en con­trapunto igual con un bajo continuo. Los com­positorcs italianos de esta misma época acrecie­ron el interés del dúo de cámara y de iglesia usando preferentemente la forma dialogada e introduciendo en él respuestas canónicas y dibujos contrapuntisticos. Steffani (1653-1728) se hizo célebre por sus Duetti de camera, que fue­ron en seguida imitados y cuya influencia se hizo sentir hasta en los más grandes creadores, como Haendel y Bach. Las cantatas a dos voces, en varios movimientos, de los músicos franceses del siglo XVIII son un eco menos directo del dúo. En la época siguiente apareció bajo el titulo : de nocturno un género de dúo de cámara de reducidas proporciones, en el que las voces can­taban casi constantemente juntas, predominando en él las series de terceras y de sextas agradables al oído. Uno de los primeros y más encantadores ejemplos de nocturno se halla en Beatriz y Be­nedicto, de Berlioz (1862). El pequeño dúo de cámara, o lied a dos voces, fue cultivado abun­dantemente en Alemania por Mendelssohn. Kü­chen, Schumann, Brahms, etc. En la ópera, el dúo había tomado desde la iniciación de este género un lugar deterrninado por la acción dra­mática, que se fue ampliando a medida que por efecto de la saciedad se reaccionaba contra el plan de la antigua ópera italiana, hecha de una sucesión de arias estereotipadas. Aunque todas las combinaciones de voces estuviesen admitidas, según las situaciones que debían expresar, el interés y los cuidados de los compositores y las preferencias del público se concentraron en los dúos de amor para tenor y soprano. Basta recor­dar los dúos de Guillermo Tell, de Rossini (1829); de Los hugonotes, de Meyerbeer (1836); de Lohengrin, de Wagner (1854); de Los troya­nos, de Berlioz (1863). Si Wagner rompió con la tradición suprimiendo casi totalmente las es­cenas de conjunto en el segundo acto de Tristán e Iso/da (1865), esta escena culminante de toda la obra, más que un verdadero dúo, es una serie de dúos llevada hasta los más extremados des­arrollos tradicionales. En la música instrumen­tal, el dúo se adapta a todos los destinos, desde el fragmento de estudio hasta las obras de vir­tuosismo y de moda.

Publicado por bach24111 @ 21:08  | Historia de la m?sica
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Muy original. Lo que se puede hacer con la voz


Publicado por bach24111 @ 15:39  | Historia de la m?sica
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RE                      Sim                          LA7

Tú eres el Dios que nos salva,

     Mim             LA7         RE

la luz que nos ilumina,

         SOL      LA7                   RE - Sim

la mano que nos sostiene

            Mim        LA7                RE

y el techo que nos cobija.

 

  RE                             Sim                Mim

/Te damos gracias Señor,

SOL                        RE             LA7  RE

te damos gracias Señor./ (bis)

 

Te damos gracias Señor

porque has depuesto la ira

y has detenido ante el pueblo

la mano que los castiga.

 

Y sacaremos con gozo

del manantial de la vida,

las aguas que dan al hombre

la fuerza que resucita.

 

Entonces proclamaremos

cantadle con alegría,

el nombre de Dios es agradable

su caridad infinita.

 

Que alabe al Señor la tierra.

Cantadle sus maravillas

que grande en medio del pueblo

el Dios que nos justifica.

 Fuentes: http://www.obispadogchu.org.ar/cancionero/partituras/p197.htm

 


Publicado por bach24111 @ 10:19  | Canciones Cristianas
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Jueves, 21 de marzo de 2013
Mi?rcoles, 20 de marzo de 2013



mi sol sol sol
la sol sol mi
sol sol la sol
SOL  FA
re sol sol sol 
la sol sol re
sol sol la sol
SOL MI
sol sol sol sol 
la sol sol sol 
do´ do´ re´ do´
DO´ LA
la do´ si la 
do´ sol sol sol 
la sol la si 
DO´ DO´

Minusculas: notas corcheas 
Mayusculas: notas negras     
LETRA

Supercalifragilisticoespialidoso,
aunque suene extravagante, ¡raro y espantoso!
Si lo dice con soltura sonará harmonioso,
supercalifragilisticoespialidoso.

De niño yo me acostumbré a tartamudear,
mi padre mi nariz torció para enseñarme a hablar.
Hasta que un día yo escuché, cuando era ya mayor,
la frase con más letras, la palabra más atroz.

ESTRIBILLO

El mundo ha recorrido él y donde fue una vez
su extraña frase les soltó y supo convencer.
Un duque y un majarajá a quienes suelo ver,
ayer mi frase al escuchar, me honraron con un té.

ESTRIBILLO

Si se ha tragado el gato y su lengua es igual,
pues siempre hay una frase que sin lengua sonará.
Mas dila con cuidado, no `pudiera hacerte mal...

¿Sabe una cosa?
¿Qué?
Una vez le dije esa palabra a una muchacha, y
hoy esa muchachita es mi mujer...
¡¡POM!!
¡Ouh! Pero es una mujer encantadora...

Y supercalifragilisticoespialidoso,
supercalifragilisticoespialidoso,
supercalifragilisticoespialidoso,
¡¡¡¡supercalifragilisticoespialidoosooooooo!!!!

Fuente: musica.com

Publicado por bach24111 @ 12:41  | FLAUTA
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S?bado, 09 de marzo de 2013
Viernes, 08 de marzo de 2013
Mi?rcoles, 06 de marzo de 2013
Martes, 05 de marzo de 2013


Con melodias podemos aprender a leer partituras y a entonarlas.





Publicado por bach24111 @ 16:26  | Lectura musical.
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Lunes, 04 de marzo de 2013

En esta pagina se ve la partitura, mp3, notas.

Melodia ( flauta) BNotas. Melodia con acompañamiento.


Publicado por bach24111 @ 19:22  | FLAUTA
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Mi homenaje. Descanse en paz.

El cantante Tony Ronald, que triunfó en la década de los setenta en la música con canciones como "Help!, ayúdame", falleció hoy en Barcelona a los 72 años por complicaciones de una larga enfermedad, informó hoy a Efe su hija y manager Juli de Boer.

Ronald, de origen holandés y cuyo verdadero nombre era Siegfried Andre den Boer Kramer, falleció esta tarde y sus restos mortales se encuentran en el tanatorio de Hospitalet de Llobregat, donde mañana se abrirá el velatorio a las 13:00 horas, tras lo que el martes se realizará una ceremonia de despedida a las 16:00 horas, agregó su hija.

La esposa del cantante, Mariló Domínguez, señaló al programa de Telecinco Qué tiempo tan feliz, de María Teresa Campos, en una intervención telefónica, que se sentían "muy triste" por la muerte de Ronald, pero a la vez "muy orgullosa de su vida, de su trayectoria y de cómo se ha ido".

En este sentido aseguró que fue "genio y figura hasta la sepultura. Hasta el último momento ha mantenido el tipo, ha estado fuerte, como él era", ha indicado Domínguez, quien dijo que "su cuerpo no ha respondido más (...) pero se ha quedado en paz".

Ronald, que era también compositor y productor, empezó su carrera en Barcelona en los cincuenta, pero el éxito le llegó a partir de los años setenta, sobre todo tras la publicación, en 1971, de "Help!, ayúdame".


Publicado por bach24111 @ 11:46  | Autores cl?sicos
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